Samra & Capital Bra:Wieder Lila

Und noch eine Kollaboration zwischen Samra und Capital Bra. Und immer noch das selbe Schema. Mit der Nuance, dass es hier nicht nur um die Feindschaft zur staatlichen Ordnung geht sondern auch gegen Familienclans ... na, wer da nicht sofort schnallt, welche Personen gemeint sind.

Das Eindrucksvollste an dieser Produktion ist vielleicht das Cover. So sehen sich die beiden also. Liebe Gesichter und die Knarre im Anschlag. Hinten der Stoff in großen Ballen.



Davon rappen die beiden dann auch. Was sie nicht alles für Freiheiten haben als gesetzlose Dealer. Und natürlich die lila Scheine - die flattern nur so durch die Strophen.

Wenn also jemand wie ein Dealer tickt, dann ist sein Leben gefährlich, schnell, ohne Geldsorgen ... und am Ende kann man den guten Stoff sogar selbst genießen. Schöne Träume - an die so manche nur zu gern glauben. Ein Leben ohne Geldsorgen, schnell verdient und immer schnell. Geil.
Ich muss hier nicht erzählen, was die mir bekannten Dealer nach ein paar Jahren im Geschäft tatsächlich für Existenzen waren.

Die deutschen Kids träumen gern von dieser Freiheit ohne Regeln. Verständlich, das Leben ist so vollgepfropft mit Verboten und Erwartungen. Schön wär's, so sinn- und haltlos sein Leben feiern zu können wie es Samra und Capi vormachen. Und wenn einem schon der Mut nicht dazu reicht, diesen Schritt wirklich zu tun, dann wenigstens doch diesen Sound feiern. Ein Hauch von Unabhängigkeit.

In Echt ist das Dealerleben dann wirklich kein Zuckerschlecken. Das ist harter Marktkampf und vor allem ziemlich eiskalte Berechnung. Das kriegt jetzt auch nicht jeder so ohne Weiteres hin. Vor allem sind die Plätze jetzt nicht unbedingt einfach frei wie Handwerkerlehrstellen - da muss man sich schon ordentlich reindrängeln. Das kostet richtig Kraft und Ausdauer. Und Eier brauch man dafür auch. Deshalb sind also alle, die Stoff verticken per se Helden.

Moderne Märchen. In denen Samra und Capi die Helden spielen. Oder die verkannten Prinzen.

Auffällig aber schon, dass beide - obwohl unglaublich cool - zur Untermauerung ihres Status dann doch immer und immer wieder die äußerlichen Zeichen brauchen: Knarre, schnelles Auto, teure Klamotte. Gegen wen müssen sie sich absetzen? Wem beweisen, dass sie es drauf haben? Am Ende sogar sich selbst?

Da könnte dann doch noch ein tragisches Drama draus werden. Die Märchenhelden sind in Wirklichkeit ganz unsicher, ganz kleine Jungs, die mit ihren teuren Spielsachen so tun als hätten sie Macht. Die hübsche Cover-Zeichnung verniedlicht nämlich gar nicht die Realität, sondern zeigt sie ganz ungeschminkt. Und schon ist der Bra nicht mehr der böse Ukra sondern das kleine Kuschelbärchen... auweia.

Wham!: Last Christmas

Lasst uns über populäre Weihnachtshits sprechen. Auch wenn das Fest gerade vorbei ist. Ein bisschen klingt es doch in jedem von uns nach – und was letzte Woche dermaßen beliebt war, ist doch heute nicht plötzlich total verhasst. Oder doch?

Lange Jahre gab es eigentlich nur einen einzigen Song, der zu Weihnachten überall hoch und runter gedudelt wurde: Last Christmas von Wham!. Zuckersüße Klingglöckchenklingelingeling-Melodie und ein schmachtender Gesang. Einige hassten den Song für seine übermäßige Präsenz und Zuckerwattenklebrigkeit. Dann kam das Jahr 2014. Last Christmas war mit Platz 19 in der ersten Ausgabe des Jahres 2015 immer noch ordentlich erfolgreich. Zwei Plätze darüber rangiert allerdings All I Want For Christmas Is You von Mariah Carey – eine kleine Sensation.

Und seitdem hat die 90er Jahre Kitsch-Single klar die Nase vorn. Gern auch in aufgepeppten Versionen mit Teenie-Stars oder als Comic-Version auf Kinderinstrumenten mit Jimmy Fallon.



Warum aber ist 2017 das Jahr, in dem Weihnachtssongs so besonders erfolgreich sind – mehr als jemals zuvor. Nicht nur in Deutschland, sondern auch in Britannien und den USA.

Erklärung Nr.1: Die Demokratisierung der Charts durch die Berücksichtigung von Downloads und seit einiger Zeit auch Streaming-Abfragen. Das hat im Jahr 2017 nicht nur zur überbordenden Präsenz von deutschen HipHop-Produktionen geführt, sondern nun eben auch zur Invasion der Weihnachtssingles.

Ist das alles? – Vermutlich nicht. Sehr weit aus dem Fenster gelehnt, ist die Sehnsucht nach den Weihnachtshits auch so etwas wie eine Dauerparty mit Glühwein. Vom Oktoberfestrausch zum Weihnachtsbesäufnis zur Silvesterparty zum Apres Ski-Schubsen zum Karnevalskoma. Das ist in etwa die Abfolge der Anlässe mit immer wieder ähnlichen Ritualen. Einfache, wiedererkennbare Melodien gehören zu diesen Feiern genauso dazu wie süße, alkoholische Getränke.

Das hedonistische Dauerfeiern geht natürlich auch einher mit einem klaren Ausblenden all dessen, was uns sonst so von Zeitungsseiten und Nachrichtenportalen entgegenspringt. Selbst der allerniveauloseste News-Stream verkündet mittlerweile täglich, wie scheiße alles ist. Also machen wir mal lieber die Augen und Ohren zu und schmeißen uns ins Gewühl der Massen im Rausch.

Dass es dabei gern zurückblicken darf auf die guten alten Zeiten, das gehört zum Ritual dazu. Also ist es auch klar, dass die Hits aus den 1960ern, 1970ern und mittlerweile auch 1980ern zum Standardrepertoire gehören. Das kennen wir aus Kindertagen, können es mitsingen und fühlen uns gleich wieder warm behütet bei Mama am Herd. Nur den wenigsten fehlt diese Erfahrung. Für die meisten ist es eine rosa Zeit.

Nun muss ich natürlich auch bemerken, dass nicht alles nur Retro ist. Coldplay sind mit ihrer 2010er Weihnachtsaufnahme genauso vertreten wie Ariana Grande. In den meisten Fällen ist der Kitsch natürlich nicht anders als vor 20 oder 30 Jahren. Glöckchen müssen immer sein. Um zweisame Beziehung geht es auch in den meisten Fällen. Und selbst Coldplay sind ja genau genommen nichts anderes als ein Relikt aus einer doch schon vergangenen Zeit.

Ein wenig bezeichnend ist es ja schon, dass so eine Ballade wie The Power Of Love von Frankie Goes To Hollywood eben doch nicht bis ganz nach vorne schafft, sondern sich mit Platz 71 zufrieden geben muss. Die erfolgreichen Songs, das sind die, bei denen irgendwie geschunkelt werden kann, die was volkstümliches haben. Das darf dann auch mal ein Friedenslied von John Lennon sein.

Spannend bleibt es natürlich dennoch, zu erleben, wie sich die Weihnachtsgefühlswelt Jahr für Jahr um ein Minimum verschiebt. Chris Rea hätte ich noch vor zwei Jahren auf keinen Fall in den Top 10 gesehen. Noch vor Melanie Thornton. Und dass Shakin' Stevens die Top 20 erreicht ist mindestens genauso unglaublich.

Last Christmas bleibt natürlich dennoch erstmal die erfolgreichste Weihnachtssingle aller Zeiten. Da hat mehr als ein Jahrzehnt punktuelle Dauerbeschallung schonmal gut vorgesorgt. Ob es aber wirklich weiterhin jedes Jahr bis an die Spitze vorpreschen wird...? Immerhin verschieben sich ja auch die Verkaufszeiträume jedes Jahr um einen Tag. Und da könnte es bei Weihnachtsfeiertagen mitten in der Woche vielleicht doch noch mal anders aussehen. Schauen wir es uns an!

EMINEM Ft. Ed Sheeran: River

2017 war eindeutig das Jahr des deutschen Raps. Nahezu jede Woche ein neues erfolgreiches, deutschsprachiges Album von einem Rap-Act – die etablierten Popstars hatten eher das Nachsehen. In den meisten Fällen hatten sie auch nicht besonders viele Einfälle.

Nur einer konnte wirklich dagegen halten: Ed Sheeran. Und so ist es irgendwie ganz passend, dass zum Jahresende ausgerechnet dieser Ed Sheeran den Nummer 1 liefert und zudem mit einer neuen Zusammenarbeit für Aufregung sorgt. Noch besser: Es handelt sich bei River um einen Gastauftritt zu einem Rap-Song, denn aufgenommen wurde River für das neue EMINEM-Album Revival.

Nun liegt der Erfolg des Einzeltracks vielleicht am Auftritt von Ed Sheeran, das Album verkauft sich indessen aus anderen Gründen so gut. Mich überrascht es ja immer wieder, dass EMINEM tatsächlich noch solche Schlagkraft und damit auch Bedeutung hat. Irgendwie verorte ich ihn nur am Anfang dieses Jahrtausends. Da gaben seine Songs so etwas wie ein Zeitgefühl wider. Er war wütend, rotzig, redete schnell und viel. Nicht alles von dem, was er von sich gab, war cool. Seine Angst vor Homosexuellen zum Beispiel. Im Remix funktionierten seine Tiraden dann trotzdem auch auf dem gut durchmischten und toleranten Dancefloor.

2017 hat EMINEM immer noch eine ganze Menge zu schimpfen. Sein A-Capella-Bash gegen Trump zum Beispiel ist viel beachtet und geteilt. Und nicht minder wütend als 2001. Er geht sogar so weit, unentschlossenen Fans zu sagen: Wer keine Meinung hat, kann sich verpissen! - Klare Worte. Inhaltlich allerdings auch ganz schön konträr zu dem, was er vor fast 20 Jahren von sich gab. Mit einem Male beschäftigt er sich mit den Folgen von Populismus: Die Ärmeren und weniger mit Privilegien Ausgestatteten fallen ziemlich schnell durchs Raster der lauten Schreihälse.

Der Rapper befindet sich also mal wieder auf der Gegenseite des herrschenden Establishments. Nur, dass sein Publikum mittlerweile diejenigen sind, gegen die er vor 20 Jahren noch geschimpft hat. Plötzlich steht EMINEM als ein Geläuterter auf der Seite der Guten. Sein Protest hat jetzt auch irgendwie was von Gutmenschentum. Gegen solch eine Einordnung hätte er sich als junger Rapper vehement gewehrt, Gift und Galle oder Schlimmeres gespuckt.

Und diese Situation ist es, die mich eher verwundert auf den Künstler gucken lassen. Das war schon 2010 bei seinem Riesenhit mit Rihanna Love The Way You Lie so. Und in den Jahren danach sowieso. Mit dem neuen Album Revival tauchen dann sogar Namen auf wie Beyoncé und eben Ed Sheeran. EMINEM ist 2017 eben auch nichts anderes als ein eher gewöhnlicher Popstar.

Immerhin ist River dann doch nicht der eingängige, inhaltsleere Schmusepopsong. Es geht eher problematisch zu. Es geht um Untreue, Verlust, Verletzungen, Rache - und vor allem um die Unfähigkeit, das alles irgendwie in den Griff zu kriegen oder gar zu ändern. Ed Sheeran – ganz Liedermacherpoet – schafft es zu dem Bekenntnis "I'm a liar I'm a thief, all my sins need holy water". Und danach ist Schluss. Ich bin halt so, sorry, musst du halt mit leben.
EMINEM setzt dann noch einen drauf: Familienvater, Kinder erziehen, das wird er niemals hinkriegen. Alles was er kann ist Vertrautheit zerstören.

Harte Analyse mit krassem Ergebnis. Vielleicht beschreibt diese Geschichte tatsächlich eine gesellschaftlich relevante Haltung. Das Wissen um Fehlhaftigkeit und Selbstsucht macht einen nicht unbedingt in jedem Fall nur stark. Vor allem nicht, wenn es an das Eingemachte geht, zum Beispiel Verantwortung für das eigene Leben. Lieber wird durchgebrettert ohne Rücksicht auf Verluste. Was kann ich für das Unglück der anderen?

In dieser Radikalität ist River vielleicht wirklich ein ganz gutes Zeitdokument. Und dass sich EMINEM und Ed Sheeran in dieser Art mit dem Leben umzugehen treffen, ist dann doch wieder nicht so überraschend. Ein bisschen schade ist, dass diese Art Selbstsucht sehr wahrscheinlich nicht dabei helfen wird, mit Populisten à la Trump umzugehen. Da braucht es dann doch etwas mehr Arsch in der Hose und Selbstbeherrschung. Und auch Ausdauer, denn ich vermute mal ganz schwer, dass es mit dem einfachen Ausschluss "Alle die den Typen gut finden sind doof." nicht getan ist. Wir befinden uns nach wie vor in der schockhaften Erstarrung, dass solch eine Radikalisierung auf allen möglichen Ebenen überhaupt passieren konnte.

mike perry feat. Shy Martin: The Ocean

Aus Schweden kam und kommt immer wieder ganz gute, überraschende und neue Musik. Das ist kein Geheimnis. Und gerade in den letzten dreivier Jahren sind Acts aus Schweden in den deutschen Charts derart präsent, da müssen sich sogar die Briten fast schon vorsehen, dass sie nicht ihre Pop-Vormachtstellung verlieren.

Aber aus Schweden kommt dann manchmal auch reichlich einfältig und langweiliges Zeug. Zum Beispiel in Form von Mike Perry. Dieser junge DJ und Produzent wagt es doch ernsthaft mit The Ocean eine Produktion abzuliefern, die so dicht dran ist am 2016er Überflieger Faded, da bleibt einem schier der Mund offen stehen. Nun gehört das Adaptieren, Zitieren, Kopieren zu den gängigen Kulturtechniken. Es ist nichts Verwerfliches daran. Wenn allerdings völlig die eigene Idee fehlt, dann wird es tatsächlich höchst langweilig.

Und so plätschert The Ocean seicht dahin, hab ich alles schonmal gehört, nicht mal in Nuancen gibt es etwas Aufregendes zu entdecken. Alan Walker hat in seiner Produktion ja wenigstens noch den jugendlichen Weltschmerz versteckt und damit das Gute-Laune-Gefühl sehr schön konterkariert. Dazu ist Mike Perry nicht in der Lage.

Der freut sich einfach an kitschigen Strandlandschaften, hält seine Liebste bei der Hand und schaut zu, wie die Zeit vergeht.



In einer Gesellschaft, in der das Tempo ordentlich hochgepitscht ist, könnte diese Zeitvergessenheit fast schon eine kleine Revolte darstellen – allein die Videobilder sehen derartig nach Urlaubskatalog aus. Das fühlt sich nicht nach Ausstieg an, auch nicht nach dem einzigen Glück – das sieht irgendwie komplett falsch aus.

Dabei könnten die Lyrics gesungen von Shy Martin einiges an Assoziationen hergeben. Die Sehnsucht nach Schutz, Geborgenheit, nach Vertrautheit in einer ansonsten eher fremden Umgebung… Davon ist nichts zu sehen. Alles nur Hochglanzabziehbilder in Sonnenuntergangslicht – vielleicht muss ich die sterbenden Flüchtlinge im Südseegewässer einfach permanent selbst mitdenken, damit ich diese drei Minuten des Glücks genießen kann. Das Schlimme und das Chaos in dieser Welt ist so präsent, das muss ich gar nicht mehr zeigen. Die Sehnsucht nach heiler Inselwelt ist so groß, da darf es keine Störung mehr geben.

Das Ganze klingt ordentlich nach Realitätsflucht. Und gleichzeitig nach völliger Perspektivlosigkeit. In ihrer Sorglosigkeit sind die beiden der nächsten Welle hilflos ausgeliefert – The Ocean ist da nur noch das verzweifelte Flehen, dass alles möglichst schnell vorbei sein möge. Ein sehr schwaches Lebenskonzept.

jonas Blue featuring Dakota: Fast Car

Ehrlich gesagt konnte ich schon das Original nicht besonders leiden. – Es war 1988 und Nelson Mandela wurde zu seinem 70. Geburtstag mit einer Riesen-Tribute-Show geehrt. Unter anderem trat dort auch Tracy Chapman auf und gab ihren Song zum Besten. Danach war das Lied ein Hit.

Mit reduzierter Gitarrenbegleitung im Liedermacher-Stil war Tracy Chapman eine viel beachtete Ausnahme im kommerziellen Business. House schwappte gerade über und Stock Aitken Waterman hatten eine weltweite Hitfabrik am Laufen. Dazu war der handgemachte Sound ohne überbordende Produktion von Tracy Chapman die Antithese. Und ihre Geschichten erzählten von einem anderen Leben als dem in der Neighbours-Welt.

Fast Car ist eine sehr traurige Geschichte über Hoffnung, Aufbruch und Desillusion. Ein schnelles Auto scheint zu genügen, um dem tristen Leben und engen, armen Verhältnissen zu entfliehen. Alles scheint möglich, der Aufbruch ist perfekt. Am Ende wiederholen sich die Stereotype: Billiglohnjob, Alkohol, kein Ort zum Fliehen. Das schnelle Auto allein reicht eben doch nicht.

Was wird daraus 2015/16?
Tropical House löst endgültig Deep House ab.
Und zu Tropical House passen keine Stories, die in der Verzweiflung enden. Tropical House will träumen. Zum Beispiel das Märchen vom Biker-Girl und dem Cowboy. Auch das hat natürlich seine dramturgischen Wendungen und fatalen Schläge. Aber zwischen all den vielsagenden Blicken und Traumvisionen in der Filmkulissen-Wüstenlandschaft gibt es immer auch eine Hoffnung, ein Wissen, dass das Gefühl, die Liebe, der Kitsch siegt. Überhaupt ist doch alles hier ordentlich abgesichert. Wer ein schnelles Auto (Motorrad) hat, der hat auch eine Kreditkarte und eine Lebensversicherung.

Und schwups wechselt Fast Car die Seiten. Die letzten Zeilen des Originals werden einfach gelöscht. Und schon ist aus dem Song, der sich das eigene Scheitern eingesteht, die realistischen Verhältnisse anerkennt – aus diesem Song ist eine traumverliebte, einlullende Schnulze geworden. Fast Car 2016 wiederholt die Selbstversicherung: ein schnelles Auto reicht! – Die Zukunft kann nur positiv und rosa sein. Es gibt ein Leben außerhalb des Supermarkts-Gefängnisses. Optimismus pur: Wir schaffen das! Und sei es nur durch die Flucht iun virtuelle Traumwelten.

Den bitteren Beigeschmack eines solchen Mantras kennen wir mittlerweile auch. Träume erreicht man nicht einfach so, da gehört Arbeit dazu, Anstrengung, Auseinandersetzung und auch der eine oder andere Verzicht. Und die Vision braucht auch einen klaren Blick und ein Ziel. Ein bisschen melancholisches Augenklimpern reicht da nicht.

Aber das ist natürlich nichts, was in einen Popsong im Tropical-House-Stil gehört. Fast Car von jonas Blue spielt lieber weiter Sommer 2015.

Lost Frequencies feat. Janieck Devy: Reality

Es ist die Zeit der anschwappenden Sommerhits. Und damit auch die Zeit der Untiefen. Die meisten Menschen wollen in der Urlaubszeit ja nicht besonders viel nachdenken. Am Strand liegen, sich der Faulheit hingeben, träumen, das Dasein genießen, ein bisschen Alkohol, ein Sommerflirt und natürlich schönes Wetter...

In diesem Jahr mischt sich in dieses unbeschwerte Gefühl eine nicht zu überhörende Melancholie. Ob es nun CRO mit der Trauer um verpasste Chancen ist oder Feder mit dem Beziehungsdrama, ob Anna Naklab oder Gestört aber geil oder auch KYGO – überall schwingt die Angst/Sorge/Trauer um Verpasstes, Vergangenes, Vergängliches, Verluste mit. Nix da mit unbeschwerter Party und Lebensfreude.

Das kann natürlich auch daran liegen, dass gerade die Weltnachrichten nur Böses und Schlimmes vermelden. Da kriege ich einen Schreck und ziehe mich ganz schnell in mein Privates zurück. Mache Augen und Ohren zu, summe ein Lied vor mich hin und hoffe, dass es mich nicht trifft und der ganze Quatsch schnell wieder vorbei ist. In meinem Gesang ist natürlich deutlich zu hören, dass ich eigentlich völlig verzweifelt bin, nicht weiß wo es lang geht – ein kleines Häufchen Unglück.

In dieser großen, überspielten Verzweiflung mischt auch der Belgische DJ Lost Frequencies fleißig mit seinem Sound der verträumten Belanglosigkeit mit. Schon das Frühjahr lang hat er uns mit Are You With Me begleitet, für den Sommer schenkt er uns Reality.

Erstaunlicherweise – oder eigentlich auch gar nicht erstaunlich – greift er hier auf das Muster von 2014 zurück: Gitarrenmelodie und sentimentale Männerstimme. War das nicht bei Mr Probz schon das Erfolgsrezept?

Nun – es funktioniert offenbar immernoch. Auch wenn es weder besonders originell noch irgendwie anders einfallsreich ist. Das schließt sehr schön an den momentan wabernden und blubbernden Alltagssound an, ohne Unterbrechung, und belässt mich also ungestört in meiner Selbstversunkenheit. – Das ist es, was das verzweifelte, verängstigte und unsichere Europa gerade braucht: Realität die keine ist oder nur die eigenen Befindlichkeiten bauchpinselt.

Das Video untermalt den Sound mit einer Bilderwelt aus dem vorigen Jahrhundert. Mindestens. Junger Mann lässt sich faszinieren von Schatzkarte eines Urahnen, findet in Büchern aus einer verstaubten Bibliothek weitere Hinweise, kann damit seine esoterisch angehauchte Freundin irgendwie begeistern und am Ende stehen sie Titanic-mäßig auf einem Boot und sehen einen übernatürlichen Sturm die forschen Schatzsucher vernichten ... Fantasy meets Love Story meets 70er Jahre Kitsch. Das also ist Reality.



Wie scheiße ich diese ewige Rückwärtsgewandheit finde brauche ich an dieser Stelle gar nicht mehr ausführen. Hab ich oft genug getan. Wie doof ich die Geschichten von behütet aufgewachsenen Jugendlichen finde, die vor lauter Langeweile nichts mit sich anzufangen wissen und deshalb halbherzig auf Klassenausflug gehen, kann ich hier ebenfalls nur noch einmal wiederholen. Selbst wenn die Lyrics zu Reality sogar noch recht vieldeutig sind und es zulassen über Möglichkeiten oder die Schönheit des Lebens nachzudenken, Fragen zu stellen – mit der Vertonung wird alles schon reichlich deutlich zur Trauerarbeit über die Unberechenbarkeit des Lebens: Warum tanzen, wenn doch ohnehin gleich der schöne Moment vorüber ist?

Kombiniert mit den Bilderwelten entsteht eine völlig desillusionierte Sicht auf das Leben: Wohlhabende und abgesicherte Kids, die nicht mal mehr wissen wie ein Abenteuer geht. Selbst aktiv werden, fiebrige Neugierde, die zu spontanen Aktionen animiert oder körperliche Anstrengung und Arbeit? Fehlanzeige. Ein gebuchter Ausflug auf dem Fischerkahn geht grad noch. Und wenn dann die Katastrophe, das eigentliche Abenteuer startet, dann können sich die beiden nur noch in die Umarmung flüchten und die dramatische Schönheit aus sicherer Entfernung bestaunen. Das war es jetzt, unser großes wildes Abenteuer. Ein Kinoerlebnis.

Dass diese Geschichte so vielen gefällt, offenbar aus dem Leben erzählt, das lässt mich immer wieder staunen. Schade, dass alles nur noch abgesicherte Medieninszenierungen und Pauschal-Urlaubsangebote sind. Der Ausbruch aus dieser Wattebauschwelt muss dementsprechend krass und extrem ausfallen. Und naiv. Es gibt ja kaum reale Erfahrungen von Not, Lebensangst und existenzieller Bedrohung.

Die Heimkehrergeschichten von deutschen Jugendlichen aus dem IS-Krieg lesen sich genau so: Endlich sollte mal etwas real sein, von Bedeutung, es sollte mal um etwas gehen. Dass Realität dann wirklich auch weh tun kann und echten Verlust und Verzicht bedeutet, das hatten die wenigsten auf dem Schirm.

James Bay: Hold Back The River

Von den 12 Titeln, die ich in 2015 bisher auseinander genommen haben gehören fünf in die Sparte Deep House. Ein Trend, eine Vorliebe, die sich aus 2014 also ganz massiv fortsetzt.

Ein weiterer, ebenfalls seit einiger Zeit (einigen Jahren) beliebter Stil ist der des möglichst authentischen Singer-Songwriters. Jungs, die meist sehr romantisch und elegisch auf unser Leben und unsere Welt schauen und diese Sicht mit der Gitarre im Arm vertonen. Der letzte richtig erfolgreiche Titel war wohl Take Me To Church von Hozier. Davor hießen die Protagonisten George Ezra, Vance Joy oder auch Ed Sheeran. Und nun ist es James Bay.

Der Junge ist mit Hold Back The River gerade zu einer der großen Hoffnungen von 2015 ausgerufen worden. Und tatsächlich schleicht sich der Song in die Radios und Hirnwindungen der Menschen und beißt sich dort fest.

Nun mag diese Eingängigkeit ein wichtiger Faktor für den Erfolg sein. Ich habe das Gefühl, diesen Song schonmal gehört zu haben, so als Hintergrund, kann mich aber nicht genau erinnern, aber irgendwie war es eine schöne Assoziation… So ungefähr werde ich infiltriert und eingenommen von dem Song.

Kann auch sein, dass James Bay mit seiner verrückten Ähnlichkeit zu Johnny Depp in Dead Man auf ähnliche Weise mit unserem kulturellen Unterbewusstsein spielt. Der Film ist ein wunderbar schräges und sehr sehr elegisches Epos. Was nach dem Ansehen bleibt ist gar nicht so sehr die Geschichte, sondern diese melancholisch skurrile Atmosphäre. Und die Erinnerung an einen ebensolchen Soundtrack von Neil Young.
Und nun steht da mit James Bay wieder ein Mann in der Landschaft, spielt Gitarre und ich habe ein klein wenig das Gefühl, der gehört doch gar nicht hier hin. Dem muss ich doch irgendwie in seiner Verlorenheit beiwohnen.

Kann natürlich auch sein, dass diese sehr introvertierten Liedermacher-Gitarren-Lieder einfach super sind, um durch den Deep House-Reißwolf geleiert zu werden. Auch von Hold Back The River gibt es bereits einige Versionen, die zumindest im Netz ordentlich abgefeiert werden. Da verbindet sich einmal mehr die Lust am Lounge-Lala mit der romantischen Sehnsucht nach dem ungefälschten Gefühl.

Ich denke aber nach wie vor, neben all diesen Faktoren ist es vor allem die Kompliziertheit der Welt, welche so viele nach den einfachen und simplen, den authentischen Liedern und Sängern greifen lässt. Diese verkörpern ein funktionierendes Wertesystem, auf das ich mich wirklich verlassen kann. Das zeigt sich schon in winizigen Details. Zum Beispiel sind es vornehmlich Männer, die hier die Bühne betreten (und mit Empathie empfangen werden). Der Trubel um Birdy, die ja durchaus als Protagonistin dieser Stilform gezählt werden kann, der Hype um sie dauerte nicht sehr lang und ist mittlerweile auch schon zwei Jahre her.

Mit den Männern, die die Welt und unsere Wahrnehmung beherrschen, sind wir auf der sicheren Seite. Die haben uns schon immer ganz gut die Welt erklärt, warum soll das plötzlich alles falsch sein? Bei Frauen weiß man nie so genau, ob deren Ansichten wirklich der Wahrheit entsprechen. Da ist doch ziemlich viel an Emotionalität im Spiel...
So doof diese Vorurteile sind, die Musiker*innen selber bedienen sie ganz gut. Bei den meisten Sängerinnen, die in den letzten Jahren mit Erfolg durch Gitarren-Songs auf sich aufmerksam machten, war eben immer noch etwas mehr drin als nur authentischer Gitarrenklang und Retro-Duseligkeit. Siehe an dieser Stelle durchaus auch das Werk von Birdy. Oder gern auch Lorde.

Es ist also durchaus häufig ein (altmodischer) Gegenentwurf zur uns umgebenden Welt, der da mit den einfachen Liedchen zelebriert wird. In diesem Sinne ein unzeitgemäßer Traum, eine Vision, eine Erinnerung. Und da die meisten der Singer-Songwriter sehr wohl wissen, dass es in der Geschichte niemals ein Zurück gibt, wird diese Unwirklichkeit, diese Unmöglichkeit besonders betont. Sehr gern als ein melancholischer und bereuender Rückblick. So wie bei Hold Back The River.

James Bay trauert um eine vergangene Beziehung. Er trauert um das, was er verloren hat. Ein bisschen schwingt hier auch mit, dass der Wert dieses Zusammenseins im Augenblick der Gemeinsamkeit nicht so präsent war. Da gibt es das "Hätte" genauso wie die Beschreibung, dass das Leben sich irgendwie zwischen die zwei gedrängt hätte. Wenn es den Alltag nicht gegeben hätte, dann, ja dann...
Das erinnert mich alles auch ordentlich an Let Her Go, diesen unsäglichen Riesenhit von Passenger. Und das macht mich immer wieder auch ein bisschen ärgerlich. Dass offenbar so viele Menschen nicht in der Lage sind zu erkennen, wann es Ihnen gut geht, wann Sie etwas Wertvolles erleben oder besitzen und dass man eben da auch etwas tun muss, um das zu schützen oder zu bewahren, das erzählt eine Menge über unsere Welt. Über unsere Oberflächlichkeit. Und über unsere Unfähigkeit, mit dem Leben, mit uns umzugehen.

Nun – ich mag James Bay nicht zu viel Spekulatives unterstellen. Eventuell war ihm schon sehr bewusst, wie großartig das war, was er jetzt im Nachhinein beschreibt. Und das was er auslebt mit seinem Song ist die Trauer über den Verlust. Die Trauer auch darüber, das ja doch Nichts ewig so bleiben kann wie es ist.
Mit dieser Tatsache umzugehen, heißt ja nicht unbedingt, den Schmerz, die Traurigkeit, den Verlust nicht mehr ernst nehmen zu können, nicht mehr zu fühlen. Ich wünsche mir nur, dass diese Trauer und Verzweiflung nicht ewig anhalten und zum Dauerzustand werden. Das wäre dann doch ein eher ätzendes Lebenskonzept.

Dass Romantik und Authentizität mit Fröhlichkeit, Witz und sogar zeitgemäßen Konstellationen wunderbar zusammen geht, hat gerade Ed Sheeran bei seiner großartigen Kooperation mit Hoodie Allen bewiesen. Aber das ist ein anderer Song...

Philip George: Wish You Were Mine

Worauf junge Menschen so alles kommen? Zum Beispiel ein Sample von Stevie Wonder zu verwenden.

OK - am Ende bleibt davon nicht viel übrig. Ist dann auch egal, ob es der Meister höchstselbst aufgenommen hat oder nicht. Aber wenn dieser am Ende sogar selbst die Verwendung noch genehmigt, na dann ist doch jeder Jungproduzent sofort geadelt und es kann gar nichts mehr schief gehen.

Mehr als Marketing ist das alles aber nicht. Oder kümmert sich jetzt ernsthaft jemand darum welches Verhältnis das Original My Cherie Amour zu Wish You Were Mine hat? Sogar der Titel ist ein komplett anderer. Die Bezüge - wenn es sie denn überhaupt gibt - können offensichtlicher nicht verweigert werden.

Also: Graben wir mal nicht weiter in der Geschichte. Das würde sehr wahrscheinlich das vorliegende Ergebnis völlig überstrapazieren und tot interpretieren. So schlimm ist der Track dann wirklich nicht.

Trotzdem bleibt natürlich die Frage: Wie kommt so ein Mensch wie Philip George, Jahrgang 1993, an Material aus den späten 70ern?

OK - er wühlt gern in den Plattenkisten seiner Eltern. Vielleicht ist er sogar ein echter Vinyl-Nerd. So wie Andreas Dorau in den 90ern mal ganz unkeusch alte DDR-Hits von Veronika Fischer und Frank Schöbel ausgegraben und benutzt hat. Das Ergebnis war erfrischend, funky und auf alle Fälle ganz neu.
So weit würde ich mich bei Philip George jetzt nicht aus dem Fenster lehnen. Wish You Were Mine wiederholt da eher, was beim jungen DJ vielleicht als Kindheitserinnerung noch vorhanden ist: 90er Jahre Housemusic. Das Gesangsschnipselchen hätte es an dieser Stelle vermutlich gar nicht wirklich gebraucht. Es dient höchstens als - dann doch recht schnell nervender - Wiedererkennungseffekt.
Der stellt sich unweigerlich ein und bedient im neuen musikalischen House-Umfeld eine Sehnsucht, die einige Jung-Erwachsene derzeit ganz gern zurückträumen lassen an die Zeit als noch so viel möglich schien und das Leben sowieso noch ganz einfach war. Ist das der Grund für die massenhafte Wiederentdeckung des Sounds, der mindestens durch KIESZA gerade perfekt zelebriert wird und sogar solche Rap-Biester wie Kid Ink oder DJ Snake zum Neu-Verwursten animiert?

Erstaunlich ist, welche Kraft dieser Sound, diese Idee immer noch hat. 20 Jahre danach. Auch wenn House mittlerweile alles andere als ein Nischenphänomen ist, kann es offenbar immer noch als Bezugs- oder Fluchtpunkt für die Kleinstadt-Tristesse dienen. Kopfhörer auf und die Welt ist plötzlich voller ekstatischer und fröhlicher Menschen. Statt Vorgarten-Idylle und Supermarkt ist es Freude, Party, Tanz, welche das Leben bestimmen.



Die Bezüge hier auszugraben verspricht ein bisschen mehr Aufschluss über das heutige Sein. Wieder einmal ist es ein Straßenvideo: Ungeschminkter Alltag mit ordentlich abgeranzten Ecken und Hässlichkeiten in dem bewusst eine Kunstwelt aus Choreographie und Inszenierung platziert wird. Inszenierter Realismus – oder vielleicht besser "ergänzte Realität" wie sie international KIESZA oder in Deutschland vor allem Kim Frank zelebrieren. Ganz nah dran am Leben, und gleichzeitig der Ort für Wünsche und Träume. Es ist nicht unbedingt die komplett neue Welt mit völlig anderen Grundbedingungen und Umgebungsvariablen. Es reicht schon, mit etwas mehr Freude durch das Leben zu gehen und alles würde erträglicher und vermutlich um Einiges weniger spießig. Ein Ziel, das irgendwie auch erreichbar scheint und zumindest lebenswirklich aussieht.

Daneben sieht die Vision von CHARLI XCX sehr viel unreflektierter, kindergartenmäßiger und irgendwie auch spießiger aus. Veränderung fängt manchmal vielleicht doch eher im Kopf an.

Mark Ronson Feat: Bruno Mars: Uptown Funk

Tot Gesagte leben länger. Siehe Mark Ronson.

Vor gut 10 Jahren war er wesentlich mit dafür verantwortlich, dass Soul dauerhaft revitalisiert wurde. Mit Amy Winehouse etablierte er als Produzent sogar einen richtigen Star. Und im Grunde legte er damit den Grundstein für das, was auch im Moment noch ganz hübsch als Soul-Fusionen erblüht. Dann verschwand er unerwartet doch irgendwie aus dem Fokus des Mainstreams.

Nun ist er wieder da. Nun also mit Funk. Wobei Mark Ronson dieses Mal – zumindest in der öffentlichen Wahrnehmung – eher auf einen Zug aufspringt, der spätestens seit Justin Timberlakes 20/20 Experience ordentlich rollt. Aber wer hier nun warum welche Stilrichtung für sich entdeckt oder gerade bedient, finde ich recht irrelevant. Spannender ist doch die Frage, was macht so einer wie Mark Ronson, wenn er sich dem Funk widmet.

Feststellung Nummer 1: Er bedient das Genre unglaublich originalgetreu. Ist das wirklich eine Produktion aus dem Jahr 2014? – Da findet sich kaum ein Hinweis. 1982 hätte es mindestens genauso geklungen. Selbst ältere Produktionen klingen – abgesehen von der wesentlich rauheren Aufnahmetechnik – noch verdammt ähnlich.

Dieses Phänomen lässt sich für seine erste Erfolgswelle in den 2000ern schon genauso beschreiben. Das war ein Sound, der durchaus auch schon 40 Jahre zuvor hätte produziert werden können. Einzig die Texte waren moderner, kaputter, vielleicht auch zynisch.

Wie ist das bei Uptown Funk? Sänger Bruno Mars feiert sich selbst. Dabei benutzt er ein Vokabular, welches tatsächlich noch nicht so lange gängig ist. Das ist explizit und ich möchte schon sagen: ordentlich rüde.

Da hat sich in den vergangenen 50 Jahren also tatsächlich einiges geändert. Wo es früher darum ging, die Angebetete des Moments zu verführen, zu umgarnen, zum tanzen zu animieren, da herrscht heute selbstverliebte Eitelkeit. In den 60er und sogar noch zwei Jahrzehnte danach war das Uptown Girl die Unerreichbare, Angebetete, die es irgendwie rumzukriegen galt. 2015 sind die Positionen vertauscht. Der singende Junge ist jetzt Uptown - oder fühlt sich so. Popstars müssen sich nach nichts mehr sehnen. Sie sitzen bereits in der Sonne: Ich bin der Heißeste, der Beste, der Schönste! Schau mich an, Schlampe, ich zeig dir wie's geht… Proletarisierter Luxus und Rap-Posing total.

Dass sich diese Haltung trifft mit der beinahe originalen Re-Interpretation des Genres, erschreckt mich ein bisschen. Denn genau besehen ist das ordentlich konservativ, affirmativ und in seinen Aussagen sogar beinahe schon menschenfeindlich.

Der mitreißende Groove des Sounds steht hier in scharfem Kontrast zu dem, was an Wertgefüge alles mitgeliefert wird. Wir tanzen und feiern uns entzückt in eine festgezurrte Welt aus unsozialen Werten. Liegt die Vermutung nahe, dass nicht alle an unserer Party teilhaben dürfen. Grundbedingung ist, den King auf der Bühne als solchen anzuerkennen und ihm ja nicht zu nahe kommen. Das scheint nicht viel zu sein – schränkt aber den Spaß, den ich haben darf doch schon gehörig ein. Es sei denn, ich liebe es, permanent das untergeordnete Fußvolk zu sein. Oder ja, ich habe es auch geschafft, ich bin Teil des Superstar-Rummels. Wenn auch nur für einen Moment, für diese Nacht.



Und diese Haltung macht, dass Uptown Funk ziemlich genau den Nerv des Moments trifft. Der Song macht Spaß, reißt mit, lässt vergessen. Mark Ronson weiß also ziemlich genau, wo unsere Sehnsüchte liegen.

Und wir? Wir haben es entweder schon perfekt gelernt über alles hinwegzuhören und zu sehen was problematisch sein könnte. Oder unser Leben ist dermaßen verzweifelt, dass nur noch der Tanz auf dem Vulkan eine Existenz überhaupt ermöglicht. Beides ist mehr oder weniger eine Flucht vor der Realität. Eine infektiöse und eine, die keine Pause zulässt.

Marlon Roudette: When The Beat Drops Out

Marlon Roudette kündigt sein zweites Album mit einer Vorab-Single an. Ehrlich: Mich hat es bei dieser Nachricht erstmal geschüttelt. Zu präsent ist mir noch das unsägliche New Age, das an sich schon ein ordentlich weichgespülter Titel war, dann aber im Herbst 2011 per Endlos- und Dauereinsatz auf allen möglichen Kanälen richtig penetrant wurde. Wenn irgendetwas an dem Titel gut war, dann wurde es damit restlos und endgültig zunichte gemacht.

Vor einem neuen Werk hatte ich also entsprechend Angst: Eventuell ist das wieder so eine Romantik-Nummer, die vor allem den Formatradioprogrammdesignern gefällt und wunderbar die Hörtapete für die kommenden Monate abgibt. Grrrrrr ....

Aber When The Beat Drops Out erweist sich dann doch als sehr viel weniger schlimm. Das ist dann das Gute an schlechten Vorurteilen – man kann eigentlich nur positiv überrascht werden.

Im Fall von When The Beat Drops Out gelingt das schon mit den ersten Tönen. Da sind Marimba-Klänge zu hören. Schon spulen sich die Karibik-Assoziationen durch den Kopf: Wird das jetzt eine Urlaubs-Ethno-Nummer, die ein bisschen auf die Fake-Brasilien-Präsenz der letzten Wochen aufsetzt? Oder ist das eine Reminiszenz an die 80er und 70er als Verweise auf Südsee-Idylle nahezu die komplette Gesellschaft in Verzückung versetzten? Und hatte nicht eine der vergangenen Smartphone-Generationen dieses Geklimper als Klingelton einprogrammiert? – Gute Voraussetzungen für die schlimmsten Effekte. Aber: Nein – all das findet nicht statt. Marlon Roudette weiß recht geschickt das Instrument einzusetzen als Anklang, als Erinnerung. Deutlich genug um eine süß-nostalgische Stimmung aufkommen zu lassen, aber dann doch kombiniert mit einem zeitgemäßen Beat und Sound, so dass plötzlich sogar die Marimba etwas westlich-zeitgemäßes bekommt. Fast klingt das Ganze ein bisschen elektronisch.

Und damit wird When The Beat Drops Out zu einem Track, der auch in der Großstadtlounge funktioniert. Natürlich genausogut als Strandbar-Sommerurlaubs-Untermalung, aber weniger als etwas, das einen unbekannten oder exotischen Fluchtort beschwört – der Song ist hier und jetzt, Pop im besten Sinne und vielleicht fast so etwas wie die Fortsetzung von Big City Life neun Jahre später.



Natürlich bleibt Marlon Roudette seinem Image als romantischer und sensibler Mann treu. Mit When The Beat Drops Out macht er das, indem er seine Gefühle, das was ihm geschieht, beschreibt als etwas, das ihm so ähnlich beim Komponieren und Musizieren passiert. Er hat zwar eine Idee, vielleicht ist es auch ein Plan oder bloße Neugier – was davon aber gelingt, was daraus entsteht, das ist nicht vorhersehbar. Der Zufall spielt eine recht bedeutende Rolle.

Und irgendwie gefällt mir diese Haltung. Sie lässt tatsächlich offen, das Überraschungen passieren, das eben nicht alles bis ins Detail planbar ist: Beziehung, Ehe, Haus, Kinder, Rente. Es bedeutet auch: Nimm die Gegebenheiten an, gehe damit um, genieße das Schöne daran. Auch wenn mal nicht ganz klar ist, wo das alles hinführt. Schönheit entsteht eben auch durch Unvorhergesehenes.

So überzeugt und bewusst, fast lebenslustig habe ich Marlon Roudette bisher nicht erlebt.

Trotz dieser positiven Überraschung bleibt When The Beat Drops Out ein bisschen gefährlich – oder sag ich vielleicht besser: gefährdet. Wie derzeit eigentlich alles, ist auch dieser Titel bereits Opfer zahlreicher Deephouse-Remixe geworden. In den besten Versionen bleibt die etwas distanzierte Haltung des Songs erhalten, die meisten verlassen sich dann aber doch lediglich auf die Marimba-Hookline und präsentieren eine schnell nervende Sun Of Jamaica-Hymne.

Klangkarussell: Sonnentanz

Es gibt mal wieder einen Track, der hat es geschafft ohne übermächtige Medien-Promotion durch ein großes Label oder eine Fernseh-(Casting-)Show sich zu einem anständigen Hit zu mausern. Laut wikipedia-Gerüchten ist Sonnentanz vom österreichischen DJ-Duo Klangkarussell bereits vor einem Jahr erschienen – im Herbst 2011. Dann hat es irgendwann im Winter ein Indie-Musik-Blog empfohlen und von da an ging es los mit der viralen Verbreitung. Im Sommer 2012 war dann die kritische Masse erreicht und der Titel konnte sich als Download-Track in den Verkaufscharts der deutschsprachigen Länder platzieren. Das Dance-Label KONTOR entschied sich dann, tatsächlich auch eine CD zu veröffentlichen und dieser Release brachte dann den ganz breiten Mainstreamerfolg. Weil das Ganze so schön gewachsen ist, gehört Sonnentanz aber nach wie vor zu den überall gut angesehenen Titeln. Die allgemein übliche Schmähung von kommerziell erfolgreichen Titeln durch eine wie auch immer alternative und unabhängige Musikszene blieb bislang aus. Da hat sich also schon was getan in der deutschen Musiklandschaft – es ist ja nicht das erste Mal in diesem Jahr, dass sich eine mehr oder weniger unabhängige Produktion ganz breit durchsetzen kann und trotzdem noch von allen Seiten halbwegs akzeptiert wird. Ich erinnere an dieser Stelle mal nur an die beiden Sommerhits von Lykke Li und Asaf Avidan/Wankelmut.

Das langsame Wachsen von Hits und die eher unterschwellige Vermarktung, das ist ein Konzept, welches durch das Label KONTOR in den letzten Jahren ordentlich professionalisiert wurde. Und mittlerweile anständig Erfolg hat. Die Hits aus dem Laden sind omnipräsent – nahezu jeder Titel aus dem Bereich Dance läuft über deren Plattform. Und wie machen die Jungs und Mädels das? Zum Beispiel gehen sie explizit freizügig mit der Verbreitung im Netz um. Videos sind auf allen Plattformen verfügbar, Remixe und Fan-Videos werden nicht untersagt oder zwangslizensiert. Da herrscht eine große Freude am wilden sharen und liken. Übrigens sehr im Sinne der Künstler selber. Wenn man sich zum Beispiel mal den google+-Kanal von Klangkarussell reinzieht, dann tauchen da unter deren Favoriten eine ganze Menge von Fan-Remixen und Coverversionen per Bild und Ton auf. Sogar eine Klavierversion ist darunter zu finden.



So hat es ein total unbekanntes DJ-Duo aus Österreich also innerhalb eines Jahres zu enormer Popularität gebracht. Irgendwie sind wir’s ja eher gewohnt, dass entspannte Clubmusik aus Berlin oder vielleicht auch noch aus Hamburg kommt. Salzburg hab ich da eher nicht auf meiner Landkarte. Jedenfalls kann ich mich nicht erinnern, wann der letzte großartige Act aus Österreich auch in der breiten Masse gut ankam. (Andreas Gaballier und DJ Ötzi nehm ich an dieser Stelle mal sowieso ganz raus.)

Ich gebe zu, dass ich zunächst mal mit dem Sonnentanz auch gar nicht so viel anfangen konnte. Ja, das war schon irgendwie lauschig – passte ganz gut zum aufziehenden Sommer, aber irgendwie war mir dieses Saxophon und das jazzy feeling eine Nummer zu intellektuell und schubidu. Mit Acid Jazz hatte ich nach einer kurzen Liebäugelei schon in den 90ern wieder abgeschlossen. Und irgendwie sind Klangkarussell für mich da in der Ecke gelandet.Nicht unwesentlich hat dazu dann auch noch das Video beigetragen, dass ich ja überhaupt nicht verstehe. Ist Blumen-im-Haar-Hippietum jetzt echt wieder cool?



Also damit hab ich schon meine Schwierigkeiten: verbrämte Romantik-Träumerei irgendwo weit weg von jeglicher Realität – das akzeptier ich als Fluchtbewegung, aber nicht als Lebenskonzept. Bzw. find ich es ziemlich erschreckend, dass brav, behütete Wohlstandskinder so etwas tatsächlich leben. Das scheint mir ordentlich nah am Abgrund und der harten Bruchlandung zu existieren.

Das waren so meine Bedenken. Und deshalb hat der Sonnentanz bei mir erstmal nicht so wesentlich viel bewirkt. Erst als ich den Track dann in einer komplett anderen Situation erlebt habe, wurde mir klar, was er auch sein kann. Entspannter Wohlfühl-Soundtrack für einen Nachmittag im Büro – oder als vorsichtige Einstimmung auf die große Aufregung. Klassischer Warm Up bzw. Chill Out. Immer in Kombination mit dem etwas härteren und ungeschminkteren Dasein. Ja – da macht es schon Sinn, auch mal Klangkarussell aufzulegen. Da kann ich sogar eine ganze Menge Energie rausziehen. Denn unmodern ist der Sound von Klangkarussell keineswegs. Die beiden haben von Kruder & Dorfmeister schon anständig viel gelernt. Und vielleicht sind die beiden auch diejenigen, die diesen Österreich-Sound in die Zukunft tragen. Einfach bitte ohne konkrete Bildwelt – dann könnt es was werden.

Max Herre Feat. Philipp Poisel: Wolke 7

Irgendwie war ja Max Herre schon immer einer von den Guten. Und das war (und ist) auch anstrengend. So Menschen, die wissen was richtig und falsch sind. Und das dann auch noch permanent erzählen. Vielleicht ist das auch ein Grund, warum sich Max Herre zwar einen ganz guten Namen verdient hat, auch ganz anständig Alben verkaufte, aber mit einem richtigen Pop-Hit klappte es nie.

Nun ist natürlich auch Deutschland ein Markt, auf dem intelligenter Pop oder Musik mit (womöglich sozialkritischem) Inhalt fast gar nicht funktioniert. Es sei denn, er ist christlich verbrämt wie bei Xavier Naidoo oder Adel Tawil.

Im Jahr 2012 nun scheint irgendetwas anders zu sein. Max Herre kündigt ein neues Album an, betitelt Hallo Welt!, und wie im Business üblich gibt’s kurz vorher eine Single-Auskopplung, in diesem Fall Wolke 7. Und diese Single entwickelt sich tatsächlich zum Hit. Was läuft da eigentlich falsch?

Nun ja, da gab es ein Jahr 2011, in welchem eine ganze Schar von jungen Singer Songwritern aus Deutschland wie aus dem Nichts erschienen und eine Menge Menschen für ihren Sound begeistern konnten: Tim Bendzko, Andreas Bourani, Mark Forster … und eben auch Philipp Poisel. Gemeinsam ist diesen Sängern, dass sie auf das große Trallala lieber verzichten, sich als poetisch-einfühlsam inszenieren und in ihren Geschichten über das Gefühlsleben ihrer Generation singen. Und eigentlich nur über das. Damit kann eigentlich jede etwas anfangen. Das ist irgendwie komplex, aber nicht zu sehr wie all der andere Quatsch um uns rum. Und das kommt auch nie in den Verdacht zu politisch oder gesellschaftspolitisch zu sein, denn das ist ja eher uncool. Also beschäftigt sich diese Generation (wie eine ganze Menge Generationen zuvor auch schon) mit sich selbst. Das ist in Ordnung.

Im Fall von Max Herre bedeutet das allerdings auch, dass er so ein klein wenig auf das verzichtet, was irgendwie auch sein Markenzeichen ist. Zumindest in diesem einen Song. Da geht es wirklich nur noch darum, dass alles zu viel ist, da geht es auch um Zweifel und Versagensängste. Und es gibt keine wirklichen Antworten. “Ich schließe die Augen” – das ist das Credo. Für einen Mann, der kurz vor seinem Vierzigsten steht, klingt das fast schon ein bisschen nach Midlife Crisis. Damit’s aber nicht zu sehr zu einem Middle of Age-Drama wird, hat sich Max Herre ganz schlau Philipp Poisel zur Seite genommen. Und schon ist klar: diese Probleme und Ängste, die haben wahrscheinlich alle Menschen, egal wie alt.



Das Ganze ist in einen lauschigen Popsong gepackt. Der dudelt ganz schön auch im Hintergrund umher. Da kann ich mitsummen und muss gar nicht so sehr auf den fragenden Text hören. Auch in deutsch lässt sich gut der Verstehen-Modus ausschalten. Ob ich diese Eigenschaft als Qualität beschreiben möchte – immerhin erreicht Max Herre so ja eine Menge Leute, die ihn nie und nimmer freiwillig angehört hätten – das weiß ich noch nicht genau. Irgendwie treibt mich der Argwohn, dass man mit Beiläufigkeit niemals ernsthaft Fragen stellen kann. Aber das wird die Zeit zeigen.

Warum ich Wolke 7 dann tatsächlich beeindruckend finde, liegt an einer Coverversion, die seit ein paar Tagen ihr Unwesen im Internet treibt. Joel Brandenstein und Umut Anil haben den Song von allem Schmus befreit. Ein einfaches Klavier begleitet die beiden und plötzlich höre ich auf, nebenbei abzuwaschen, Auto zu putzen, in Zeitschriften zu blättern. Ein Titel, der solch eine Intensität entwickeln kann, kann gar nicht verkehrt sein.

UNHEILIG: So wie du warst

Er ist derzeit wahrscheinlich der erfolgreichste deutsche Musiker. In den vergangenen zwei Jahren war nur die Berliner Ethno-Dance-Formation culcha candela häufiger in den offiziellen Single-Charts vertreten.Die neue Single So wie du warst ist bereits der vierte Top 10 Hit innerhalb von zwei Jahren, nur Lena Meyer-Landrut kann (mit ganz viel Eurovisons-Unterstützung) etwas Ähnliches vorweisen. Das Album Große Freiheit stand 23 Wochen an erster Stelle der deutschen Album-Charts und überrundete damit Herbert Grönemeyers Werk Öaus dem Jahr 1988. UNHEILIG scheint nichts stoppen zu können. Und mit Ankündigung des neuen Albums Lichter der Stadt, welches am 16. März erscheinen soll, scheint so etwas wie ein kollektives Koma einherzugehen. Radiostationen haben UNHEILIG sofort in Endlosschlaufe genommen, Autoradiohörer drehen lauter, wenn So wie du warst ertönt. Warum eigentlich?

Sind deutsche Musikkäufer (und damit vor allem junge Menschen) ernsthaft so verunsichert, dass sie sich in romantische Sehnsüchte flüchten? Jemand, der immer da ist, der auf einen aufpasst, der die Familie beschützt – das ist das Versprechen, welches der Graf mit seinem Lied gibt. Natürlich sind es ganz gerne Andeutungen von Tod und Abschied, die in dem Lied auftauchen. Das Versprechen, du wirst nicht vergessen sein, du wirst Teil unseres Lebens bleiben, das klingt natürlich gut. Und gefährlich. Ich kenne genügend Menschen, die es bevorzugen, nicht permanent beschützt zu werden. Selbst Kinder müssen Erfahrungen machen, die ihnen kein Elternteil abnehmen kann, sie brauchen Situationen und Räume, in denen sie lernen können, was es bedeutet, verantwortlich fürs eigene Tun zu sein.

In UNHEILIGs Welt gibt es keine Verantwortung des Einzelnen. Es ist immer eine Familie da, ein Freund, ein Beschützer – wahrscheinlich auch ganz gern ein Führer. Nicht umsonst klingen die Refrain-Chöre enorm nach der starken, geleiteten Masse eines Matrosenchors. Und das alles wünschen sich also Menschen in Deutschland 2012? Jemand, der da ist und sagt wo’s lang geht. Egal ob privat in der Familie, im Job oder auch in der Politik. Bloß nicht zu viel selber entscheiden müssen. Bloß kein eigenes Leben führen. Dann wär man ja womöglich auch noch für eigene Fehler selbst verantwortlich.

Visuell setzt So wie du warst da an, wo auch Geboren um zu leben schon angesiedelt war. Es ist die Erinnerung, die für die schönen Momente steht. Das Jetzt ist irgendwie unwirtlich, traurig, einsam. Am Ende findet der alte Mann seine gesuchte Kindheitserinnerung, und dann gibt es doch noch einen schönen Moment. Allerdings besteht auch der vor allem aus Erinnerung. Warum ist es eigentlich nicht möglich, auch heute mal Glück zu erleben? Wo sind die jungen Menschen von heute, die auch tolle Erlebnisse haben und Freude empfinden? Und wieso müssen sich zwei Menschen denn sofort verstehen, wenn sie nach zig Jahren sich wieder treffen? Ist dazwischen nichts passiert? Haben sich diese Menschen nicht auch verändert durch ihre Leben? – Das blendet das Video aus. Und ich höre schon die Begründung: es sind schließlich nur 4 Minuten, in denen kann man keine komplexen Geschichten erzählen. Außerdem ist es wie im Kino, Menschen wollen nicht permanent die Realität sehen … Leider glaube ich diesen Antworten nicht, denn ich treffe vor allem Menschen, die mir genau das Gegenteil erzählen. Märchen gern, aber nicht immer so langweilig schwarz-weiß. Und diese Verortung der Persönlichkeit in einer überhaupt nicht mehr gültigen Kindheit und Jugend ist dermaßen überflüssig. Bestimmend für das Leben sind meist ganz andere Zeitpunkte. In den meisten Fällen sind das Ereignisse, die vielleicht 10 oder 20 Jahre zurückliegen, aber sicher nicht 40...50...60.



Wenn ich jetzt nach dem Video noch anfange die Inszenierung des Grafen auseinanderzunehmen, dann wird es vermutlich ganz schlimm. Der zeitlos Neutrale, der Unerreichbare, der mit pathetischen Gesten, leidend-verständigem Gesichtsausdruck und stets unbestimmt nach halboben gerichtetem Blick meine Hand halten und mich (beg)leiten möchte … ehm, diese Art von Pfarrer, Erzieher oder Bürgermeister hab ich schon eh und jeh als unangenehm empfunden. Da sind mir die Fishers vom Bestattungsunternehmen aus Six Feet Under sehr viel näher – die haben zwar alle eine Macke und eine ganze Menge Probleme, aber wenigstens wissen sie so viel vom Leben, dass sie Menschen auf gleicher Höhe die Hand reichen können. Und da gibt es dann auch mal was zu lachen statt der ewigen Depressionstrauer.