Nicht deutschsprachig und Raop? Trotzdem erfolgreich? - Typischer Fall für TikTok. Der Plattform über die gerade sogar politisch so viel gestritten wird.
So ist es auch im Falle von Mood. Und es lässt sich all das wiederholen, was schon zu anderen TikTok-Hits gesagt wurde. Also lasst uns lieber nach etwas anderem suchen, worüber es nachzudenken und zu nörgeln lohnt. Vielleicht über den Video-Clip?
Auffälig und ganz schön die Mühe, mit der die Ladies zu Monstern gestylt wurden. Und dabei sogar richtig gut aussehen. Da haben die Video-Phantasien von Aisha Devy offenbar schon ordentlich Einfluss gehabt. Hier wird natürlich noch ordentlich mit realistischen Szenen kombiniert. Ist ja ein kommerzielles Unterfangen. Künstlich-künstlerisch darf es trotzdem sein mit Papp-Kulissen, offensichtlichen Videoeinspielungen und jeder Menge Dekoration. Sebastian Sdaigui hat sich da schon ordentlich Mühe gegeben. Und offenbar auch reichlich Spaß gehabt.
Klar, das ist alles nicht neu. Macht beim Zuschauen trotzdem immer wieder genauso viel Spaß. Allein schon, weil jede Idee gleich einen ganzen Sack voll Bezügen aufmacht. Wo hab ich dieses Element schon gesehen? An was erinnert mich das? Los gehts mit dem Zitaten-PingPong.
Musikalisch ist es nicht anders. Für mich nur nicht so lustig. Weils mich an zu viele schlimme Produktionen erinnert: Weinerlichen RnB auf DeepHouse. Oder auf den Markt zugeschneiderten Mainstream-HipHop. Im besten Fall an 90er Jahre Crossover.
Ich zähl jetzt nicht jeden einzelnen Track auf, von dem irgendein Versatzstück entliehen sein könnte. Ist langweilig und irrelevant. Und bei jedem anders. Ich überleg jetzt höchstens, warum mich der Bezugssalat sonst immer ganz gut anmacht - hier aber nicht funktionieren will.
Vielleicht ist es die jammerige Haltung der beiden. Sich darüber beschweren, dass andere das Problem sind, ist grad sehr beliebt. Und enorm uninteressant. Erzählt mir doch mal was Schönes! Oder, wenn ihr denn schon so ein problembeladenes Leben habt, erzählt mir, warum ihr diesen ganzen Quatsch mitmacht. Da muss doch was sein. Das würde mich interessieren. Beim Status "Du hast immer irgendeine Laune" sage ich: Na dann Tschüß. Es gibt noch 4 Mrd. andere auf dieser Welt.
Dass 24KGoldn und Iann Dior das nicht schaffen, macht sie zu lächerlichen und bockigen Kindern. Die vor allem für Kinderzimmer produzieren. OK - ist eine Zielgruppe.
Und jetzt verstehe ich auch, warum dieser Track so nahezu clean rüberkommt. Kaum unflätige Worte, kein Gerülpse und Gefluche ... in den frühen 1990ern hießen die beiden, die solche Hits fabrizierten KrissKross. Waren ungemein erfolgreich. Und ungemein Kindergarten.
Kollaborationen sind ja derzeit sowas von ein Muss. Egal wer mit wem - egal wie bescheuert, absurd, sinnlos - es muss ein X zwischen zwei Namen her. Featuring war gestern. Heut ist es crossing: X.
RIN & Bausa ist dabei eine Variante, die ganz gut funktioniert. Rein von dem, was die beiden so in den letzten Jahren auf den Markt geworfen haben, ist die Idee sie gemeinsam zu verramschen nicht so abwegig. Der immer ein bisschen planlos albern wirkende Bausa, der am Ende aber ziemlich genau weiß, wie weit man gehen darf um nicht völlig lächerlich zu wirken. Luxus mag er schon. Ein bisschen wenigstens. Cool genug ist er, um das aber immer auch ins Lächerliche zu ziehen.
Dazu RIN - Markenfetischist vom Feinsten. Aber eben solche Marken, die der Gucci-Lover eher nicht kennt. Oder nicht anziehen würde. Hat auch eine gewisse Schnoddrigkeit, die er zelebriert. Was ihn gleichermaßen cool und nahbar macht.
Die beiden haben also miteinander gespielt und sich einen Hit aus dem Jahr 1999 geschnappt: Du trägst keine Liebe in dir. Damals von Echt schön gelangweilt in nachempfundener Britpop-Haltung zelebriert. Der kommerzielle Höhepunkt der Band.
Übrig geblieben ist von dem Song am Ende nicht viel mehr als eine Textzeile. Und auch die Traurigkeit von RIN ist so ziemlich ganz anders im Vergleich zu Echt. Zumal es im musikalischen wie visuellen Gegenschnitt zu Bausas Part gleich mal einen mindetens doppelten Boden mitliefert. Wer ist jetzt der Typ mit den Nike's? Und wieso jammert der auch rum? Besingt er gar sich selbst?
Erkennt man dann noch die visuelle Anspielung auf American Psycho wird's völlig verrückt. Oder extrem eiskalt. Bausa als der selbstverliebte Yuppie, der natürlich nichts von Gefühlen weiß. Sich maximal wundert oder amüsiert darüber, zu welchem Leiden Menschen fähig sind.
Ach ja, Filmzitate. Genius.com weist gleich mal drauf hin, dass auch das Cover eine Reminiszenz ist. An den Mid-90er Film Kids. Auch nicht die fröhlichste Sorte Unterhaltung.
All diese Zutaten in einem Topf - das zeugt von einer unglaublichen Freude am Rummanschen mit Versatzstücken. Am Spielen mit den konsumenten. Versucht uns doch zu entschlüsseln! Und es macht Spaß.
Schön, dass die beiden sich mal so richtig einsam gefühlt haben.
Dass es Rammstein noch gibt! Nach mehr als sechsjähriger Pause melden sie sich zurück. Und verursachen gleich wieder einen Skandal.
Wie immer segelt die Band schön an den Grenzen des Sag- und Zeigbaren entlang. Das Spiel mit Martialität, Pathos und Nationalismen ist natürlich heikel. Auch wenn die Autoren sich ziemlich klar positionieren, ist nie gewiss, was davon auch wirklich ankommt. Und genau das führt immer wieder zu heftigen Diskussionen. Kann man sich schön dran beteiligen.
Auch bei Deutschland hat das gut funktioniert. Vor allem durch den Einsatz eines Video-Snippets als Werbung. Wir sehen: Verkürzungen sind nicht unbedingt immer gut. Im Fall von Rammstein war es natürlich wohlweislich geplant. Es geht ja schließlich um Schlagzeilen und Wahrnehmbarkeit. Experiment geglückt. Fazit: Deutschland geht direkt auf die Position 1.
Ich vermute, der Skandal war nicht nur ein Werbetrick. Bei allem Donner und Pyrotechnikeinsatz haben es Rammstein doch immer auch geschafft, das Ganze Theater auch wahrnehmbar als ein solches zu zeigen. Das ist nicht einfach nur Neue Deutsche Härte - das ist vor allem auch stets die Unsicherheit: Meinen wir es wirklich so? Oder denken wir was ganz anderes?
Könnte also sein, dass der Werbetrick ein pädagogischer Kniff war: Seht Ihr, wie schnell Ihr in die Falle tappt und euch auf halbe Informationen verlasst?
Allein das könnte als Begründung reichen, warum Nazis den Titel nicht mögen. Im Fall von Deutschland ist die Abgrenzung zum Nationalismus dann aber mehr als eindeutig. Kann man das noch überhören und nur auf die Deutschland-Chöre hereinfallen?
Beeindruckend, weil irgendwie schon lange nicht mehr so erlebt, ist die Videoinszenierung. Aufwändig wie ein Kinofilm, bis ins kleinste Detail gestylt - das ist der totale Kontrast zu den gerade sehr geliebten superschnell produzierten Video-Clips, in welchen es schon als Kunst gilt, wenn ein paar Moves in Markenklamotten vor möglichst teurer Kulisse gedreht werden.
Rammstein sind nicht nur als Band ein paar Dinosaurier, auch ihre Vermarktungstaktik zeigt uns noch einmal, wie es mal war. Dass das 2019 dann immer noch funktioniert - nicht schlecht. Ich fürchte allerdings, dass wir von diesen überlegten und an zeichenhaften Zitaten überbordenden Kampagnen nicht mehr allzu viele erleben werden. Die kurzlebige und oberflächliche Influencer-Kultur mag zwar auch nicht das letzte Wort haben, die Seh- und Konsumgewohnheiten hat sie aber ganz sicher beeinflusst.
Also genießt diesen visuellen Wahnsinn ruhig nochmal. Es könnte eines der letzten Relikte einer längst vergangenen Zeit sein.
Kürzlich in London: die ganze Stadt ist zugepflastert mit Plakaten, welche das Album Sremmurd II von Rae Sremmurd bewerben. Und ich denke: Yeah – endlich mal ein USamerikanischer Rap-Act, der fegt. Nicht umsonst geht mir Black Beatles seit dem ersten Hören nicht mehr aus dem Kopf – hypnotisch hat es sich reingefressen in mein Gedächtnis. Das liegt auch an dem sehr schön dunklem Background-Loop, der mich sehr sehr an den 80er-Jahre-Hit Sunglasses At Night erinnert. Und auch wenn es mit allergrößter Wahrscheinlichkeit eben kein Sample ist – die Stimmung trifft der Loop genau. Geheimnisvoll cool und magisch vereinnahmend.
Dazu kommt natürlich, dass Rae Sremmurd-Brüder allein schon mit ihrer jugendlichen Frechheit punkten können. Da ist nicht so viel von Stilgrenzen zu spüren – die machen einfach was ihnen gefällt. Ein bisschen schnoddrig, für manchen Rap-Fan eventuell sogar viel zu sehr am Pop. Mir macht genau das Spaß. Der Part von Recke Gucci Mane ist dagegen – nunja, auf alle Fälle nicht besonders überraschend.
Und so sind es auch die Lyrics. Während Swae Lee & Slim Jxmmi bei aller Arroganz immer auch mitteilen, dass es gleich aus sein könnte, dass das Geld eben doch nicht nur auf der Straße liegt, dass auch bei sonst wieviel Fame der Neid und Hass alles andere als angenehm ist – während die Jungs genau das beschreiben, bleibt Gucci Mane eben doch nur im üblichen Alphatier-Gepose. Das ist für einen HipHop-Helden natürlich völlig legitim, aber eben auch genau das, was man erwartet. Laaaangweilig.
Das Video erreicht für meine Begriffe nicht die Höhe des Tracks. Immerhin wird da schön wild allerlei Filmmaterial durcheinander geschnitten: Konzertmitschnitte, Privatparties, Straßenszenen, Spaß wie im Kindergarten, Tourneeeindrücke ... Im Hin und Her der Fetzen entsteht ein bunter Mix, der vor allem Lebensfreude zeigt. Und auch hier wieder – genug Schnoddrigkeit, um eben nicht 1:1 das zu wiederholen, was ich schon 1000 x gesehen habe. Sogar die einstudierten Posen wirken entweder albern gebrochen oder unglaubwürdig.
Rae Sremmurd also schaffen es, mich zu überraschen. Zumindest mit diesem Track. Bleibt vielleicht ein bisschen abzuwarten, was da demnächst noch alles kommt. Auf der anderen Seite: Manchmal reicht ein Song, um unsterblich zu werden.
He is back: Mr. Michael Jackson.
Natürlich nicht höchstpersönlich und himself, sondern eine clevere Remix-Variante, die das Original dann wohlweislich verschweigt, denn wer kümmert sich heut schon noch darum, woher was stammt. Ist ja eher irrelevant. Hauptsache es funzt.
Easy Love scheint genau das zu tun: Einzuschlagen und das gebeutelte europäische Volk mit Glückseligkeit zu verwöhnen. So einfach ist es: Ein House-Beat mit 90er Piano, ein 70er Sample, ein Kindervideo in kakelbunten Farben und natürlich auch ein paar zackige Choreographien wie aus dem 80er Musikdrama Beatstreet. Zitatenmischmasch pur, der alle erreicht: Die Nostalgiker genauso wie die Clubgänger, die Radiohörenden und die Computernerds. Je nachdem wie bewusst das alles zusammengerührt wurde, gebührt dem Produzenten Sigala Bewunderung. Oder zumindest das Zugeständnis, dass er ganz treffsicher die Zeichen der Zeit erkannt hat.
Und so wird also auch der King of Pop gnadenlos ins nächste Jahrzehnt gebeamt. Puristen dürfen hier gern auch darüber herumwundern wie gnadenlos das geschieht. Wenn wir jetzt genauer hinter die Hitfabrik Jackson 5 schauen und dann dazu die vermeintlich fröhlichen Kinder in der Inszenierung betrachten, dann lässt sich durchaus auch ein eiskalter Zynismus erkennen. Da werden die 10er richtig blaß dagegen.
Sehr viel mehr gibt es dann zu Easy Love auch gar nicht mehr zu sagen. Höchstens noch, dass dieses Rezept des postmodernen Mixtopfs selbst auch schon einige Jahre auf dem Buckel hat. Und erfolgreich war. Zum Vergleich empfehle ich mal den 2010er Track My Feelings For You von AVICII anzuhören. Das ist – auch wenn das Sample hier im Original von Gwen McCrae stammt – nahezu identisch mit Easy Love. Sigala packt nur ein bisschen mehr Radiotauglichkeit drauf und hat Glück, dass die Klingeling-Refrains nach mehreren Hits von KYGO fest etabliert sind im mitteleuropäischen Gehör.
Wer es etwas weniger kommerziell und nervend mag, der/die muss sich die Remixe von Easy Love zu Gemüte ziehen. Zumindest der von DJ Zinc liefert da ein paar ganz schöne und etwas düstere Nuancen.
Es hat dann doch recht lange gedauert, bis Major Lazer die Aufmerksamkeit und den Erfolg bekamen, der ihnen zusteht.
Bereits im Jahr 2009, nach ihrem großartigen Pon de Floor-Hit, war klar: Das sind die neuen Master. Und: Das wird gut. Aber mit ihren schrillen Remixen und lauten Videos, gern vollgepflastert mit Booty shakin' und Twerkin' war es für die Massen wohl doch zu sperrig. Da brauchte es dann erst eine Umbesetzung und das sehr lauschige (und trotzdem schöne) Get Free, bis sich auch die BRAVO-Compilation traute Major Lazer unter die Menschen zu bringen.
Auch das ist nun schon gute zwei Jahre her und zwischendurch hat es eine ordentliche Trap-Welle gegeben, die doch auch den Mainstream hierzulande einigermaßen aufmischte. Gute Voraussetzungen für Diplo und Co.
Warum es tatsächlich Trap war, der sich im eher bräsigen Deutschland durchsetzen konnte, während es solche Dinge wie Dubstep oder Grime zuvor nie wirklich schafften ... ich schiebe das mal auf den größeren Einfluss der US-amerikanischen Pop-Kultur. Die Briten sind da immer etwas zu schnell, auch zu differenziert und kleinteilig. Nicht umsonst gibt es dort vermutlich die lebendigste Independent-Szene der Welt, die alle acht Wochen einen neuen Star hervorbringt und zweimal im Jahr völlig neue musikalische Trends gebiert.
In den wesentlich größeren USA geht es etwas behäbiger zu. Ein Stil braucht erstmal enorm lange, bis er sich durchsetzt, aber wenn er dann da ist, dann gibt es kein Halten mehr. Und so hatte Trap in den vergangenen zwei Jahren ordentlich Rückendeckung durch Mega-Stars wie Katy Perry. Die lieferte mit Dark Horse gleich mal eine ihrer Singles der neuen Mode aus. Erfolgreich.
Diese Mainstream-Adaption war vielleicht so etwas wie die Krönung einer Entwicklung, die sich über mehrere Jahre hinzog. Ganz gut ablesbar an der Fast & Furious-Reihe. Seit 2001 erscheint in Abständen von zwei bis drei Jahren eine neue Folge und der Erfolg stieg, bis er mit den letzten drei Sequels den Höhepunkt erreichte. Die in den Filmen propagierte (Proleten)kultur schert sich um nichts mehr und bricht so ziemlich alle Tabus der Politischen Korrektheit. Allerdings weniger als ein politisches Statement oder direktes Aufbegehren, sondern eher aus einem naiven Trotz heraus. Leckt uns doch alle mal–wir machen sowieso was wir wollen.
Mit dieser Haltung und im Fahrwasser der Filme wurden vor allem in den letzten drei vier Jahren Rapper wie Kid Ink, Tyga und Wiz Khalifa zunehmend salonfähig. Die schreiben zwar die Geschichte der alten Gangsta-Haudegen weiter, aber sorgen sich insgesamt doch viel weniger um ihre Coolness und Außenwahrnehmung. Streetfight war gestern – heute ist eher entspanntes Kiffen.
Und noch einen wesentlichen Unterschied zum HipHop der Jahrtausendwende gibt es: Die neuen Stars sind ganz Kinder der 2000er und haben keine Angst mehr vor dem Elektro-Schredder. So gehören zum guten Ton in der Welt der schnellen Autos und leicht bekleideten Frauen auch Musiker wie Skrillex, DJ Mustard oder DJ Snake. Respektlos und im besten Fall auch ohne Angst vor Genregrenzen nehmen sie sich alles was ihnen unter die Finger kommt und zermüllern es hübsch in seine Einzelteile um es mit viel Krach wieder neu zusammenzukleben. Und diese neue Kombination ist eine wesentliche Grundlage für den Erfolg der zweiten Trap-Welle.
Der Mainstream-Erfolg von Trap hat logischerweise zur Folge, dass Diplo und DJ Snake schon eine ganze Reihe Mainstream-Produktionen auf ihrem Konto haben. DJ Snake startete dabei ein paar Jahre später ins große Business, weshalb er auch etwas schneller zu Popularität kam als sein Kollege Diplo. Was nun passiert, wenn sich zwei der tonangebenden Protagonisten der Szene zusammen ins Studio begeben, das lässt sich seit vergangenem Jahr erleben. Seit 2014 erscheinen DJ Snakes eigene Veröffentlichungen nämlcih auf Diplos Mad Decent-Label. Und offenbar haben die beiden auch gemeinsam im Studio ganz gehörig Spaß. Lean On ist das erste offizielle Ergebnis dieser Partnerschaft.
Nachdem das Video durch ist, dürfte klar sein, dass diese Kolaboration sich einen Dreck kümmert um Einordnungen und Klassifizierungen. Da ist der orientalisch-arabische Moombathon, den DJ Snake als Franzose mit multikulturellem Background gern bedient, genauso hervorgezerrt, wie die Ragga-Dancehall-Umgebung der Major Lazers, der Grafitti-Straßenstil hat hier ebenso Platz wie die Luxuspalast-Fantasie. Da treffen sich Europa (hier noch zu nennen die dänische Sängerin Mø) und Nordamerika genauso wie erste, zweite und dritte Welt, westliche Kleidung steht mitten in orientalischem Traditionalismus...
Wir befinden uns mitten im globalen Zitaten- und Kulturenmix des 21. Jahrhunderts. Ist das Weltmusik 3.0? Ist das der Partybeat des Südens? Auf jeden Fall ist es für mich der tonangebende Sound für das laufende Jahrzehnt. Vergesst alles andere!
OneRepublic ist eine Band, mit der hab ich schon so meine Probleme. Das hängt vielleicht mit der allgemeinen Glaubwürdigkeitskrise von PopRock und Alternative zusammen. Vielleicht liegt es aber auch nur daran, dass die Überpräsenz im Mainstream eben auch eine völlige Belanglosigkeit erzeugt und gar nichts mehr in irgendeiner Art Bedeutung hat. Vielleicht nehme ich dieses ganze Musikbusiness auch einfach nur zu ernst. Denn irgendwie bin ich hier ja immer auf der Suche nach einem Zusammenhang zwischen Kulturprodukt und Lebensalltag. Dass Menschen einfach alles was sie tun und konsumieren egal ist, kann ich nicht glauben.
OneRepublic und deren Leadsänger Ryan Tedder also waren bei dieser Auseinandersetzung regelmäßig Anstoß zu neuen Überlegungen. Eingängig bis zum Abwinken, damit erfolgreich hoch und runter, gleichzeitig aber völlig bedeutungslos weil fast immer in einer unglaublichen Beliebigkeit alles zusammenschmeißend, was ihnen nur zwischen die Finger kam. Nun kommt die Lead-Single zur Deluxe-Wiederveröffentlichung ihres Albums Native und wunderbar lässt sich wieder alles das bescheinigen, was bereits bei den vorhergehenden Hits zu kritisieren war.
Seltsamerweise geht mir Love Runs Out aber dann doch nicht schon beim dritten Mal völlig auf die Nerven vor lauter Allerweltsbreiigkeit, sondern es setzt sich fest und fängt mir an zu gefallen. Was ist denn da los? Hat der Song tatsächlich eine andere Qualität? Etwas, das ich seit Apologize nicht mehr finden konnte.
Vielleicht ist es die Ähnlichkeit zu schon Vorhandenem, die dem Titel in einigen Foren bescheinigt wird. Von Kanye West bis Adele reichen offenbar die Referenzen. Haben sich also Ryan Tedder und seine Jungs einfach sehr sehr clever altbewährter Rezepte bedient, ein paar Melodienschnipsel neu zusammen gefügt und so unserer Wahrnehmung ein Schnippchen geschlagen: Kenn ich – gefällt mir?
Kanye West “Love Lockdown” und Adele “Rumour Has It”
Die Ähnlichkeiten sind wahrhaftig nicht abzustreiten, aber OneRepublic beschränken sich nicht einfach auf ein hübsches MashUp, sie fügen der Rhythmusorientierung, die beide Vorlagen besitzen, noch etwas hinzu: Ein zwingend einnehmendes und über den kompletten Song wiederholtes Piano-Riff. Das verleiht dem Titel einen Sog und eine Funkyness, die ich in dieser Art bei einer OneRepublic-Single noch nicht entdeckt habe. Und die auch gleich noch eine neue Referenz eröffnet. Denn bereits bei der ersten Begegnung mit Love Runs Out stellt sich ein Dèja vu-Effekt ein: Diese Art, einen Song zu beginnen, zelebrierte Ende der 90er bereits Moby mit seiner Single Honey.
Auch wenn die beiden Songs ansonsten nichts weiter gemein haben, so finde ich hier doch ein paar hübsche (wahrscheinlich sehr zufällige) Parallelen. Moby nämlich spielte mit dem Album Play, von welchem Honey stammt, recht ausführlich durch, was es bedeutet seine elektronisch-melancholische Handschrift mit Anleihen aus dem Funk zu versehen. Nach 10 Jahren im Musikbusiness erfand er sich so quasi noch einmal ganz neu. Ähnlich tat das in dieser Zeit auch noch einmal Fatboy Slim/Norman Cook, obwohl der in den 10 bis 15 Jahren seiner bis dahin gehabten Musikkarriere schon häufiger sein musikalisches Repertoire grundlegend durchgerüttelt hatte.
OneRepublic haben nunmehr auch 10 Jahre Erfahrung in der Tasche und mir scheint, dass sie mit Love Runs Out tatsächlich einen für sie neuen – oder sagen wir: ungewohnten Weg einschlagen. Wohin dieser sie führt und ob sie überhaupt gewillt sind, hier weiter auszuprobieren, das darf getrost mit großen Fragezeichen versehen werden. Denn noch sieht alles eher aus wie nichts weiter als ein derzeit modischer Rückgriff auf die Endneunziger. Dieser Eindruck wird gestärkt durch das fukminante Video, welches sie zu Love Runs Out liefern.
Das sind Pop-Video-Bilder wie sie Großraum-Acts ganz gern mal benutzen: Überwältigend bunt, auch pathetisch und bedeutungsschwanger. Besser hätte es David Lynch in den 90ern auch nicht hingekriegt. Höchstens, dass seine Düsterkeit noch um einiges mystischer und verrätselter war. Bei OneRepublic drängen sich die Fragen nach Bedeutung jetzt weniger auf. Ich verstehe zwar die historischen und Ethno-Bezüge überhaupt nicht: Warum bitte muss der Drummer in so einem ägyptophilen Outfit da sitzen? Und was sollen die ekstatisch tanzenden Frauen mit Bändern im Haar? – Aber das will im Jahr 2014 ja im Grunde kaum jemand wirklich wissen: Ägypten ist seit Katy Perry’s Dark Horse mehr als salonfähig und musikalisch-tänzerische Ekstase gehören quasi zum Repertoire des Post-Techno-Pops. Allemal ist es sehr schön anzusehen. Den meisten Musikkonsumierenden reicht das.
Im Fall von Love Runs Out hat das Bild aber tatsächlich auch etwas mit dem Songinhalt zu tun. Ryan Tedder beschreibt hier manisch-expressive Gefühlssituationen: Extase und Hingabe bis zum bitteren Ende, Genuß und Selbstvergessenheit ohne Kompromiss. Diese Wildheit in ethno-inspirierte Konstellationen zu stecken bedeutet gleichzeitig eine Kritik an unserer vorherrschenden Kultur. Offenbar ist in der westlich geprägten Konsumwelt nicht viel Platz für wilde und unbändige Emotionen. Und erst recht nicht für Menschen, die sich diese zu eigen machen. Das geht maximal in abgeschlossenen Settings oder eben in Kulturen, die Nordamerikanern und Westeuropäern als ritualgeprägt und irgendwie wild erscheinen. (Dass alles das auch ein sehr sehr schwieriges Unterfangen ist, das wäre einen eigenen Artikel wert.)
An dieser Stelle könnte ich Schluss machen und OneRepublic einen großen Wurf bescheinigen: Subtile Gesellschaftskritik mit einem Popsong. Allein, die bisherigen Erfahrungen mit der Band lassen mich zweifeln und zögern, diesen Schritt zu tun. Die Verhältnisse zu kritisieren und sich gleichzeitig affirmativ-anbiedernd im System zu inszenieren find ich einen sehr waghalsigen Ansatz. Jaja – ich höre das häufiger: Wir kämpfen nicht mehr gegen das System, wir verändern/zerstören es von innen heraus. Hoffentlich ist das System an dieser Stelle nicht klüger und schneller.
Im Fall von OneRepublic hat es zumindest schonmal nicht funktioniert. Love Runs Out wurde vom ZDF eingekauft um die Berichterstattung zur Fußball-WM in Brasilien musikalisch aufzupeppen. Von dem Song, seiner Kraft und seinem möglichen Potenzial bleibt in den Minuten-Einspielern nicht sehr viel übrig. Allemal ist es aber immer noch besser als der unsägliche Einsatz von Andreas Bourani’s Auf uns. Das kriegt nämlich in der steten Wiederholung einen ganz unangenehm nationalistischen Dreh.
Wenn ich bei der letzten Beschäftigung mit ihr feststellen konnte: Katy Perry kann noch Hits platzieren, dann kann ich dem heute mit gutem Gewissen noch hinzufügen: und sie kann das sogar überzeugend. Denn das, was sie mit Dark Horse hinlegt, ist nicht nur ein lupenreiner Popsong, sondern führt das Ganze in völliger Perfektion vor. Allein die Art, wie die Veröffentlichung des Songs inszeniert wurde, ist dramaturgisch ein Meisterstück.
Mit Erscheinen des Albums Prism gelangte Dark Horse erstmals in die Songcharts und erheischte bereits Aufmerksamkeit. Die Rosinenpicker hatten sich ziemlich schnell darauf geeinigt, dass dieser Titel der spannendste, aufregendste oder sonstwie interessanteste des Albums sei. Zuvor stand der Titel schon in einer Pepsi-Kampagne zur Abstimmung und wurde als erster Promosong des Albums veröffenticht. Dann erfolgte im Dezember in den USA die Veröffentlichung als Single, was auch hierzulande das Interesse an dem Titel wieder steigen ließ. Ein Auftritt bei The Voice of Germany trug ein Übriges bei. Dann ein Auftritt bei den Grammy Awards und bei den BRITs – und die Pop-Addictives drehten durch.
Um Längen hinhaltender die Veröffentlichung des Videos: Katy Perry kündigt an, dass es ein Video geben wird, Katy Perry verkündet, dass es bald ein Video geben wird, Juicy J lässt verlauten, dass gedreht wird und alles sei “A class”, Katy Perry veröffentlicht erste Bilder ... Soziale Medien immer schön mit dabei – nach der 20. Ankündigung kann ich es wirklich nicht erwarten, dieses Video endlich zu sehen.
Solch eine Taktik birgt natürlich auch Gefahren in sich: Die Spannung ist riesig und wenn jetzt das Video daneben ist, dann wär’ der Schaden dramatisch. Doch bei Katy Perry sind Könner am Werk. Das Video ist derartig künstlich und gestylt, da wird alles drumherum langweilig blass. Womit soll sich dieser Bilderfilm noch vergleichen?
Die Qualität der Produktion wird deutlich, wenn ich ein wenig an der gelackten Oberfläche kratze. Dann nämlich geht die Zitatenhölle los: Ägyptische Geschichte, Style-Geschichte, Pop-Geschichte … die Verweise und weitergesponnenen Themen überlagern sich, gehen Symbiosen ein und bilden ein Netz mit völlig neuen Kombinationen. Diverse Ägyptologen bescheinigen fundierte Kenntnisse ägyptischer Zeichensprache und Kultur, andere sehen eine Fortsetzung von Katy Perry’s Video E.T.. Man könnte jetzt auch locker noch ein bisschen dran rum interpretieren, warum das Ganze nach Memphis verlegt wurde. Ja richtig, Rap-Kolaborateur Juicy J kommt dorther – zumindest aus dem amerikanischen in Tennessee. Design-Freaks werden aber sicher auch die italienische Möbelfirma gleichen Namens im Kopf haben, die gut und gern das Video hätte ausstatten können. Und dann können wir uns natürlich auch mit Schwung in die Pop-Tradition der ägyptophilen Songs und Videos stürzen von Walk Like An Egyptian der Bangles aus dem Jahr 1986 bis hin zu Michael Jackson’s Remember the Time von 1991 (mit Eddie Murphy und Iman als Darsteller). Und alles das macht ungemeinen Spaß, ist völlig belanglos und gleichzeitig doch enorm inhaltsschwer. Genau so wie es bunter Pop im jahr 2014 eigentlich immer machen sollte.
Warum das nicht so ist? Nun, da sind vermutlich längere Abhandlungen nötig. Die nicht mal Freude machen geschrieben zu werden. Also bleib’ ich noch einen Moment länger bei Katy Perry und freu mich darüber, dass sie es nicht nur in der Inszenierung so schön versteht aus dem Vorhandenen zu schöpfen und das Vorgefundene ein Stückchen weiterzutreiben oder für sich neu zu interpretieren. Auch musikalisch ist Dark Horse eine überraschende Melange aus elektronisch-reduzierten Sounds, HipHop und natürlich Pop. In den digitalen Nachschalgewerken wird gern von einer Art Trap-Pop geschrieben – gut, soll es so heißen. Das ist mir in diesem Fall einerlei.
Hübsch ist, dass bei all der ausgeklügelten Produktion und visuellen Inszenierung sogar der Live-Auftritt mithalten kann. Zumindest hat Katy Perry zu den BRIT Awards eine Performance geboten, die selbst das offizielle Video noch überholt. Da werden die ägyptischen Settings frech mit Mustern angereichert, die auch der Inka-Kultur entstammen könnten, das Ganze wird in New Rave-Farben getaucht um schließlich in einer Strobo-Laser-Show zerhackt zu werden. Wenn das nicht MashUp3.0 ist ...
Es hat dann doch recht lange gedauert, bis Major Lazer die Aufmerksamkeit und den Erfolg bekamen, der ihnen zusteht.
