Mark Forster: Chöre

Ich steh überhaupt nicht auf deutsches Liedermachergut. Und das meiste was an deutschsprachigem Zeug erscheint finde ich oberpeinlich. Wenn es allerdings von Mark Forster kommt, dann bin ich doch jedesmal wieder völlig überrascht und erfreut: Deutsche Texte müssen nicht dumm sein. Singer-Songwriter können auch moderne Arrangements kreieren. Doch – Mark Forster ist tatsächlich einer der sehr sehr talentierten und einfallsreichen Sänger Deutschlands momentan.

Und kann sich ganz gehörig auch mit den alten Recken des Deutschrockpop messen. Wobei er die allermeisten in Sachen Zeitgeist ohnehin schon längst überholt hat.

Chöre ist sein neuester Hit. Bekannt und beliebt wurde der Song vor allem durch seinen Einsatz in der deutschen Komödie Willkommen bei den Hartmanns. Na gut – da hat er also ordentlich Unterstützung gehabt. War aber eigentlich gar nicht nötig.

Denn Chöre geht anständig nach vorn. Beginnt mit ein paar Piano-Akkorden, die in ihrer Wiederholung absolut groovy daherkommen. Der Gesang setzt ein – und lässt schon deshalb aufhören, weil sich hier erstmal nichts reimt. Das ist Alltagssprache, die aber perfekt auf den Rhythmus passt. Auch das eher eine Seltenheit im deutschsprachigen Liedergeschäft. Mark Forster kriegt das richtig gut hin, authentisch zu bleiben ohne seine Texte wegzunuscheln. Dadurch erhält sein Gesang genau das Stückchen Pep, was seinen Songs den Schwung und Drive gibt. Um so etwas hinzukriegen, ist schon eine Menge Arbeit nötig.

Dass Mark Forster auch sonst nicht faul ist, schon gar nicht im Kopf, belegen seine Geschichten. In Chöre ruft er genau dazu auf: Hör mal auf mit der ewigen Bauchnabelschau und Jammerei – dir geht es gut, du kannst was, mach was draus! Er ruft uns zu: Nehmt euer Leben in die Hand und geht aufeinander zu!

Das Ganze so hübsch verpackt in eine persönliche Ansprache, fast schon Liebesgeschichte. Kann ich mich dem eigentlich noch entziehen?



Schön, dass es doch eine Menge Menschen gibt, die Chöre mögen. Diese Haltung kommt derzeit viel zu selten vor: Positives Denken, mit Energie Probleme angehen, Aktiv bleiben – und sich Feiern. Mark Forster wäre ein cooler Kandidat fürs Bundespräsidentenamt.

JT: Can't Stop The Feeling

Und das hier ist definitiv die Fortsetzung von Happy. In jeder Hinsicht.

Und es ist der Song, mit dem sich Justin Timberlake definitiv in die Liga der Pop-Superstars spielt, die auch über ihre Gegenwart hinaus Bedeutung haben könnten. In dem Bereich ist ja durch einige Todesfälle auch etwas Platz geworden – hier kommt Nachrücker Nummer 1.

Nachdem Justin Timberlake vor drei Jahren fleißig daran mitgewirkt hat, dass Funk wieder zu einem relevanten Einfluss und Stil im Mainstream-Pop geworden ist, dreht er mit Can't Stop The Feeling das Ganze noch ein Stück weiter. Das ist nicht einfach nur funky, sondern tatsächlich sofort im Ohr und in den Beinen – gute Laune auf Knopfdruck.

So wie Pharrell Williams vor zwei Jahren dieses überschwengliche Gefühl besang und gleichzeitig transportierte, so bekommt das auch Justin Timberlake im Jahr 2016 hin. Und ein bisschen bin ich auch überrascht, wie zeitgemäß dann doch so ein klassisches Arrangement klingen kann. Es gibt sie also, die Werte und Stilmittel, welche länger Gültigkeit haben.

Noch eine Parallele zu Happy und damit gleichzeitig der Unterschied zu den 70ern etc.: Das Video. Hier tanzt der Durchschnittsbürger. Alt, jung, schwarz, weiß, angestellt, herumhängend, dick, schlank, durchtrainiert, modisch, zeitlos, runtergekommen … Das war zwar auch schon die Idee für den Funk vor 50 Jahren, aber da wurde die Gleichheit vor allem in einem ganz bestimmten Kosmos hineintransportiert: den Club, die Disco. Dort war der Gegenentwurf zur Realität, dort konnten alle gleich sein und Spaß haben.

Heute ist das also ein bisschen anders – die westliche Gesellschaft ist insgesamt toleranter und offenere geworden. Es ist eben nichts Besonderes mehr, als schwarzer Arbeiter um die 60 neben der jungen, gutaussehenden Weißen im Fernsehen aufzutauchen. Fast jedenfalls.
Denn so schön diese Idee von Justin Timberlake ist, ein bisschen bleibt es auch ein Märchen. Die sozialen Unterschiede nehmen seit einigen Jahren wieder drastisch zu. Und so geschieht es mit den Abstiegsängsten und der Aggressivität allem Andersartigen gegenüber.

Also lese ich dieses Lied und dieses Video auch als einen Aufruf: So einfach kann es sein. So simpel und doch mitreißend. Lasst euch nicht das Leben vermiesen, glaubt an euch und das Miteinander. Und tanzt!


Für alle, die nicht so sehr auf youtube/goolge und deren Geschäftsgebarenstehen stehen, hier auch der Link zum Video auf VEVO

Warum ich alles das Justin Timberlake sogar abkaufe?
Weil seine Auftritte zwar bis ins Letzte durchinszeniert aber in keinem Moment übersteigert, gekünstelt oder abgehoben wirken. Da wo sich Pharrell dann doch als männliche Mode-Ikone hochstilisiert, da ist Herr Timberlake einfach völlig durchschnittlich. Schick angezogen – ok, die Choreographie stimmt auch, aber irgendwie könnte er eben auch der Nachbar aus dem Haus gegenüber sein. Wer es nicht glaubt, guckt sich am besten mal das "First Listen"-Video zu Can't Stop The Feeling an. Da tanzt der Mann mit der Filmcrew von Trolls im Studio als wäre es das Normalste auf der Welt. (Isses ja eigentlich auch, bloß weil einer Popstar ist, heißt das ja nicht, dass er nicht auch ein ganz normaler Mensch ist - oder sein könnte.)

Noch einen Beweis? – Die 1:30 min als Justin Timberlake im "Green Room" der Eurovision-Show auftrat. Ganz selbstverständlich, ohne Allüren und voller Respekt vor seinen Kolleg*innen.



Bei allen Überraschungen, politischen Gemengelagen, Bombast-Inszenierungen und auch hübschen Einfällen was das vermutlich einer der ehrlichsten und am meisten überzeugenden Momente des Abends.

Justin Bieber: Love Yourself

Ehm – schon wieder Justin Bieber? Was gibt es da noch zu berichten?

Na zum Beispiel, dass dieser junge Kerl nun offenbar auch in Deutschland nicht nur die pubertierenden Mädchen erreicht, sondern eine ganze Reihe anderer Menschen auch. Sein viertes Album Purpose ist gerade erschienen, erreicht aus dem Stand Platz 3 der Albumcharts – das ist noch nicht weiter sensationell – aber was sich in den Single-Charts tut, das lässt mich dann doch staunen. Acht Titel des Albums schaffen es in die Liste, drei davon in die Top 10. Mit dabei ganz neu und frisch Love Yourself, ein sparsam instrumentierter Abgesang auf eine Liebe, die sich als Einbahnstraße herausgestellt hat. Beziehungsvampirismus oder auch egoistisches Verhalten war da an der Tagesordnung.
Damit kommt Love Yourself ganz anders daher als die Vorgänger. Justin Bieber traut sich hier, nur auf seine Stimme zu setzen – und wird dafür belohnt und geliebt.

Ein bisschen könnte man das den Adele-Effekt nennen. Vertraue deinen Emotionen, produziere nicht zu viel drumherum. Die Menschen suchen in diesen Zeiten der Unsicherheit nach unverfälschten Aussagen, nach Ehrlichkeit und Authentizität.

Dass ausgerechnet Justin Bieber damit kommt – das ist tatsächlich ungewöhnlich. Der Teenie-Star, der alles Mögliche mitmachte, mitmachen musste, an dem eigentlich gar nichts mehr echt zu sein schien. Und jetzt also ganz unverfälscht und zurückgenommen.

Da klingen plötzlich auch die beiden Vorab-Auskopplungen nochmal ganz anders: What Do You Mean?, Sorry ... das sind genaugenommen schon richtig problembeladene Songs. Unverständnis, Kommunikationsschwierigkeiten und Entschuldigungen statt lustiges Leben, Trallalla und jede Menge Party. Die Generation Y (oder wie sie auch immer jetzt tituliert wird) hat also auch anderes im Kopf. Und vor allem ein Bewusstsein für Gefühle und Mitmenschliches.

Ist Justin Bieber doch mehr als ein hochgezüchtetes Kunstprodukt? Womöglich sogar ein Mensch?

Bei Love Yourself könnte eine ganze Menge an persönlicher Abrechnung drin stecken. Was wurde der kleine Justin nicht schon ausgenutzt und übers Ohr gehauen. Da ging es wahrscheinlich in den wenigsten Fällen um die Bedürfnisse des Sängers selbst. Und nun sagt er also: Fuck You!

Dass er das ohne großes Getöse und Wutausbruch macht, das lässt eine gute Portion Berechnung vermuten. Er schmeißt nicht einfach hin und trotzt sich durch eine rapide abstürzende Karriere wie so mancher deutsche Superstar. Er bleibt schön kuschelig und konsumierbar. Wenn man schonmal Idol ist, warum dann nicht den Ruhm auch auskosten?
Deshalb gibt es bei aller neuen und unerwarteten Ernsthaftigkeit, die auf dem Album Purpose zelebriert wird, eben kein Aussteigertum und Hippieness. Es gibt eine gewohnt bis ins Detail durchgestylte Inszenierung. Und der Song auf die neue Unabhängigkeit wird mit einem Video im Stile modernen Tanztheaters versehen.



Wo SIA in ihren Video-Choreographien die kaputte Gefühlswelt in brutal-verstörerische Bewegungen übersetzen lässt, da geht es bei Justin Bieder doch um einiges geschmeidiger zu. Da muss man schon in den Details lesen, um Missvertsändnisse und Streit sofort zu erkennen. Das könnte alles auch unbedarfte Neckerei sein, sieht ein bisschen nach Spaß aus und ungefährlich – nervt aber offenbar trotzdem genug, um einen Strich zu ziehen. Auch Verletzungen aus Unachtsamkeit schmerzen.

Auch ohne all diese aufgesetzte Interpretation ist Love Yourself das erwachsenste Stück, das Justin Bieber bislang aufgenommen hat. Nicht umsonst klingt es insgesamt auch ein bisschen so, als hätte hier Ed Sheeran das Mikro in die Hand genommen.

Und damit bin ich dann nochmal bei dem neuerlichen Erfolg, der verglichen mit dem Teenie-Hype der vergangenen Jahre wesentlich beständiger und umgreifender ist. Es sind eben nicht mehr nur die 14-jährigen, kreischenden Mädchen, die Justin Bieber hören. Es sind auch die, die vor fünf Jahren noch Teenies waren, nun aber fast schon mitten im Leben stehen. Und es sind vermutlich auch einige dabei, die bislang noch gar nicht viel mit dem Typen zu tun hatten und eigentlich auch nur so halb bei dem ganzen Tagespoptheater durchblicken. Tagesschlagermitläufer. – Das ist die Kategorie, in der Justin Bieber ab sofort einzuordnen ist. Ein bisschen Teenie-Star, aber schon ein ganzes Stück Mainstream-Pop-Artist. Im besten Sinne.
Das daraus noch eine ganze Menge mehr werden kann, das demonstrieren solche Beispiele wie Justin Timberlake und Robbie Williams. Mal schauen ob ich in 10 Jahren immer noch über Herrn Bieber schreibe.

Adele: Hello

Fast hätte ich veregessen, dass es neben dem Sorglos-Deep-House und weinerlichen Liedermacher-Gesang (gern auch in einer Rap-Version) noch eine weitere erfolgsgewichtige Musikströmung in den 10ern existierte. Die soulful ballad (bei wikipedia findet man auch den Begrif "Power Ballad".

Wie auch immer – irgendwie war diese Stilform kaum noch wichtig für mich, obwohl natürlich solche Künstler wie Sam Smith beständig präsent waren. Es brauchte doch erst die Rückkehr von Adele um mich wachzurütteln: Da war doch noch was!

Mit Hello gelingt es der Sängerin eindrucksvoll drei Jahre ungeschehen zu machen. Sie knüpft einfach da an, wo sie 2011 mit 21 aufgehört hat. (Das kleine Skyfall-Intermezzo nehmmich hier mal aus.) Wenn ich Someone Like You (das sich immer noch in d´meiner aktuellen mp3-Playlist befindet) oder Turning Tables mit Hello vergleiche, dann scheint es tatsächlich so, als wäre das letzte Album erst gestern veröffentlicht worden. Und das Ungewöhnliche daran ist, dass Hello trotzdem ganz schnell überzeugen kann.

Es ist vor allem wieder Adeles Stimme und ihre authentisch-gefühlvolle Art zu singen, die mich einnehmen und aufhören lassen. Hello ist so intensiv, als wäre es die erste Erfahrung von Verlust und Bereuen. Konzentriert auf die Sängerin selber singt sie sogar den Begleitchor und die Streicher an die Wand. Das ist sehr konsequent.

Und ich behaupte, diese Konsequenz ist es, die Adele tatsächlich zu einer Ausnahme-Künstlerin machen. Da wo sich alle möglichen Stars und Sternchen immer wieder neu erfinden müssen und im Jahresrhythmus ihr Image ändern, da arbeitet Adele an Material, konzentriert sich auf Songs oder Produktionen. Die Geschichten über ihre Schreibblockade in der Vergangenheit und den Verzicht, irgendetwas aufzunehmen passt genau zu ihrem Unbehagen, vor Riesen-Stadien aufzutreten oder der tatsächlich durchgezogenen Pause. Adele macht nichts, was sie nicht auch 100% meint. Produzenten und Managern zum Trotz. Und deshalb wird es auf ihrem nächsten Album eben nur einen Song von Ryan Tedder geben und die Max-Martin-Produktion ist offenbar rausgeflogen. Wer würde sich so etwas trauen?

Adele setzt hier selbst die Maßstäbe und ist genau deshalb so überzeugend. Unter diesem Aspekt darf man sich dann auch das Video von Xavier Dolan anschauen, in welchem Tristan Wildes als ihr Gegenüber und Ex-Liebhaber auftritt.



Bei allem Schwarz-Weiß und eingestaubtem Interieur, mit der Besetzung allein ist das Video alles andere als altmodisch. Die Paare zwischen Schwarzen und Weißen im aktuellen Medienrummel kann man an wenigen Fingern abzählen. Hautfarbe macht immer noch einen Unterschied. In Hello geht das dagegen ganz selbstverständlich - und das ist hier die politische Dimension, die ganz unterschwellig mitgeteilt wird.

Schön wär's, wenn sich mehr Musiker*innen genau das auch trauen würden.

Sarah Connor: Wie schön du bist

Und damit ist sie zurück. Ein bisschen hat sie schon vor gut einem Jahr geübt. Oder getestet. Bei der Sing meinen Song-Show. Die recht unerwartet zum Publikumserfolg wurde und nicht nur die komplette Songsammlung als Album sondern tatsächlich auch einzelne Interpretationen zu kleinen Tageshits machte. Sarah Connor erlebte so ein unerwartetes Comeback. Denn wer hätte denn wirklich geglaubt, dass sie es nochmal so richtig in die Charts und in unsere Aufmerksamkeit schaffen könnte.

Ja klar, Fernsehshows der C-Sorte und trallalla. Das hat sie ja irgendwie schon immer gemacht. Sich vermarkten. Und ihr Privatleben. Da konnte man großzügig auch einfach weiterzappen. Ob da nun CC Catch sitzt oder Sarah Connor - who cares?

Ein bisschen waren wir alle auch froh, dass die 00er vorbei waren und damit irgendwie auch die Hoch-Zeit dieser Frau, die sich in enorm kurzer Zeit zu einer der erfolgreichsten deutschen Sängerinnen hochgearbeitet hatte. Denn irgendwie blieb an Sarah Connor immer auch so etwas B-Promihaftes kleben. Egal wie viele Nr.1-Hits sie ablieferte und wie viele Alben sie auch verkaufte – richtig ernst genommen haben sehr viele sie nicht. Und so kam es uns eigentlich ganz gelegen, dass sie sich in den letzten vier...fünf Jahren nicht mehr so sehr ins Musikgeschäft gedrängelt hat.

Aber tot Gesagte leben eben doch länger. Und es war wirklich überraschend und ein bisschen unglaublich, dass Sarah Connor da in dieser Bergbretterbude mit Xavier Naidoo und Andreas Gaballier plötzlich Lieder auf deutsch zum Besten gab. Das war an sich schon eine schräge Kombination, die jedes Recht auf besondere Erwähnung in den Jahresbüchern gehabt hätte. Aber dann war die Interpretation obendrein auch noch glaubhaft, nahezu sympathisch. Das, was ihr mit ihren Schaut-in-mein-Leben-Soaps nie so richtig hingekriegt hat, das funktionierte 2014 plötzlich auf Anhieb.
Der ganze, schreckliche Inszenierungslack, der immer ordentlich an ihren Auftritten klebte, war plötzlich wie weggewischt. Oder zumindest nicht mehr so wichtig oder vordergründig. Und offenbar hat das nicht nur den Zuschauenden Freude gemacht, sondern auch der Sängerin selber. Denn das neue Album kommt plötzlich genauso direkt und unvermittelt daher, sogar auf deutsch: Muttersprache. Entsprechend ist die vorab auf den Markt geworfene Single eben auch ein deutsches Liedermacherballadenstück: Wie schön du bist.

Ob ich das wirklich mag, weiß ich nicht. Zumindest kommt es aber bei sehr vielen Menschen gut an. Das ist auch kein völliger Zufall. Deutsche Balladen mit emotionalem Text haben schon eine ganze Weile Konjunktur. Neu ist hier maximal, dass es mal eine Frau ist, die sich auf der Gefühlswelle durch den sparsam begleiteten Song treiben lässt.

Natürlich erfindet Sarah Connor das Genre überhaupt nicht neu. Im Gegenteil. Sie knüpft an wohlbekannte und erfolgreiche Vorbilder an. Silbermond/Juli/Rosenstolz – von allen finden sich Versatzstücke wieder in der aktuellen Veröffentlichung. Ob es die treibenden und sehr vordergründigen Drums sind, die das Lied dann glücklicherweise nicht in der Romantik-Sauce belassen, sondern ihm einen schönen rockigen Ton geben, oder ob ich mich beim Timbre der Stimme urplötzlich an AnNa R. erinnert fühle – hätte ich nicht gewusst, dass dieser Song von Sarah Connor ist, ich hätte es auch nicht ohne Hilfe erkannt.

Das ist für mich das eigentlich Überraschende an Wie schön du bist. Ich hätte nie erwartet, dass Sarah Connor so grundsätzlich auf das verzichtet, was sie irgendwie auch groß und erfolgreich gemacht hat: Glatte, ein bisschen schmalzige und viel poplastigere Produktionen.

Respekt habe ich tatsächlich vor der Konsequenz, mit der die Sängerin diesen Imagewechsel betreibt. Deutsche Texte, Konzentration auf Inhalte, Bodenständigkeit und Direktheit – das sind die neuen Beschreibungen, die ich hier aus der Schublade ziehen würde. Und diese treffen vermutlich ganz gut auch auf eine Stimmung, die sich weiter und weiter durchsetzt. Weg vom Bling Bling Luxus der 00er hin zu den eher normalen 10ern. Das kann auch Pop sein.

Gregor Meyle: Keine ist wie du

Natürlich werden mit Fernsehshows Hits gemacht. Diese Weisheit ist so alt wie ... vielleicht das Fernsehen selbst. In den vergangenen Jahren (oder mittlerweile Jahrzehnten?) waren es vor allem die Casting-Formate, die uns Hits bescherten. Zunehmend wurde vor etwa fünf bis sieben Jahren dann bemerkbar, wie der Erfolg von den eigentlichen Casting-Stars wegschwappte zu den Songs, die während der Shows interpretiert wurden. Das hatte viel zu tun mit der digitalen Verfügbarkeit der teilweise älteren Singles und Hits.

Mit Philipp Poisel wurde dann vor zwei Jahren sogar ein Sänger durch ein interpretiertes Lied während einer Casting-Show so richtig zum Medien-Hype und damit wesentlich erfolgreicher als bis dato. Natürlich war er zuvor nicht komplett unbekannt. Und natürlich war es nicht nur DER EINE Auftritt, aber so etwas wie der letzte Funken oder Tropfen, der dann alles nochmal ordentlich vervielfachte.

Und diese Geschichte scheint sich gerade mit Gregor Meyle zu wiederholen. Dieser wurde 2007 durch Stefan Raab dem Fernsehpublikum bekannt, wurde dort in einem der Nebenbei-Casting-Shows des Entertainers Zweiter – immerhin. Das brachte ihm ein paar erste Achtungserfolge ein. Und dann verschwand er mehr oder weniger wieder von der Bildfläche.

Das ist für Casting-Teilnehmer zunächst eine recht gewöhnliche Biographie. Egal in welcher Variante sie auftreten. Gregor Meyle entschied sich dann – auch das nicht total ungewöhnlich – von der großen Musikindustrie unabhängig weiter zu machen und gründete ein eigenes Label. Spätestens hier ist dann wirklich für die allermeisten Schluss. Denn wer hat schon genug lang die finanzielle und emotionale Kraft, Songs zu schreiben, aufzunehmen, zu veröffentlichen ... und dann doch kaum wahrgenommen zu werden?

Immerhin, Gregor Meyle blieb fünf Jahre dabei und wurde offenbar doch wahrgenommen. Zumindest folgte im Frühjahr 2014 die Einladung von Xavier Naidoo ins Sing meinen Song-Ferienlager, wo er ein bisschen die Rolle des kleinen Newcomers hatte. Zumindest waren die anderen Lagerteilnehmer ander – sichtbarer – im Business verankert.

Und dann wählte sich Sarah Connor Keine ist wie du als Song aus, den sie zum Besten gab. Was ihr nach Jahren der Chart-Abstinenz ein Comeback im Medienrummel verschaffte. Und auch der Originalaufnahme eine gewisse Aufmerksamkeit brachte. Immerhin konnte sich der Titel, der nie als Single ausgekoppelt war, ebenfalls für kurze Zeit in den Charts platzieren.

Damit war das Eis gebrochen ... und nun taucht der Titel wieder auf, in einer Casting-Show und ... ja, jetzt wird er vollends geliebt, geladen, gekauft. Kurz – er wird zum Hit.

Wie gesagt, eine Geschichte, die wir durchaus schon kennen. Anders ist in diesem Fall höchstens, dass es sich bei Keine ist wie du eben nicht um einen von klugen Managern oder den Schöpfern selbst ausgewählten Titel handelt, der in deren Augen das Potenzial zu einem Song für viele zu haben. Hier hat die Qualität der Komposition ganz wesentlich ihren eigenen Anteil gehabt. Und das ist dann eine Geschichte, die nicht allzu oft im Pop-Business vorkommt.

Keine ist wie du ist wie du, ist eine großartige Ballade. Eine der wenigen, die es schafft Gefühle zu transportieren ohne zu sehr ins schwiemelige Pathos abzugleiten oder einen Haufen Romantik-Geigen-Soße drüber zu schütten. Gregor Meyle beschränkt sich auf eine ganz sparsame Instrumentierung (ja, ein paar Violinen tauchen da auch auf, aber nur ganz ganz vorsichtig) und vertraut auf seine Stimme. Die – und auch das ist für deutsche Künstler nicht so gewöhnlich – eben nicht permanent beweisen muss, wie gut ausgebildet und schön sie sein kann. Gregor Meyle traut sich, hier auch zu zeigen, dass es für ihn Grenzen des Gesangs gibt. In einzelnen Momenten hab ich das Gefühl, das ist doch jetzt nur so dahin gesagt. Und genau das ist das Schöne. Weil es eben nicht in eine kunstvolle Form gegossen wurde, sondern so da steht, wie ich es auch formulieren würde. Der schöne Begriff Authentizität kommt hier wieder mal ins Spiel. Offenbar immer noch etwas, an dem sich der deutsche Pop abarbeiten kann.

Und so authentisch (oder ehrlich) sind auch die von ihm gewählten Worte. Da kommen auch solche großen Versprechungen und Wünsche wie "immer", "nie wieder", "keine" vor – Verheißungen, die im Moment wirklich so scheinen, trotzdem ja aber auch ganz schön übergroß und unglaubwürdig sind. Und genau das teilt Gregor Meyle ebenfalls mit. Er benutzt sogar solch ein Wort wie "irgendwie": Du bist immer noch irgendwie da. – Nicht gerade das, was uns der Gute-Manieren-Index als Kompliment definieren würde. Deshalb aber nicht weniger überzeugend.

Es sei denn, die Frau ist eine völlig eitle Ziege, die immer nur beschenkt und angebetet und rumgezeigt werden will. (Soll es ja geben!) Dann wäre sie aber niemals mit so einem wie Gregor Meyle zusammen.

Nun kommt in unserer überinszenierten Welt Ehrlichkeit und Authentizität immer ganz gut an. Muss deshalb aber nicht dauernd gut gehen. Zum einen ist das ja nicht so einfach, sich selbst erstmal so weit zu haben, dass man rauskriegt, was einen wirklich umtreibt. Gregor Meyle brauchte da offenbar auch eine Weile ehe er sagen kann "Ich geb's jetzt endlich zu."

Zum anderen haben wir so viel Quatsch-Bilder und -Vorlagen um uns rum, dass es eben auch ganz schnell geht und ich denke, das muss alles so sein. Auch hier hält sich Gregor Meyle an sein Gefühl: er redet nicht von Hochzeit, Kinder, Haus, Familie ... obwohl sein Liebeslied ganz konventionell gedacht darauf hinzielen würde. Ist für ihn aber alles nicht der Sinn der Beziehung und der Liebe. Es geht um die Person, es geht um das Gemeinsame, egal unter welchen Umständen.

Da bin ich ordentlich beeindruckt. So viele Möglichkeiten und Varianten muss man erstmal zulassen.

Vielleicht ist es genau das, diese Offenheit, die den Song so überzeugend macht. Und vielschichtig. Eine Zeile wie "Ich will nie wieder so einsam sein ... wegen dir" kann eine ganze Menge bedeuten. Je nachdem wie man es betont oder wo man das Komma setzt. Oder auch nicht. – So transportieren wenige Worte ein ganzes Universum, ein ganzen Stapel an Lebensmöglichkeiten. Das schaffen auch nicht viele Textzeilen.

Kurzum: Im Februar hatte ich Revolverheld für Ich lass für dich das Licht an schon die Trophäe "Schönstes und überzeugendstes Liebeslied" überreicht. Ich glaube, die Jungs müssen jetzt ein bisschen Platz machen für Gregor Meyle und ihm mindestens die Hälfte Ihres Ruhmes abgeben.

George Ezra: Budapest

Das ist nun also die Stimme des Jahres. Zumindest wenn man den Pressemeldungen glaubt. Und der BBC. Obwohl die George Ezra ja Anfang des Jahres nur auf Platz 5 der heißen Empfehlungen für 2014 hatte. Wie auch immer, jetzt ist der Typ angekommen in Kontinentaleuropa und feiert euphorische Erfolge. In diesem Fall hat auch die Plattenfirma alles richtig gemacht und genau zum Zeitpunkt der größten Nachfrage die CD-Version seines Titels Budapest veröffentlicht.

Beim ersten Hören ist schnell die Schublade auf: Ok – noch so einer von der Sorte Passenger, Milow, James Blunt ... Der einzige Unterschied: dieser hier ist wirklich noch ganz jung. Die nächste Generation also. Und das ist dann tatsächlich auch ein Unterschied. Denn da wo sich die gestandenen Singer Songwriter doch mehr und mehr in romantischem Selbstmitleid und Weltschmerz ergehen und verstricken, da erzählt uns George Ezra lieber von der Einfachheit des Glücks. Er braucht keine Schlösser in Budapest oder Ländereien oder Kunstsammlungen. Er braucht eine Gitarre, ein paar Claps und einen Menschen für den er singt. Das ist doch mal eine Aussage. Obendrein eine, die in dieser Deutlichkeit seit Macklemore & Ryan Lewis niemand weiter in den Mainstream-Erfolg gebracht hat. Da ließe sich hier jetzt schön der Herr Ezra hochstylisieren zum neuen Superhelden der Konsumverweigerung. Das ist ja quasi Kapitalismuskritik pur …

Kann man natürlich auch sein lassen.

Trotzdem bleibt es beeindruckend mit welcher Konsequenz – oder nenn’ ich hier lieber den abgenutzten Begriff Ehrlichkeit? – wie auch immer, beeindruckend ist, dass George Ezra hier nicht einfach ein eingängiges Lied singt mit einem poetischen Text, der alle möglichen Deutungstüren offen lässt. Das, was er hier von sich gibt ist vermutlich seine innerste Überzeugung. Er kann auf all die Luxusfaxen verzichten. Sein Leben ist wertvoll durch Gemeinschaft.

Warum ich glaube, dass George Ezra hier mit ganzem Herzen dabei ist? Weil er sich – anders als andere Stars in seiner Sparte (siehe oben) ganz einfach und zurückgenommen inszenieren lässt. Er ist nicht der Outlaw-Held, der auf die ganze Gesellschaft scheißt, er ist auch nicht der unverstandene Vollblut-Musiker, der auf der Bühne sich entäußert. Sei es im minimalistischen Stripped-Down-Video welches auf MTV zu finden ist und nur den Sänger vor farbig wechselndem Hintergrund zeigt oder sei es in der hübschen Version, welche auf VEVO angeboten wird und selbst in der kunstvollen Inszenierung zurückhaltend schön ist: George Ezra ist ist einfach ein ganz durchschnittlicher Normcore-Junge. Und das durchaus positiv.



Nun muss man natürlich dazu sagen, dass George Ezra mit seinem Jungengesicht auch sofort jeden Zweifel hinwegfegt, dass hier irgendetwas nicht authentisch an ihm und seinem Song sein könnte. Vielleicht ist das alles ja aber trotzdem wohlwissend eingesetzt …?

Egal. Zur Romantik – und das verkörpert George Ezra ja auch – gehört eben auch, dass man sich ein bisschen was vormacht und nicht immer alles dekonstruiert.

Bevor ich hier die Kiste zu mache und mich vor lauter Erstaunen über so viel uneitle Bescheidenheit noch in Verzückung schreibe, werfe ich mal noch einen Blick auf die Chartstatistiken seines Titels Budapest. Und da fällt etwas Sonderbares auf: Budapest schafft es in den deutschsprachigen und in den Benelux-Ländern bis ganz nach vorn – die Menschen lassen sich in Massen von ihm vereinnahmen und begeistern, in seiner Heimat und in Irland, da reicht es gerade mal für Positionen im Mittelfeld. Wie kommt denn das? Ist Budapest für die Inseln zu weit weg? Ist der britische Musikmarkt dann doch eher was für komplett durchgestylte und auf Glamour setzende Acts? Natürlichkeit ja – aber nur wenn es drumrum ordentlich technisch zur Sache geht. So wie es John Newman und James Arthur zelebrieren.

Und in Deutschland hat man grad die teutonisch stampfende Eurodance-Nummern satt, steht deshalb auf eher sanft weichspülende Nummern, die von echten Menschen kommen?

Wenn man sich mal die großen Hits der letzten Monate anschaut, dann steht zumindest in Deutschland tatsächlich recht häufig der plakativ bodenständige (naturverbundene) Sound in der Liste. Gern auch modern aufgehübscht mit Deep House-Rhythmus (Mr. Probz, Klingande oder Milky Chance) oder dann doch auch Dance-Beats (AVICII) – in Großbritannien dagegen ist es auffallend oft der reine Dancefloor-Sound, der allerdings um einiges vielfältiger in den einzelnen Tracks variiert wird als es in Deutschland der Fall ist. Offenbar existieren hier doch recht verschiedene gesellschaftliche Realitäten. Oder eben verschiedene Wege mit Realitäten im Jahr 2014 umzugehen.

Deutschland – so viel lässt sich problemlos konstatieren – sehnt sich in der Mehrheit nach mehr Einfachheit. Vielleicht auch Übersichtlichkeit. Womit wir auch schon wieder beim Erfolg des simplen Schlagers wären. Da können wir froh sein, dass es solche Menschen wie George Ezra gibt, die uns zeigen, dass Einfachheit nicht generell blöd sein muss.

Jan Delay: St. Pauli

Es ist doch schon eine ganze Weile her, dass Jan Delay so einen richtigen Hit hatte. Also einen, der ständig im Radio lief, der einen wochen- oder monatelang irgendwie begleitete und mit dem eine Menge Leute etwas anfangen konnten. Ich würde sagen, Oh Johnny im Sommer 2009 war so ein Hit. Und nun ist als zweite Vorankündigung zu Jan Delays Rock-Album Hammer und Michel die Single St. Pauli erschienen. Den ersten Reaktionen und Verkaufszahlen zufolge können sich nahezu alle darauf einigen und finden den Song großartig. Warum eigentlich?

Klar, wenn man die Geilheit von St. Pauli besingt, dann kann das gar nicht schief gehen. Seit wieviel Jahrzehnten ist dieser Stadtteil und seine Vergnügungsmeile der Sehnsuchtsort des sich irgendwie freier, unangepasster und jung gebliebener definierenden Independent-Mainstreams? Selbst die ganz alten, angekommenen und teils sogar peinlichen Alt-Rocker zelebrieren immer noch ganz gern ihr unbändiges Leben, indem sie eine Hymne auf St. Pauli anstimmen.

Nach fast 20 Jahren Musikbusiness scheint Jan Delay auf dem besten Wege zu sein auch so ein Popkultur-Monument zu werden, das es sich verbietet alt zu werden oder sich zumindest gern so inszeniert als würde Alter nichts bedeuten. Oder warum muss es jetzt ausgerechnet ein Rock-Album sein?

Beim Hören von St. Pauli geht es ja dann doch auch ordentlich funky zu. Bläsersätze dürfen genauso sein, wie der Gesang auch weiterhin noch nasal-vernuschelt eher Soul als dreckiger Rock ist. Das ist vielleicht sogar ganz gut so. Aber warum es dann doch ausgerechnet E-Gitarren als Hauptinstrument sein müssen ... ?

Eventuell würde diese Kombination sogar ganz gut funktionieren, wenn das Ganze dann nicht doch ordentlich kantenfrei und glatt produziert wäre. Passt natürlich wesentlich besser zur inszenierten Video-Geschichte, die - warum auch immer - eine Startrek/Deep Space 9-Adaption ist. Allerlei skurrile und gestrandete Gestalten, die meisten davon schon ordentlich vom Leben gezeichnet (ach ja: Rock), treiben sich "Im Blauen Loch" herum, hängen ab oder lassen sich vollaufen. Natürlich gibt es da auch mal ordentlich Stress – der aber dank Antigravitations-Schalter schnell behoben werden kann.



Das also ist St. Pauli: ein Ort irgendwo im Nichts, auf dem nur die völlig Fertigen landen, voll mit kruden Gestalten, begierig nach Spaß. Böse könnte ich das Ganze auch eine eigensinnige Freak-Show nennen: Aussteiger, Außenseiter, Typen, die sich gern als individuell verkleiden, aber doch in ihrer Szene eher Normcore sind - und die an ihrem kleinen Paradies festhalten. Wer will schon nach Hause gehen, wo doch nur die schwarze und eiskalte Leere draußen wartet? Irgendwie fühlt sich das Ganze auch ordentlich nostalgisch an. Einfach ignorieren was draußen vor sich geht, so lange es noch im kleinen Kosmos funktioniert ist alles gut.

Nun muss ich natürlich an dieser Stelle nicht allzu streng sein. Denn all das lässt sich auch auf St. Pauli in Realität sagen. So wie es auf nahezu jede Vergnügungseinrichtung zutrifft. Oder was feiern wir eigentlich im Club? Und was soll dort auf gar keinen Fall stattfinden? Unsere Türsteher sorgen schon dafür, dass Stresspotenzial außen vor bleibt.

St. Pauli ist also die Hymne auf die kleinen abgegrenzten Biotope und sozialen Laboratorien in unserer Gesellschaft. Mit Referenz auf die Tradition der Hamburger Szene funktioniert das sofort. Jeder versteht's und stimmt ein in den Gesang. Schon finden sich Dutzende Cover-Versionen im Netz. Beim Vergleich wird dann auch schnell deutlich, wo die Schwächen in der nett-lustigen Version von Jan Delay liegen. Wenn nämlich Rantanplan St. Pauli abfeiern, dann geht das ganz anders zur Sache: ungehobelter, direkter und wesentlich ungeschminkter. Die Jungs haben nicht nur einfach Spaß, sie feiern auch so, wie man heute eben feiert. St. Pauli ist nämlich alles andere als alt(modisch). Ständig erfindet es sich neu. Das ist vielleicht für die seit Jahrzehnten dort lebenden Überlebenskünstler nicht immer ganz einfach. Aber es hält eben auch jung. Weshalb St. Pauli dann auch so eine Hymne verdient hat. Ganz ohne Nostalgie.

REVOLVERHELD: Ich lass für dich das Licht an

Wenn eine deutsche Band es schafft, überzeugende Liebeslieder zu schreiben und dann auch noch genauso überzeugend aufzunehmen, ohne dabei in den kompletten Kitschtopf zu fallen, dann sind das wahrscheinlich REVOLVERHELD. Na gut, Jupiter Jones haben da auch schon ordentlich Maßstäbe gesetzt. Aber die habe ich irgendwie in den letzten beiden Jahren doch nicht mehr so wahrgenommen.

Ich lass für dich das Licht an berührt mich als erstes durch den Text. Das was Johannes Strate da aufzählt ist ein bisschen die Fortführung von der Idee: “Du bist das Wasser ich bin der Fisch“– allerdings viel viel uneitler. Was ist eigentlich wichtig, außer dem geliebten Menschen? – Diese Bedingungslosigkeit ergreift mich wirklich. Ja – das ist Hingabe. Das ist Liebe.

Das ist natürlich auch ordentlich romantisch und vielleicht sogar ein bisschen weltfremd – würde ich wirklich meine Plattensammlung verbrennen? In der zunächst ganz sparsamen Instrumentierung, in der Reduzierung einfach auf dieses Geständnis und in der ziemlich ungeschminkten Art, wie Johannes Strate das vorträgt – in dieser Interpretation glaub’ ich trotzdem dran. Für diesen einen Augenblick ganz bestimmt. Wer so ehrlich ist, sich so gar nicht versteckt, sich traut an die eigenen Grenzen zu gehen, den muss man doch erhören, oder? Wenn nicht diese Liebe Berge versetzen kann – was dann?

Und ich höre wie dem Sänger beinahe die Stimme wegbleibt, ich hab’ sogar richtig Angst, dass er den Ton vielleicht nicht 100% trifft – egal, eigentlich kann es gar nicht schief gehen. Tut es auch nicht. Und deshalb ist dann auch der Heiratsantrag vielleicht nicht perfekt inszeniert in Worten ausgedrückt, aber eben aufrichtig und ehrlich und schön.



Natürlich sind solche Heiratsanträge in der Öffentlichkeit echt eine schwierige Nummer. Zuviele Bachelor- und Herz-sucht-Dich-TV-Shows haben aus diesem eigentlich intimen und privaten Moment schon alles rausgepresst, was an Gefühlsduselei nur geht. Ich will das gar nicht mehr mit 1.000 000 Menschen gleichzeitig verfolgen wie zwei sich entscheiden, ewig miteinander zu leben. Die überbordende Heiratswerbemaschinerie auf allen Kanälen und in allen Zeitungen scheint die komplette Gesellschaft derzeit in eine Art wahnhaften Rausch zu peitschen. Da krieg ich angesichts von millionenfachem Hochzeitsglück und Brautpaaren des Jahres fast schon das Kotzen. Was wollen Menschen im Jahr 2013 eigentlich damit beweisen, dass sie wie bescheuert und vor allem recht häufig völlig überstürzt heiraten? Die Ehe als der letzte Zufluchtsort der Sicherheit? (Oder wahlweise auch der erste, denn dann geht’s ja alles viel leichter mit Kredit und Hausnestbau und und und...) Deshalb auch der große politische Streit darüber, wer nun ab wann eine richtige Familie ist und warum Paare ohne den Zettel weniger wert sind, nicht alle Vorteile genießen dürfen, die Verheiratete automatisch erhalten...

Trotz dieser ganzen Fragezeichen – und bei mir ja sogar eher Ablehnung der neokonservativen Heiratssucht – trotz aller Kritik an diesem Moment, ist das Video zu Ich lass für dich das Licht an der wahrscheinlich schönst Liebesschnulzenfilm seit Jahren. Ich sitz’ da, heule vor lauter Gefühlsquatsch, ein bisschen peinlich ist das Ganze natürlich auch, und kann nicht anders. – Das muss ein Video oder ein Lied erstmal so hinkriegen.

Dass das nicht einfach ist und keineswegs immer funktioniert, lässt sich an Revolverheld selber ausprobieren. Ihr Vorgänger Das kann uns keiner nehmen ist für mich so ein Beispiel. Da komme ich mit den seltsam biederen Blicken auf das Leben überhaupt nicht zurecht. Da ist mir der ganze Verkleidungs- und Inszenierungszirkus zu viel, zu unecht, der hymnenhafte Refrain ist mir nur peinlich …

Gut – lass ich die Vorgängersingle einfach das sein was sie ist: vorbei und gar nicht mehr so relevant. Ich lass für dich das Licht an versöhnt mich tatsächlich. Und irgendwie wünsch’ ich mir, dass die Jungs von Revolverheld künftig noch viel mehr und konsequenter auf Club-Act machen und die großen Konzerthallen und Stadien meiden. Lieber kleine private Geburtstagspartygeschichten mit individuellen und subjektiven Fehlurteilen als pompöse Lebensrückschauen mit Allgemeingültigkeitsplätzen. Das ist wahrscheinlich schwieriger zu machen, vor allem auf Dauer, aber irgendwie scheint's mir ehrlicher. Und schöner. Bei Ich lass für dich das Licht an hat's ja schonmal richtig gut funktioniert.

Andreas Kümmert: Simple Man

Eigentlich ist dieser Mann ein wenig zu bedauern. Auch wenn The Voice of Germany tausendmal als die bessere und die andere Casting-Show beschrieben wird, als Gewinner der Ausgabe 2013 muss er nun erstmal gegen diesen Sieg ankämpfen. Ivy Quainoo, die Siegerin der ersten Ausgabe im Jahr 2012, ist – gemessen an ihren Mainstream-Verkaufshits – auch nur ein Casting-Show-Produkt mit mäßigem Erfolg. Und immer wenn ihre Name auftaucht, dann ist auch sofort der Link da: Siegerin bei ... welchem Casting doch gleich? Nicht unbedingt in jedem Fall vorteilhaft.

Vom Sieger 2012 Nick Howard spricht heute gar keiner mehr – Popularität während der Show heißt also nichts. Und nun tritt Andreas Kümmert an. Gern wird er als der komplett andere Sieger bezeichnet. Er kommt zu den Shows und selbst zum Finale kein bisschen herausgeputzt – eher noch alltäglicher, noch abgerissener. So wie sein Leben bisher verlief. Er kann auch bereits nach dem Halbfinalauftritt einen veritablen Top 5-Hit vorweisen. Und selbst meine Mutter, die Pop höchst ätzend findet, murmelt anerkennend: “Aber eine gute Stimme hat er...” Sind das die richtigen Vorzeichen für einen Ausnahme-Sieg?

Was wird da also kommen? Wird nun ernsthaft ein Casting-Sieger eine länger anhaltende Karriere haben? Bisher gab es lediglich Lena, die dieses Kunststück hinlegen konnte (von den No Angels jetzt mal abgesehen – das war dann doch eine andere Liga).

Seine Single Simple Man, die kommt erstmal ordentlich bodenständig daher. Ein soulgefüllter Titel den auch Joe Cocker vor 30 Jahren schon hätte zum Hit machen können. Mit seiner Präsenz in der Show erreichte er ein Riesenpublikum. Vor allem eines, dass sich an Einzeltiteln erfreuen kann.



Nun bleibt abzuwarten was passiert, wenn die Medienaufmerksamkeit nicht mehr auf ihn gerichtet ist. Wie überzeugend ist dann sein Sound, seine Handschrift? Oder ist er eventuell sogar glücklich, wenn es danach erstmal wieder etwas ruhiger zugeht? Als Popstar hat er sich zumindest bisher noch nicht inszeniert.

Vielleicht ist genau das auch das Überzeugende. Denn auch wenn an The Voice of Germany immer wieder dran steht: hier geht’s um die Stimme, nicht um die Inszenierung – am Ende wählen Fernsehschauende immer auch das was an Geschichte um einen Song oder eine Kandidatin herum aufgebaut wird. Und hier ist es eben auch der Musiker, der nichts anderes ist und sein will. Und der nicht mal die Bohne versucht auf Pop zu machen. Was ihn nicht davon abhält Popularität zu erlangen. Schön, dass so etwas passieren kann.

Wenn ein bisschen von dieser Bodenständigkeit erhalten bleibt, ohne dass es in den absoluten Folksong-Kitsch abgleitet, dann wär’s noch schöner. Gefühlvoller Soul, gern etwas größer instrumentiert und trotzdem nicht übertrieben hochpoliert – das ist durchaus eine Nische, die hierzulande noch nicht so oft bedient wird. Es gibt also noch einiges zu tun. Und für Andreas Kümmert ein ordentliches Betätigungsfeld.

Prince Kay One Feat. The Product G&B: V.I.P.

Da etabliert sich also ein neuer HipHop-Star in Deutschland. Nach den Gangster-Rappern Bushido und Sido (naja, der letztere ist mittlerweile auch nicht mehr wirklich Gangster) sowie den eher intellektuellen (oder wahlweise auch pop-affinen) Marteria und CRO schickt sich nun ein weiterer Kollege an, zum Mainstream-Star zu werden: Prince Kay One, manchmal auch unterwegs ohne den Prinzen vorneweg, aber lieber hat er es schon mit.

Auch er hat sich erstmal als Straßenkind inszeniert und in der Szene Freunde gemacht. Das hat ihm tatsächlich auch ein bisschen Geld eingebracht und schließlich trennte er sich von den gutenjungen, um sein eigenes Ding zu machen. In der Familie gab das natürlich Ärger–klar, so ein Gangster muss auch ein bisschen rumknallen und böse Worte sagen, sonst ist es hin mit dem hübschen Image. Bei Kay One wär das ganze Theater aber eigentlich gar nicht nötig geworden, denn der Herr zeigt sich mittlerweile auch ordentlich kuschelweich. I Need A Girl war vor einem Jahr schon eine Kostprobe. Jetzt heißt es V.I.P.. Und dahinter verbirgt sich kein glamoröses Blingbling-Gepose wie bei vielen seiner amerikanischen Kollegen–nein–das Ganze ist ein echtes Liebeslied. Na, wer hätte das gedacht?

Damit es auch wirklich nach Gefühl und Liebe und Ehrlichkeit klingt, hat sich Kay One mal schnell ein Duo geholt, welches vor 13 Jahren ein ordentlich angesehener Act war: The Product G&B. Die beiden haben laut Legende eine ähnliche Entwicklung hinter sich: ehemals aufgewachsen im harten Straßenkampf haben sie erkannt, dass ein Gegeneinander nichts bringt und haben begonnen, gemeinsam Musik zu machen. Kuschelmusik vor allem. Zusammen mit Santana gab es dann Anfang des Jahrtausends auch einen internationalen Hit. Maria Maria war im Jahr 2000 ein sehr sehr beliebter Radiosong und durfte auch auf Sommerparties nicht fehlen.

13 Jahre später scheint sich nichts verändert: der Sound ist immer noch entspannt locker, Gitarrenklänge machen ein bisschen auf Karibik, und immer noch geht es um die Eine, die hier mit dem Kompliment V.I.P. umgarnt wird.

Etwas Neues gibt es dann doch: mit der Kollaboration mit Kay One sind nämlich The Product G&B nach längerer Zeit mal wieder als Duo präsent. Und V.I.P. könnte als so etwas wie die Erfindung das deutschen Latin-HipHop gelten. Ist natürlich auch nicht ganz richtig – gab es vorher auch schon, aber Kay One bringt es jetzt mit Erfolg unter die Massen. Und hier meine ich wirklich Massen.

V.I.P. ist also tatsächlich genau das: seichte und belanglose Radiounterhaltung. Fast vergessen der harte und lebensgeschulte Kay One. Aber nur fast. Denn wenn man sich den Text dieser Anbetung anhört, dann wird schon klar: die Welt des Kay One ist immer noch die selbe. Er der Macho, Geld macht schön, Diamanten und Pool sind das, was glücklich macht, und wenn es nicht Rio de Janeiro ist, dann kannst du es sowieso gleich vergessen.

Ich weiß nicht, ob Frauen sich wirklich genau das wünschen. Vielleicht macht Geld ein wenig sorgloser. Und Brasilien hat sicher auch sehr schöne Plätze zu bieten. Also belassen wir es einfach dabei: ein Popmärchenmusiktitel für den Sommer – der mich allerdings jetzt schon gehörig nervt.

Zum Video

James Arthur: Impossible

Und damit haben wir also den ersten Hit des Jahres 2013, der durch die Superstar-Maschine entstand: Impossible.



Der Titel ist mittlerweile knapp drei Jahre alt ohne dass jemand hierzulande von ihm groß Notiz genommen hätte. Im September 2010 veröffentlichte die barbadische Sängerin Shontelle die Single. Damals versuchte man mit ihr noch so etwas wie eine zweite Rihanna zu etablieren. Das hat nicht ganz geklappt – vielleicht war es Shontelle selber auch zu langweilig.

2010 war zumindest eine Zeit, in der das Musikpublikum in den USA noch nicht viel von “New Electronic Music” gehört hatte, David Guetta war dort nahezu unbekannt und R’n’B ungebrochen erfolgreich. So brachte es dann auch Impossible mit bekanntem Pathos zu einigem Erfolg in den Staaten und in Großbritannien. Mit dem eher sparsam instrumentierten Beginn des Liedes ließ sich durchaus erahnen, dass der Song einige Qualitäten hat. Spätestens beim Einsetzen des Refrains aber mit Echo-Effekt war dann Schluss. Zu viel Weichspüler für den Kontinentaleuropa, das sich mit Lady Gaga, KE$HA und stromae gerade auf eher synthetischen Dancefloor-Sound orientiert hatte. Für ein paar verkaufte Singles reichte es immerhin.



Dass Impossible berühren kann, war in der einen oder anderen Version zu spüren, die von Fans und hoffnungsvollen Amateur-Talenten auf diversen Plattformen hochgeladen wurden. 2010 – da war das Phänomen Amateur-Coverversion noch relativ jung. Da wurde noch nicht so gnadenlos jede noch so beknackte Komposition nachgesungen.

Nun, der Song gelangte auch in diverse Casting-Shows und Ende letzten Jahres zum britischen X Factor . James Arthur wurde mit seiner Version Sieger und zum Star. Das mag nun die meisten Über-20-Jährigen ziemlich kalt lassen: wer will schon was von Casting-Stars wissen? Allerdings bedeutet Superstar oder Idol zu sein in Großbritannien noch mal etwas anderes als in Deutschland. Klar sind diese Art von Shows mindestens genauso verhasst wie hierzulande, alle Jahre wieder gibt es Aktionen und Versuche mit Sinnlos-Downloads die sichere Nummer 1 für den Sieger oder die Siegerin zu verhindern. Auch die Kritik an der künstlichen Produktion von Pop-Stars und der Riesenvermarktungsmaschine drumrum wird immer wieder geäußert. Allerdings haben die Briten da wohl noch nie die deutsche Variante erlebt. Zumindest haben die meisten der Gewinner und Gewinnerinnen doch tatsächlich was auf dem Kasten, hin und wieder sogar einen eigenen Stil und sie sind eben nicht 15 oder 16, sie sind Mitte 20 oder auch älter und haben schon einige Erlebnisse mehr hinter sich. Was man an den Interpretationen durchaus hört.

Im Fall von James Arthur und seiner Version von Impossible wird das ganz schön deutlich. Der junge Mann mit dem Waschbärgesichtchen darf nämlich vor allem eines: mit viel Inbrunst singen und sogar die Brüchigkeit seiner Stimme zeigen. Zum Abschluss der Show mit aller Freude und Überwältigung über den Sieg natürlich noch ein Stückchen mehr als auf der sauberen CD-Aufnahme.



Nun ist so ein Sieg natürlich wirklich eher ein Hindernis im Business. Alle, die nicht Woche für Woche mitfieberten winken ab und so ein Titel hat nirgendwo ernsthaft eine Chance. Und ein Sieger aus Großbritannien? Noch uninteressanter. So blieb also auch James Arthur erstmal der europaweite Erfolg verwehrt. Ein kleiner Achtungsaufenthalt in den deutschen Singlecharts im Januar, das war’s dann auch schon. Da brauchte es also auch hier eine Initialzündung. Und die kam mit der zweiten Mottoshow der aktuellen DSDS-Staffel. Ricardo Bielecki sang den Song und plötzlich finden ihn Millionen von Teenies geil und laden den Track. Passiert jede Woche mit mindestens einem Titel immer wieder. Ungewöhnlich ist dagegen, dass der Titel auch eine Woche danach noch gefragt ist, dass auch andere Medien beginnen den Titel einzusetzen. Das dürfte dann schon daran liegen, dass dieser Titel eben auch abseits von TV-Inszenierungen funktioniert. Auch ohne Milchbubikandidatenhintergrundwissen.

Natürlich lässt sich auch eine ganze Menge kritisieren an Impossible. Die gerade gepriesene Hörbarkeit der Gefühle ist mit Sicherheit ordentlich kalkuliert. Authentizität ist nicht erst seit ein paar Tagen ein Verkaufsvorteil, Passenger macht nichts anderes, nur verheimlicht er eher, dass auch sein Hit von ausgeklügelter Produktion und Technik abhängt. Deshalb funktioniert’s bei vielen auch noch besser. (Und deshalb kriegt man umso mehr Schelte, wenn man es ausspricht.)

Es lässt sich an James Arthur auch bemängeln, dass die Streicher im Hintergrund wirklich ganz schön fett aufgetragen sind und die Tränendrüsen arg bedrängen. Und auch das ordentlich vordergründige Schlagzeug ist eher nervend…

Aber nochmal: man sollte in diesem Fall auch das Umfeld in Betracht ziehen und schauen, wo diese Produktion herkommt. Für ein sehr genau kalkuliertes Casting-Produkt ist Impossible erstaunlich überzeugend. Wer’s nicht glaubt, der/dem sei noch mal das deutsche Superstar-Ergebnis von 2012 ans Ohr gelegt.

Macklemore X Ryan Lewis:Can’t Hold Us

Macklemore & Ryan Lewis ist tasächlich das Beste, was dem globalen Musikgeschäft passieren konnte. Und ich habe das Gefühl, dass die beiden gerade zum rechten Zeitpunkt aufgetaucht sind, um uns alle vor der endgültigen Vereinheitsbreiung zu retten. Die beiden beweisen sehr eindrucksvoll, dass es eben doch möglich ist, einen eigenen Kopf zu behalten, diesen einzusetzen und dabei auch noch ordentlich Spaß zu haben. Party ist eben nicht nur Champagner und schnelle Autos und teure Klamotten. Und wer das alles nicht schon bei Thrift Shop begriffen hat, der/die bekommt es nun noch einmal über den Pelz gezogen mit dem zweiten Selbstläufer aus dem The Heist-Album: Can’t Hold Us.

Erschienen war Can’t Hold Us schon im August 2011. Damals war das Duo in Europa noch völlig unbekannt. Und mit der Entscheidung (damals vielleicht zwar bewusst aber noch längst nicht so politisch und konsequent durchgezogen), sich lediglich selbst zu vermarkten, bestand auch keine große Chance, die übertrieben aufgeregten Charts irgendwo zu erreichen. Das war vielleicht auch nicht das vorrangige Ziel der beiden. Nachdem dann aber Thrift Shop tatsächlich zum internationalen Renner wurde – und ich behaupte an dieser Stelle noch einmal, dass das vor allem an der Botschaft lag den ewigen Konsumzwang einfach mal sein zu lassen und wieder an den echten Spaß zu denken – nachdem also alle irgendwie auf Thrift Shop abfuhren, gelangten auch die anderen Tracks der beiden in den Mittelpunkt des Interesses. Dass es als zweiten Titel Can’t Hold Us erwischte, ist dabei gar nicht verwunderlich. Der Track ist nämlich ein anständiger Feger. Er ist zwingend mitreißend und kann selbst eingefleischte HipHop-Hasser überzeugen. Wenn die großen Stars der Szene ein wenig Mum hätten, dann hätten sie locker auch so etwas wie Can’t Hold Us hinlegen können. Denn so weit weg vom Bekannten ist Can’t Hold Us gar nicht. Schließlich geht es um Party pur. Ein durchaus bekanntes Sujet. Aufgrund der stimmlichen Ähnlichkeit von featured Ray Dalton ist Can’t Hold Us ja so etwas wie der beste Track, den Sean Paul nie aufgenommen hat.

Und warum kriegt das so einer, der ja ursprünglich auch von der Straße kommt und immer ganz viel drauf gehalten hat, dass er ein Teil der Crowd bleibt, warum kriegt das so einer nach kommerziellem Erfolg nicht mehr hin? Warum lässt der sich vom allgemeinen oberflächlichen Blingbling einholen? – Die Antwort kann ich mir sparen. Und ich find’s spannend zuzuschauen, was aus Macklemore und Ryan Lewis nach ihrem globalen Hype wird. Drei Nr.1-Hits nacheinander in Australien – das kann einem Musiker/einer Musikerin auch schnell zu Kopf steigen. Werden die beiden in zwei Jahren immer noch liebevoll gestaltete CD-Editionen herstellen? Und diese eigenhändig zur Post bringen? So passiert es derzeit ja, wenn man sich entscheidet The Heist als Hardcopy zu erwerben. – Ich würd’s mir wünschen.

Macklemore & Ryan Lewis feat. Wanz: Thrift Shop

Es kommt viel zu selten vor, dass einem ein Track begegnet, bei dem es von Anfang an zündet und der auch nach drei Monaten immer noch infektiös ist. Und wenn dieser Song dann auch noch einen Inhalt hat, der über das allgemeine Gepose oder Gejammere hinaus geht, dann ist das nahezu schon das Ultimative, was zu erreichen ist. Im Fall von Thrift Shop gesellt sich zu all dem aber noch so etwas wie eine kleine Sensation – oder besser: Revolution. Macklemore & Ryan Lewis haben sich nämlich ganz konsequent dafür entschieden, auf die Vermarktung durch ein großes Label zu verzichten. Und sind mittlerweile trotzdem zu so etwas wie Stars geworden. Und das ist das Besondere und Unglaubliche an den beiden, ihrem Hit Thrift Shop und ihrem Album The Heist. Es verkauft sich wie blöde, es wird in den Charts ganz oben notiert (aktuell war Thrift Shop in sieben Ländern als Nr.1-Hit gelistet) und das, obwohl es nur durch Eigenvertrieb erhältlich ist. Die allermeisten anderen Künstler und Künstlerinnen haben sich spätestens bei steigender Nachfrage dafür entschieden, doch mit einem Major zusammenzugehen um möglichst viele Einheiten unter die Menschen zu bringen. Oder um fett beworben zu werden. Oder was immer die Gründe waren. Und die großen Label, die hatten natürlich ihre Freude dran: wenig Arbeit beim Aufbau der Künstler und Künstlerinnen, nahezu keine Investitionen in die Entwicklung, aber die Möglichkeit, mit dem Verkauf von CDs Gewinn abzuschöpfen.

Mit dem Internet und vor allem mit der Möglichkeit Musik vor allem digital zu vertreiben, werden diese Labels mehr und mehr überflüssig. Oder besser: sie hätten eine andere Aufgabe, die sie aber nur in den wenigsten Fällen wahrnehmen. Musik verkauft sich mittlerweile völlig unabhängig von einem großen Marktführer. CRO und Macklemore machen es vor (und natürlich eine ganze Reihe anderer Artists auch – nur nicht ganz so medial umschwärmt). Sie verzichten auf dicke Bewerbung in TV-Shows oder durch Werbespots, sie vertrauen darauf, dass sich gute Tracks dann doch irgendwann durchsetzen, und es ist ihnen prinzipiell egal, wenn es mal nicht der Top 10 Hit ist. Und das macht sie sympathisch, authentisch und gut – denn das ist Musik bei der es um etwas geht. Um Geschichten oder um wirkliche Unterhaltung. In jedem Fall um Leben statt um synthetischen Konsum. So ist es dann auch kein Zufall, dass ausgerechnet Thrift Shop die Hymne zum Antikonsum ist. Da wird der Spaß gefeiert, den Einkaufen und Shoppen tatsächlich macht. Aber da wird auch ganz deutlich gesagt: den Spaß kannst du auch für 99 Cent haben. Im Second Hand Laden nämlich. Gutes muss nämlich nicht zwangsläufig unendlich teuer sein. Oder auch: was viel kostet ist noch lange nicht immer gut. - Und weil dieser Spaß keine Ersatzhandlung ist, sondern weil es ganz ernst gemeint ist, genau deshalb ist der sich daraus entwickelnde Stil obendrein noch richtig cool. Geschmack kann man nicht kaufen. Und Stil hat vor allem auch was mit Selbstbewusstsein zu tun.



Ich wünsche mir wirklich, dass sich diese Bewegung noch ein bisschen weiter verbreitet. Auch wenn ich Angst habe, dass mit der Masse auch der Thrift Shop Style unerträglich und schlimm wird. Weil leere Oberfläche. Bis sich eine Masse mal traut, dem sich bereits zu Tode drehenden Konsumwirtschaftssystem einfach mal den Stinkefinger zu zeigen und das Einkaufen auf den Boden der Tatsachen zurückzuholen, bis dahin wird's wohl noch einige Jahrzehnte dauern - wenn es überhaupt dazu kommt.

Letzte Anmerkung an dieser Stelle: Ärgerlich, um nicht zu sagen idiotisch, ist die Tatsache, dass die GEMA mal wieder das Video auf der offiziellen youtube-Plattform von Ryan Lewis hat sperren lassen. 87 Mio Klicks weltweit – außer in Deutschland. Mir wäre das als Einrichtung echt peinlich. - Naja, die großen Labels müssen es lernen, dass sie nicht mehr allein im Zoo sind – die GEMA wirds irgendwann auch schnallen müssen. Gibt ja bereits die ersten Initiativen, die sich für ein anderes Verwertungssystem einsetzen. Da arbeitet die GEMA also grad fleißig an ihrer Selbstabschaffung.

Birdy: People Help The People

Zum Abschluss diesen Jahres 2012 können wir noch einmal mit einem Song die wichtigsten Themen der letzten Monate zusammenfassen: Casting-Show, Unplugged Minimal-Aufnahme, Coverversion.



Aktuell ist es die noch sehr junge Birdy welche all diese Aspekte der Vermarktung auf sich vereint – und trotzdem eine ganz überzeugende Aufnahme vorlegt. Sie selber wurde vor vier Jahren als 12-jährige in einer britischen Talent-Show entdeckt. Dann dauerte es (glücklicherweise) doch eine ganze Weile, bis sie ein eigenes Album vorlegte. Dieses beinhaltete vor allem Cover-Versionen – in einer sehr erlesenen Auswahl. Von Bon Iver über The XX bis hin zu The International sind da Künstler und Projekte versammelt, die in der Indie-Szene einen großartigen Ruf und Status besitzen ohne tatsächlich schon zu Tode genudelt zu sein. Mit Birdy erreichen einige der Songs tatsächlich erst echte Bekanntheit.

Zum Beispiel People Help The People. Im Juni 2007 von Cherry Ghost veröffentlicht, gelangte der Titel hierzulande zwar schon auf die eine oder andere Playlist – im Grunde aber blieb sowohl die Band als auch der Titel eher unbekannt. Den Informationen auf ihrer Homepage nach sind sie allerdings nach wie vor aktiv, sogar auf dem einen oder anderen Festival zu erleben und schreiben/produzieren vor allem für andere Künstler. People Help The People ist nach wie vor so etwas wie ihr Signature Song.



Mit dem Erfolg der Birdy-Aufnahme könnte sich das ändern. Allerdings legt die junge Sängerin noch einmal ordentlich Hand an den Titel. Ihre Version ist reduziert auf ihre Stimme und sparsamste Begleitung durch Klavier, ein wenig Schlagzeug und auch ein bisschen Cello. Das Ganze hat mittlerweile auch einen Namen: Stripped Down – und jede Band, die sich halbwegs auf der Höhe der Zeit präsentieren will, bietet neben einer fulminant produzierten Radio Version mindestens auch eine reduzierte Variante an.



Diese Art Minimalismus erfreut sich schon eine halbe Ewigkeit auf allen möglichen Plattformen großer Beliebtheit – zumindest gibt es unzählige Coverversionen von Sangeslustigen, die sich austoben und hochladen was das Zeug hält. Das meiste davon kommt über ein paar Klicks nicht hinaus – hin und wieder schaffte es ein kleines Mädchen aus den Phillipinen oder ein Komiker aus Venezuela zu kurzzeitiger Beliebtheit. So richtig zum neuen Muss wurde diese Art der Produktion wahrscheinlich mit Adele und hier allerspätestens mit ihrem Hit Someone Like You. Da war die Netzgemeinschaft aber schon ein ganzes Stückchen weiter und auch Adele hat mittlerweile bewiesen, dass sie ebenso gut in orchestral und pathetisch funktioniert. Bei Birdy bin ich mir da noch nicht so sicher – zumindest ist ihr Debüt-Album sehr auf diesen einen Stil gebügelt und für meine Begriffe dadurch ein bisschen anstrengend.

Wie könnte es also weitergehen mit der Welle der authentischen Stripped-Down-Versionen. Da lohnt wieder ein Blick ins Netz. Die Protagonisten der Video Music (you only hear what you see) wie Pomplamoose , Mike Tompkins oder Dicken Schrader’s Projekt DMK geben da eine schöne Antwort. Reduziert und authentisch heisst nicht unbedingt nur klassisch instrumentiert und irgendwie auch konservativ romantisch-betulich. Das wird spannend.

Derweil lässt sich Birdy ja auch ganz gut durch den Remix-Wolf schicken. Das ist dann vielleicht ein klein wenig überraschender als der 100. Auftritt im deutschen Casting TV.

Lana del Rey: Summertime Sadness

Vor etwa einem Jahr tauchte Lana del Rey erstmals auf. Wie heutzutage üblich, zunächst im Netz per Video. Ein Jahr danach redet man immer noch von ihr. Damit dürfte sie es wohl geschafft haben, mehr als ein Augenblicksfeuerwerk zu sein. Ob sie das Zeug zu einer langzeitig kreativen Künstlerin hat, das ist trotzdem noch ein bisschen fragwürdig. Zumindest lässt sich ein gewisser Ermüdungseffekt nicht verleugnen. Ihr Album Born To Die liefert doch vor allem einen Sound und ein Gefühl – sehr schön ausproduziert sicherlich, aber eben auch nicht wirklich überraschend. Und so frage ich mich bei Summertime Sadness auch: Hab ich das nicht irgendwie alles schon zur Genüge gehört und gesehen? Gibt es auch noch etwas anderes als diese romantisch inszenierte Gelangweiltheit?



Eine Menge wurde über Lana del Rey geschrieben und philosphiert. Vieles blieb bei ihrem Äußeren stehen, an dem irgendwie so gar nichts echt schien. Ein paar kluge Beiträge nahmen auch auseinander was da musikalisch und ästhetisch passierte. Und landeten meist bei einem Flickenteppich von Verweisen und Zitaten, die alle zusammengenommen die ganze Tragik der modernen, westlichen Kleinstadt beschreiben. Im Grunde ist alles vorhanden, um nichts muss man sich sorgen, aber die ständige Verfügbarkeit von allem bringt nichts anderes als eine ungestillte Sehnsucht hervor. Ein Verlangen nach Neuem, Überraschendem, echtem Gefühl, nach Wechsel, vielleicht auch einfach mal nach einem Wunsch, der nicht sofort in Erfüllung geht. Und so zimmert sich diese Generation, die alles hat, ein romantisches Bild von einer Vergangenheit zusammen, in der es irgendwie komplizierter war und nicht immer nur lustig, bunt und trallala. Eine Zeit, die verdammt nach den 60ern aussieht.

Lana del Rey ist eine Frau, die vielleicht auch von sich behaupten würde, dass es in ihrer Jugend gegen nichts mehr zu rebellieren gab. (Wobei diese Jugend ja noch gar nicht zu Ende ist – auch das vielleicht ein tragischer Aspekt: so lange jung und jugendlich sein zu müssen.) Vielleicht würde sie erzählen, dass alles schon erfunden und gesagt war. Und dass sie deshalb einfach zusammenklaubt, was ihr irgendwie gefällt. Oder in irgendeiner Art etwas in ihr berührt. Ohne zu sehr zu fragen, warum. Wen interessiert schon immer was dahinter steckt, wenn doch die Oberfläche schon so wunderbar zerflickert ist.

Was bleibt ist ein Soundtrack für eine Gefühlswelt, die ordentlich vom Medienkonsum geprägt ist und deshalb auch kaum unterscheiden kann zwischen dem, was wirklich geschieht und dem, was eher so aus einem heraus passiert, weil man glaubt das jetzt sagen, fühlen, tun zu müssen. Am Ende ist es ja auch egal, ob die Traurigkeit echt ist im Sinne von einem wirklich gefühlten Verlust, oder ob es eben ein Gefühl ist, dass sich einstellt, weil wir es schon 1000 mal so vorgespielt bekamen. Am Ende ist traurig dann doch traurig. Wer wollte sich schon hinstellen und ernsthaft sagen: dein Gefühl ist nicht echt und deshalb nichts wert. Es mag sein, die ganze Inszenierung drumrum ist eben auch ordentlich romantisch und kitschig und darum irgendwie auch unangenehm peinlich. Vielleicht sind Menschen aber auch einfach so: verklärt, sehnsuchtsvoll und völlig unrational. Da kann man sich auch schon mal einer Sommertraurigkeit hingeben.



Der Post zu Video Games.

FLO RIDA: Whistle

Was Flo Rida im Moment anfasst, das wird zum Hit. Zumindest, wenn er als Hauptact agiert. Mit Whistle ist Single Nummer 3 aus dem Album Only One Rida (Part 2) da. Und schlägt im allgemeinen Musikbusiness ordentlich ein. Aber wen interessiert das eigentlich noch?

Da steht der aufgepumpte und volltätowierte Star und feiert seine unglaubliche Potenz. Ok – soll er mal. Auch das immer gleiche Setting (dieses Mal ist es Acapulco) mit Meer, Felsen und ein bisschen Party ist weder besonders originell noch besonders einmalig. Langweilig eben. Richtig schlimm finde ich allerdings die gepfiffene Hookline. Ok, es ist endlich mal kein durchproduzierter Dancefloor-Stampfbeat im Eurodance-Gewand. Es ist eher so ein Alternativ Poprock-Ding inklusive Mitsingfaktor. Wie hieß doch gleich der Hit, in dem genau solch ein Pfeifen schon mal vorkam? Wer’s rauskriegt, darf sich einen Drops nehmen…



Pfeifen – das ist so was Natürliches, da ist kein Instrument mehr zwischen mir und dem Körper, das ist rein menschlich. Da passt die Gitarre aus dem Intro hervorragend dazu. Alles so schön ursprünglich. Unverfälscht. Das ganze Gegenteil ist aber bei Flo Rida zu finden. An ihm ist nichts natürlich. Nicht mal die Art zu rappen – das ist im besten Fall allerhöchste Kunstfertigkeit. Warum also dieser Griff in die Authentizitätskiste? Zu viel DJ-Produktionen gehabt in letzter Zeit? Also machen wir gleich mal alles ganz anders. Schade, dass Flo Rida sich nicht traut wirklich in die Gitarre zu hauen und auf richtigen Rocker zu machen. Das würd ich ihm viel eher abnehmen als diesen weichgespülten Macho.

Jetzt fragt sich allerdings, wie kommt ein derartig belangloses Lied zu solch großer Attraktivität? Was fasziniert Menschen an dieser Art von künstlichem Produkt? Gibt es tatsächlich ernsthafte Flo Rida-Fans?

Zunächst mal nehme ich an, dass die Käufer irgendwas zwischen 12 und 16 Jahre alt ist. Da gibt es noch nicht so viel Musikerfahrung und erstmal ist alles, was irgendwie eingängig ist gut.

Dann vermute ich, dass es doch eher Jungs sind, die sich diesen Sound reinziehen und nebenbei Mr. Flo Rida auch als Role model nehmen. Na klar will jeder Pubertierende mal so kräftig und goldkettenbehängt sein, wie Herr Rida. Und das Ganze am Strand von Acapulco zu feiern, gefällt einem Teenie sicher auch. Der Zielgruppe entsprechend bleibt die Inszenierung auch ganz anständig und sauber. Klar gibt es viel Bikini und viel Haut und auch jede Menge runder Ärsche zu sehen, die da im Takt wippen. Aber bis auf ein ganz kleines Mundwinkelzucken ist von Erotik, Verführung oder Ähnlichem nichts zu bemerken. Das würden die 13jährigen ja nicht mehr schnallen, was da eigentlich abgeht. Whistle ist eher so die Holzhammermethode von “Ich will was von dir.” Allein der Refrain sagt ja alles: “Can you blow my whistle – I’m gonna show you how to do it” – wie unglaublich einfallslos ist das eigentlich?

Für Fans der echt anmachenden Mukke – also Begehren pur, statt blödem Rumgepose – für alle die sei an dieser Stelle mal Goapele im Los Rakas Mix empfohlen. Hat schon ein paar Tage aufm Buckel, is aber immer noch 1000x besser und sexier als alles was Flo Rida uns jemals verkauft hat. Da könnte sogar der Strand von Acapulco zum aufregenden Ort werden.

Mike Candys Ft. Evelyn & Patrick Miller: 2012 ‘If The World Would End’

Schweizer Dance-Produktionen haben gerade Konjunktur in Deutschland. Im letzten Sommer war es DJ Antoine, der mit einem Remix von Timati’s Welcome To St. Tropez einen echten Sommerhit landen konnte. Wenig später folgte von seinem Kollegen Mike Candys aus Zürich ein zweiter Aufguss. One Night In Ibiza war von Anfang an als Antwort auf den DJ Antoine-Hit zu verstehen, leider nicht wahnsinnig originell gemacht. Das Dancefloor-Volk hat’s wenig gestört. Immerhin gab’s ja eine ganz eingängige Hookline. Im Fahrwasser der beiden segelte dann auch gleich noch Remady in die hiesigen Clubs und Dancefloors. Und so kommt es, dass die schweizerische Definition von Dance doch recht präsent ist.

Aktuell scheint sich besonders Mike Candys zu etablieren. Nachdem One Night In Ibiza überraschend erfolgreich durch den Herbst fegte, standen für ihn irgendwie alle möglichen Türen offen. Mit einer Coverversion des Dreamhouse-Klassikers Children wollte es Anfang des Jahres noch nicht so richtig funktionieren. Jetzt aber legt Mike Candys mit 2012 ‘If The World Would End’ nach. Und landet unglaublicherweise ganz oben in den Verkaufscharts. Das Rezept ist bekannt: Dancefloor-Beat, weibliche Refrain-Sängerin, wenig textlicher Inhalt und ein männlicher Rap-Part. Zutaten, wie sie schon bei One Night In Ibiza funktioniert haben, nur jetzt noch einmal mehr in Richtung 90er Sound geschoben. Anfügen muss ich: schlechten 90er Sound.

Der Beat versucht gar nicht erst, auf irgendeine Art raffiniert zu sein. Straight to the floor und simple Hookline – hätte jetzt auch ein Kompositionsprogramm so entwerfen können. Die Stimme von Evelyn ist leider alles andere als charismatisch. Das sie tatsächlich mal die schweizerische Variante von Popstars gewonnen hat, hört man an dieser Produktion so gut wie gar nicht. Das, was sie vielleicht an Talent, Eigenart und Emotion mitbringt wird durch Auto Tune weggewischt. Nur nicht auffallen, schön durchschnittlich bleiben. Patrick Miller dagegen klingt unglaublich angestrengt cool. Vielleicht hat er tatsächlich so eine rauhe Stimme, irgendwie bewusst aufgesetzt bleibt das Ganze, weil er halt versucht mich von einer ziemlich beknackten Story zu überzeugen – Turbo B. war da vor gut 20 Jahren 10.000 x authentischer. Das sind jetzt natürlich alles sehr subjektive Eindrücke. Da mag es andere geben. Die Parallelen zu den 90ern sind allerdings nicht wegzudiskutieren. Warum dieser Sound plötzlich wieder derartig original Konjunktur hat, kann ich mir nicht wirklich erklären. Höchstens so, dass diejenigen, die es im Original erlebt haben jetzt in einem Alter sind, in dem sie nicht mehr Zielgruppe Nummer 1 sind und auch sonst kaum noch Musik kaufen. Die Sammlung aus den 90ern steht ja noch im CD-Regal. Die heutigen Musikkonsumierenden sind dann so jung, dass auch der 90er Sound völlig vorurteilsfrei entdeckt werden kann. Und damit dürfen natürlich auch all die schon einmal gemachten Fehler wiederholt werden. Schade!

Dass die Geschichte dann aber doch nicht 1:1 nochmal funktioniert, das ist die eigentliche Tragik hinter 2012 ‘If The World Would End’. Der Titel zitiert zwar sehr schön das hedonistische, selbstbezogene Lebensgefühl des Hier und Jetzt, dass kein Morgen kennt und sich auch nicht drum kümmert. Ideen und Visionen, die der Clubuntergrund der 90er ziemlich fett in die breite Masse gespült hat und die heute für einen guten Teil der Jugend immer noch attraktiv scheinen. Allerdings sind die Figuren im Video und Mike Candys selbst alles andere als die selbstvergessenen und irrational Feiernden. Es ist doch eher die Generation, die den Bausparvertrag schon in der Tasche hat, die natürlich für die Rente einzahlt und sozial abgesichert ist. Papa und Mama haben da ordentlich vorgesorgt und so richtig ins Leere fällt niemand. Erst recht nicht, wenn man aus dem Schweizer Mittelstand kommt. Die leerstehende Fabrikhalle ist lediglich geschmackvoll ausgewähltes Ambiente. Die modischen Outfits unterstreichen das nochmal ordentlich. Hier feiert der überfütterte weiße Mittelstand mit Laserhandschuh und Technik-Gimmicks.



Dass diese Jugend gern etwas mehr Authentizität und Echtheit hätte, dass sie gern etwas geerdeter wäre, das glaube ich gern. Dass ihnen auch der Weltuntergang völlig egal ist, das verstehe ich genauso. Allerdings wirds durch einen ungefährlichen Partysong nicht wirklich besser. Da müsste Mike Candys einfach ziemlich viel mehr konsequenter sein. Britney Spears hat das ja vor einem Jahr schonmal ganz passabel durchgespielt. Da ist dann zwar auch nur ein Popsong draus geworden, aber der sieht in der Inszenierung schon mal wesentlich kaputter und extatischer aus. Warum das so ist, liegt in den Grundannahmen begründet. Bei Britney heißt es Till The World Ends – da gibt es gar keinen Zweifel dran, dass irgendwann mal alles mit lautem Getöse untergeht. Demzufolge ist es tatsächlich möglich (und notwendig), kompromisslos zu feiern. Der Kater danach findet nicht statt. (oder spielt erstmal keine Rolle)



Die europäische Bausparvertrag-Variante lässt sich da lieber ein Schlupfloch. Vielleicht geht die Welt ja doch nicht unter. Also lieber ein bisschen drauf achten, mit wem man da abfeiert. Die facebook-Bilder könnten ja dann doch meinem Chef vor die Augen kommen. Biedere Spießigkeit drückt sich in diesem kleinen Wörtchen “if” aus. Aber das ist natürlich auch genau das Umfeld, aus dem die Produktion kommt. Mike Candys ist kein White Trash. Mike Candys ist wohlbehütete Kindheit und gesellschaftliche Kontrolle, die nicht zulässt, auch mal etwas abseitiger zu denken, zu fühlen und zu leben.

Christina Perri: Jar Of Hearts

Dass eine Künstlerin – vornehmlich sind’s irgendwie Frauen – durch ihren Erfolg im Internet zu einem Vertrag und zu mehr oder weniger einer Karriere gelangen, das ist im Jahr 2012 schon fast eine Normalität. Vortrefflich ließe sich an dieser Stelle darüber nachdenken, welche Aufgaben eigentlich Musiklabel noch haben. Talente und Musik, die ohnehin existieren abfischen und vermarkten – sprich einem größeren Publikum nahe bringen. Wobei selbst das mehr und mehr auch ohne Vertrag passiert.

Siehe Christina Perri. Auf ihrem youtube-Channel hatte sie bereits eine Menge Fans, bevor ihr Titel Jar Of Hearts den Weg in eine Fernsehshow schaffte und dann zu einem Vertrag führte.

Die Geschichte von Jar Of Hearts ist schnell erzählt. Christina Perri singt über eine gescheiterte, unerfüllte Beziehung, die auch nach dem Ende noch schmerzt, zumal die andere Person eine Wiederaufnahme derselben wünscht. Nun sinniert also Christina Perri, ob es sinnvoll ist seinem Herzen und seinen Gefühlen nachzugeben – eigentlich war es doch schön. Aber nein, der Kopf erinnert sich, das hat damals schon nicht funktioniert. Und sie weiß auch noch sehr genau, warum es damals so weh tat. Weil eine Seite – und es war nicht sie – dominant war. Auch das nennt man Gefühlskälte.

Die Legende besagt, dass Christina Perri hier ganz autobiographisch eigene Erlebnisse verarbeitet hat. Und allein die Stärke, sich erinnern zu können und tatsächlich den Kopf entscheiden zu lassen, zeugt von einer ordentlichen Portion Erwachsenheit – hier im besten Sinne gemeint. Angenehm hebt sich dieser Titel ab von dem romantischen Schlager-Allerlei, in dem unreflektiert eine Märchenversion von Liebe und Beziehung gefeiert wird und wo sie ewig den DJ liebt und auch nach 20 Jahren noch jeden Abend anhimmelnd am Pult steht. Diese Figur hat ja ihr Leben wohl eher völlig verpasst. Danke, Christina Perri, dass du an dieser Stelle mal eine selbstbewusste Gegengeschichte erzählst, auch wenn (oder gerade weil) es immer noch weh tut und schwer fällt.

Dass die schwere Entscheidung nicht einfach so weggewischt wird, macht den Titel so intensiv. Hier braucht es kein breites Orchester, keinen Kitsch. So wie Christina Perri in ihrer Geschichte ganz genau hinschaut, so hat sie eben auch bei der Komposition sich darauf konzentriert was ihr und dem Song gut tut. Und plötzlich ist auch ihr Auftritt im zerrupften Brautkleid mit Springerstiefeln zwar immer noch ein wenig pathetisch, aber auch völlig logisch.



Bleibt Christina Perri nur zu wünschen, dass sie wie im Video so auch in der Realität weiterhin Stärke beweisen kann und am Ende als Siegerin dasteht, statt sich von PR Managern und großen Musikfirmen vorschreiben zu lassen, wie ihre Musik zu funktionieren habe. Dass sie nach ihrem großen Deal dann ziemlich schnell für den Soundtrack zu Breaking Dawn – Bis(s) zum Ende der Nacht engagiert wurde, zeigt, wo es nach Willen der großen Firma mit ihr hingehen soll. Insofern ist es ein Glücksumstand, dass A Thousand Years nicht zum großen Hit wurde. Das ist dann nämlich schon ganz schön weichgespült und weg vom Leben – und (ja, ich sag’s) von authentischem Gefühl, auf alle Fälle weg von Christina Perri selbst.

Gotye: Somebody That I Used To Know

Und noch so ein Song, der mit Unverstelltheit und Authentizität punktet: Somebody That I Used To Know vom Australier Gotye. Aber wiederum in einer kleinen Abwandlung. Zeigt sich sehr schön am Video: das beginnt mit einem nackten Menschen vor hellem Hintergrund – ganz neutral, ganz ursprünglich und natürlich. Und dann wird dieses Video samt Person an- und ausgemalt, so dass ein buntes Farbenspiel entsteht. Ganz Kunst ... aber trotz allem weit entfernt von dem, was wir jetzt als künstlich oder gekünstelt bezeichnen würden. Körperbemalung, das ist ja eher so Spür-Mich-und-Finde-meine-Mitte-Kunst, häufig zu therapeutischen Zwecken, manchmal auch einfach nur zum naiv-spaßigen Happening. Da haben also Kunst und Körper eine Einheit gefunden … und an dieser Stelle können wir hunderte philosophische Text lesen.

Für mich bleibt bei diesem In-Eins-Sein dennoch irgendwie ein mulmiges Gefühl. Und das hängt ganz wesentlich mit dem künstlerischen zusammen, das da fast organisch mit Körper und Mensch und Glück einhergeht. Irgendwie kann ich mit Kunst, die eher Fragen aufwirft, mich fordert oder mich total betrifft mehr anfangen. Alles andere ist vielleicht für die Machenden und Kreativen ganz schön – ich bleib aber weitestgehend draußen, zucke mal kurz mit den Schultern und gehe weiter.



Jetzt zur Weihnachtszeit ist natürlich solch ein eher einkuschelnder Sound beliebter. Wer will sich schon zum Jahresende auseinandersetzen – bzw. passiert das beim Familienbeisammensein wahrscheinlich ohnehin genug. Und so ganz glatt ist der Titel ja dann auch nicht. Schließlich geht’s um die Aufarbeitung einer Trennung. Insofern passt Somebody That I Used To Know perfekt zu den Feiertagen: von außen beschaulich schön, auch ein wenig romantisch-melancholisch – innen geht’s dann aber doch um Verdruss, Missverständnisse und natürlich auch ’ne Menge Schmerz. Um im Bild des Videos zu bleiben: hier geht’s auch um eine ungeschminkte Abrechnung.

Und jetzt behaupte ich einfach mal: diejenigen, die diesen Titel gerade über alles lieben und kaufen bzw. downloaden, haben genau diese Raffinesse erkannt und schätzen den Song deswegen. Frohes Fest wünsche ich.