The Rolling Stones: Living In A Ghost Town

Also irgendwas ist schon schräg an dieser Nummer 1. Oder gleich mal die Antwort vorweg genommen: Verrückt, wie sehr sich die Rolle der Charts verändert hat. Was sie heute widerspiegeln, das hat so ziemlich gar nichts mit dem zu tun, was in den 60ern oder davor galt.

Wir haben uns natürlich schon dran gewöhnt, dass da wöchentlich ein neuer Track ganz an der Spitze gelistet wird, der sicherlich am allermeisten gestreamt und per Download gespeichert wurde - in den meisten Fällen spielt dieser Track schon wenige Tage später gar keine Rolle mehr. Das kollektive Gedächtnis wird überschrieben mit neuen Produktionen.

Vor gar nicht allzu langer Zeit war das noch anders. Auch da gab es Hypes um Singles, die ganz schnell aufflammten und dann ebenso blitzartig wieder verschwanden. Mit wachsender Länge der Charts und erhöhter Frequenz der Erscheinungsweisen kamen solche Ereignisse häufiger vor. Daneben gab es dann oft noch eine ganze Menge Gassenhauer, die sich längere Zeit etablieren konnten. Gern auch längere Zeit die Top-Position belegten und dem entsprachen, was da so allerorten aus den Autoradios und Koffertransistoren erschallte.

Mit zunehmender Digitalisierung und Privatisierung von Playlists veränderte sich das Bild der Charts. Logisch - wenn ich mir so eine Vinyl-Single für richtig viel Geld kaufe, dann spiele ich die auch bis zum Erbrechen hoch und runter. Hat auch was damit zu tun, wie viele von diesen scheiben ich mir wirklich leisten kann und will. Im digitalen Zeitalter spielen die Mikroausgaben viel weniger eine Rolle. Und auf die Festplatte ziehe ich mir schon lange nichts mehr. Ich kann also ganz beliebig surfen und mich freuen auf die Hypes der Sozialen Medien - mal kurz mitmachen und dann auch schön gelangweilt woanders weitermachen.

Immerhin: Geblieben sind garantierte Lieferanten. Der neue Track vom Capi muss cool sein. Hab zwar keine Ahnung wie der heißt oder was da jetzt der Unterschied zu den drei vorhergegangenen Produktionen ist - der Sound stimmt, der Style ist der richtige, das ist mein Lebensgefühl. Und auch wenn die Oma nebenan wohl eher nicht Apache 207 hört, den Namen von dem Typen hat sie in irgendeiner debilen Talkshow oder Gossipzeitung schon gehört und gelesen.

Bei den Rolling Stones bin ich mir da jetzt plötzlich gar nicht mehr sicher, ob das alles noch so funktioniert. Also klar: Die Zunge kennt vermutlich jeder. Von uralt bis babyjung. Und der Name der Rock'n'roll-Uropas dürfte auch allerorten geläufig sein. Bei dem Wort Kastanie hat ja schließlich auch jede*r so ungefähr eine Vorstellung, dass es wohl ein Baum ist. Aber ist es wirklich so, dass Menschen im Jahr 2020 ernsthaft dieses Living In A Ghost Town hören. Dass dieser Sound ihr Lebensgefühl widerspiegelt?

Anders gefragt:
Hat Living In A Ghost Town einen vergleichbaren Status wie The Last Time, (I Can't Get No) Satisfaction, Get Off Of My Clothes, 19th Nervous Breakdown, Let's Spend The Night Together und Jumpin' Jack Flash? Das die Nummer 1en der Band so far.
Ich habe Zweifel.

Vielleicht will ich diesen gefühlt 100jährigen Monstern einfach auch nicht zugestehen, dass sie am Puls der Zeit leben? Offenbar sind es ja zumindest in Deutschland eine echte Menge an Menschen, die sich die CD/Vinyl-Version gekauft haben, um sie sich ins Regal zu stellen. In anderen Ländern, vor allem in den früher mal sehr stark trendangebenden USA und Großbritannien spielt der Song eher so gar keine Rolle. Ist es das, was mich so verwundert?
Hat unser Chartsystem einfach ein paar Macken? Wiedergegeben wird das, was den meisten Umsatz macht. So eine richtig teure Edelaufmachung von Hit XY ist dann einmal verkauft plötzlich so viel wert wie 10 Streamings. - Kann man ja auch häufiger abspielen. Passiert aber nicht unbedingt. Oder doch?

Hier komm ich nicht weiter. Also schau ich mir das Video an.



Naja, da bin ich dann doch schon wieder viel beruhigter. Der Song hat seine Qualitäten. Es ist mir zwar immer noch ein wenig suspekt, dass es eher wenig Anhaltspunkte gibt für eine Produktion, die die Möglichkeiten des 21. Jahrhunderts widerspiegeln. Die Stimmung trifft aber schon ganz gut so ein vages Gefühl von Verunsicherung, Angst und vielleicht auch Vorsicht. Das schleppende Tempo ist nicht einfach nur cooles Rumgehänge oder Lazyness - das hat auch was von Abwarten und auf der Lauer sein. Es ist keine pure Verzweiflung, die mich da anschreit. Eher so: Ist nicht unbedingt cool was grad abgeht, trotzdem dealen wir damit.

Das hat dann schon was. Zumal in Verbindung mit dem Geisterstraßenvideoclip. Das ist trotz Corona und Ausgangssperre lebenszugewandt. Das nimmt einen Zustand auf, warnt davor, gibt jedoch nicht auf. Mal zum Vergleich den Toosie Slide wieder aus der Kiste geholt und reingezogen. Klar wird sofort: Living In A Ghost Town ist dreißig mal näher an dem, was eine Mehrheit von Menschen grad so erleben, was sie bewegt. Da geht es um Grundbedürfnisse.

Allerdings auch: Das ist halt Musik aus einem anderen Jahrhundert. Die heutigen Kids werden morgen wieder die Deutungsmacht haben und mit Sicherheit andere Akzente setzen.

/\ (Axwell/\Ingrosso): More Than You Know

So ganz ohne Hits lässt es sich dann wohl doch nicht leben. Denn ursprünglich waren Axwell /\ Ingrosso nach dem Split der Swedish House Mafia etwas mehr in Richtung rauem Dancefloor unterwegs. Waren zumindest so ihre Aussagen. So ganz unterschreiben würde ich das nicht ... aber natürlich ist das auch immer eine Frage des Ausgangspunktes. Und wenn man von Mainstream-Höhen à la Swedish House Mafia kommt, dann ist eine Neuerfindung des Techno im Stile von Louisahhh!!! eben nicht zu erwarten.

Das ist ein bisschen das Problem von Axwell /\ Ingrosso: Es gibt eben wirklich sehr viel aufregendes Dancefloor-Zeug neben ihnen zu entdecken. Und deshalb kann ich bei ihren Produktionen irgendwie doch nie so richtig in Jubelstimmung fallen.

Wobei ich auch sagen muss: More Than You Know hat mich dann doch überrascht. Irgendwie hatte ich diesen Pop-Appeal des Songs nicht erwartet. Was ja dann auch heißt, dass Axwell /\ Ingrosso es doch irgendwie geschafft haben, sich als mehr oder weniger abseitig zu inszenieren.

Vielleicht ist es aber auch diese Reminiszenz an alte AVICII-Hits wie Wake Me Up!, die bewusst oder unbewusst eingebaut ist. Beginn mit Gitarre und Stimme von Kristoffer Fogelmark. Dann folgt ein sanfter Beat und nach dem ersten Refrain den Break in den gebrochenen Trompeten-Beat.

Das Video liefert passend dazu die Geschichte einer eskalierenden Party-Nacht. Das ist Hochtempo, nicht immer ganz nachvollziehbar und bis an die Grenze gehend. Ich weiß nicht so genau, wie es danach weitergeht. Möglich ist alles.



Was bleibt von diesem Song? Im besten Fall ein paar Impressionen. Wie Filmstills. Wahrscheinlich aber eher lediglich die Möglichkeit, den Return-Button zu drücken und sich nochmal reinzuschmeißen. Auch wenn die Batterie gleich völlig runter ist.
Schöne Konsequenzlosigkeit.

David Guetta * Cedric Gervais * Chris Willis: Would I Lie To You

Hmm – ein Rückgriff auf einen 90er Hit mit Anleihen in den 70ern – Atemporalität dürfte hier mal wieder das Schlagwort sein. Und einmal mehr die Versicherung, dass es sich dabei um ein Langzeit-Phänomen handelt. So schnell drehen wir den technischen Fortschritt nicht zurück.

David Guetta hat sich also den Nr.1-Hit von Charles & Eddie aus dem Jahr 1992 geschnappt, die Hookline von seinem Lieblingssänger aus den 00ern Chris Willis einsingen lassen und das Ganze dem französischen House-Kollegen Cedric Gervais zum Überarbeiten gegeben. Rausgekommen ist … zuallererst mal ein David-Guetta-Hit, der wieder ein bisschen weggeht vom Stadion-Brachialsound und allein schon deshalb wesentlich anhörenswerter als sein Vorgänger This One's For You.

Jetzt kann ich natürlich ganz gut dran rummosern, dass das ja arg nach French Filterhouse klingt, Daft Punk winken mal ganz fröhlich um die Ecke (deshalb ja auch die funky Gitarre im Stil von Nile Rodgers. Nun ja, warum auch nicht? Irgendwie kann ich damit sogar leben.
Das, wovon ich nicht so richtig überzeugt bin ist dieser Refrain. Vielleicht auch deshalb, weil ich das Original zwar früher mal mochte, heute aber wirklich nicht mehr hören will. Da ist nicht nur das Video aus einem Jahrhundert.



Die Version 2016 hat da wesentlich mehr Schmiss. Und hätte das Vocal-Zitat vermutlich gar nicht gebraucht. Aber dann hätte der Track keine Chance auf Radioeinsatz gehabt und damit niemandem so richtig aufgefallen.

Das ist das Schräge an den heutigen Hits: So richtig wollen und sollen Sie keine Geschichten mehr erzählen – ganz auf den Text verzichten können sie aber auch nicht. Das könnte ein Effekt der Generation twitter sein. Kurzmitteilungen in kryptischer Form – gern auch poetisch mit Sprache umgehend – aber nach 180 Zeichen ist die Aufmerksamkeitsspanne schon reichlich ausgereizt.

Look into my eyes, can't you see they're open wide – would I lie to you
Don't you know it's true, girl there's no one else but you
Noch dabei? – Naja, es wird ja glücklicherweise ungefähr 20 mal innerhalb von drei Minuten wiederholt.



Dass diese Wahrheits-Beschwörung alles andere als ehrlich ist, untermalt sehr hübsch das Cut & Paste-Video, dass eine kleine Gangster-Story erzählt. Oder besser doch, die Geschichte eines Grafitti-Künstlers. Beat Street lässt hier auch grüßen – ja, das ist alles sehr hübsch zusammengeklaut. Und bedeutet in seiner Zusammenstellung so gut wie nichts.

Would I Lie To You zelebriert also in ziemlicher Reinform, wie heutzutage Kulturproduktion erfolgt. Sein Erfolg untermauert obendrein, dass es sich hier wirklich um die aktuelle Form von Popkultur handelt. Das, was es auch vormacht ist: Inhalt ist Nebensache. Da ist mir die neue Daft Punk-Single dann aber irgendwie doch lieber … naja, vielleicht nächste Woche.

Mark Ronson Feat: Bruno Mars: Uptown Funk

Tot Gesagte leben länger. Siehe Mark Ronson.

Vor gut 10 Jahren war er wesentlich mit dafür verantwortlich, dass Soul dauerhaft revitalisiert wurde. Mit Amy Winehouse etablierte er als Produzent sogar einen richtigen Star. Und im Grunde legte er damit den Grundstein für das, was auch im Moment noch ganz hübsch als Soul-Fusionen erblüht. Dann verschwand er unerwartet doch irgendwie aus dem Fokus des Mainstreams.

Nun ist er wieder da. Nun also mit Funk. Wobei Mark Ronson dieses Mal – zumindest in der öffentlichen Wahrnehmung – eher auf einen Zug aufspringt, der spätestens seit Justin Timberlakes 20/20 Experience ordentlich rollt. Aber wer hier nun warum welche Stilrichtung für sich entdeckt oder gerade bedient, finde ich recht irrelevant. Spannender ist doch die Frage, was macht so einer wie Mark Ronson, wenn er sich dem Funk widmet.

Feststellung Nummer 1: Er bedient das Genre unglaublich originalgetreu. Ist das wirklich eine Produktion aus dem Jahr 2014? – Da findet sich kaum ein Hinweis. 1982 hätte es mindestens genauso geklungen. Selbst ältere Produktionen klingen – abgesehen von der wesentlich rauheren Aufnahmetechnik – noch verdammt ähnlich.

Dieses Phänomen lässt sich für seine erste Erfolgswelle in den 2000ern schon genauso beschreiben. Das war ein Sound, der durchaus auch schon 40 Jahre zuvor hätte produziert werden können. Einzig die Texte waren moderner, kaputter, vielleicht auch zynisch.

Wie ist das bei Uptown Funk? Sänger Bruno Mars feiert sich selbst. Dabei benutzt er ein Vokabular, welches tatsächlich noch nicht so lange gängig ist. Das ist explizit und ich möchte schon sagen: ordentlich rüde.

Da hat sich in den vergangenen 50 Jahren also tatsächlich einiges geändert. Wo es früher darum ging, die Angebetete des Moments zu verführen, zu umgarnen, zum tanzen zu animieren, da herrscht heute selbstverliebte Eitelkeit. In den 60er und sogar noch zwei Jahrzehnte danach war das Uptown Girl die Unerreichbare, Angebetete, die es irgendwie rumzukriegen galt. 2015 sind die Positionen vertauscht. Der singende Junge ist jetzt Uptown - oder fühlt sich so. Popstars müssen sich nach nichts mehr sehnen. Sie sitzen bereits in der Sonne: Ich bin der Heißeste, der Beste, der Schönste! Schau mich an, Schlampe, ich zeig dir wie's geht… Proletarisierter Luxus und Rap-Posing total.

Dass sich diese Haltung trifft mit der beinahe originalen Re-Interpretation des Genres, erschreckt mich ein bisschen. Denn genau besehen ist das ordentlich konservativ, affirmativ und in seinen Aussagen sogar beinahe schon menschenfeindlich.

Der mitreißende Groove des Sounds steht hier in scharfem Kontrast zu dem, was an Wertgefüge alles mitgeliefert wird. Wir tanzen und feiern uns entzückt in eine festgezurrte Welt aus unsozialen Werten. Liegt die Vermutung nahe, dass nicht alle an unserer Party teilhaben dürfen. Grundbedingung ist, den King auf der Bühne als solchen anzuerkennen und ihm ja nicht zu nahe kommen. Das scheint nicht viel zu sein – schränkt aber den Spaß, den ich haben darf doch schon gehörig ein. Es sei denn, ich liebe es, permanent das untergeordnete Fußvolk zu sein. Oder ja, ich habe es auch geschafft, ich bin Teil des Superstar-Rummels. Wenn auch nur für einen Moment, für diese Nacht.



Und diese Haltung macht, dass Uptown Funk ziemlich genau den Nerv des Moments trifft. Der Song macht Spaß, reißt mit, lässt vergessen. Mark Ronson weiß also ziemlich genau, wo unsere Sehnsüchte liegen.

Und wir? Wir haben es entweder schon perfekt gelernt über alles hinwegzuhören und zu sehen was problematisch sein könnte. Oder unser Leben ist dermaßen verzweifelt, dass nur noch der Tanz auf dem Vulkan eine Existenz überhaupt ermöglicht. Beides ist mehr oder weniger eine Flucht vor der Realität. Eine infektiöse und eine, die keine Pause zulässt.

Calvin Harris Feat. Ellie Goulding: Outside

Irgendwie ist es ja ganz schön, Calvin Harris an der Spitze der deutschen Charts zu sehen. Nicht zuletzt weil seine Partnerin bei Outside die wunderbare und großartige Ellie Goulding ist. Sie ganz oben in der Gunst der Musikkaufenden zu sehen macht mir Freude. Denn auch wenn ihre bestverkauften Titel eher im Stampfbeat daherkommen, sie lässt sich doch genügend Freiraum um auch Romantisches, Verspieltes, Kitschiges oder Abstruses zu veröffentlichen.

Und wenn ich mir Outside anhöre, dann bin ich froh, dass die Stimme von Ellie Goulding zumindest in den Strophen deutlich im Vordergrund steht. Dann erfahre ich auch von der Verzweiflung, der Stärke, der Liebe, über die sie singt. Auch – oder gerade wenn – die Beziehung zu Ende ist, sind die Gefühle stark. Das erzählt mir die Sängerin überzeugend.

Calvin Harris' Part ist dagegen, die dicke Stadionsoundsoße drüber zu gießen. Ja, der Brite hat sich nunmehr als die Nummer 3 der Star-DJ-Produzenten der 10er etabliert. Leider mit recht unbritischem Sound. Da war er in seiner Karriere schon innovativer und vor allem subtiler. Mittlerweile geht es ohne Guetta-AVICII-Gewitter auch bei ihm nicht mehr. Schade.

Zumal der Sound auf Dauer eher stumpfsinnig macht. Darauf kann man nur noch feiern wenn einen die Drogen-Watte meterdick umgibt. Ich empfehle da nur mal den Live-Auftritt vom EDC in New York durchlaufen zu lassen. Ein Hit nach dem anderen – aber zum Feiern treiben mich nicht mal die heiser eingekrächzten Durchhalteparolen von Meister Harris himself.

Nun ist Electronic Dancemusic schon immer etwas, das vor allem im Club bzw. der Halle funktionieren muss, nicht im Radio oder gar auf dem Handy-Player. Und natürlich stellt sich auch erst mit einer gewissen Monotonie der richtige Trance-Zustand ein. Trotzdem halte ich den derzeitigen Ansatz von Calvin Harris für ordentlich daneben. Das ist in keine Richtung zu Ende gedacht - weder ist es überraschender oder besonders ohrwurmverdächtiger Pop, noch vertraut es auf die Kraft repetitiver Clubmusic. Es will nur ganz schnell, ganz viel Euphorie produzieren, notfalls mit Brachialgewalt. Ich fürchte, hier ist das Runterkommen jeweils ganz schön hart und macht die einmal empfundene Freude gleich wieder vergessen.



Wenn ich schon beim Meckern bin: Ich verstehe immer noch nicht, warum eine so emotionale Geschichte, wie sie Ellie Goulding singt, in die Massenfeierei transformiert werden muss. Ist das jetzt pure Verzweiflung? Weil gar nichts mehr geht, alles schief läuft, deshalb schieße ich mich vollständig ab? Das lindert den Schmerz wenigstens für einen winzigen Moment?

So viel erzählen uns also die beiden: Nicht mehr und nicht weniger als den Moment. Es gibt kein Davor und kein Danach. Purer tierischer Reflex.

Das ist nicht unbedingt ein Lebenskonzept, das besonders tragfähig erscheint. Eher ordentlich hilflos. Aber es beherbergt auch eine Menge Spannung, da es völlig ins Ungewisse zielt. Genauso wie das Video von Emil Nava einfach da abbricht wo es sich entscheiden könnte.

Irgendwie auch mutig.

KWABS: Walk

Soul ist immer noch da. Es gab und gibt Ansätze, den Sound ins 21. Jahrhundert zu transformieren. Ein paar britische Sänger gehen hier ganz vielversprechende Wege. Die USamerikanischen Protagonisten lassen sich eher auf die Kombination Euro-Großraumdisco vs. Soulstimme ein - da muss man sich selbst nicht zu sehr von seinen Ursprüngen entfernen.

Aber Soul ist auch in seiner nahezu ungebrochenen und ursprünglichen Version vorhanden. Und erfolgreich. Das ist nach wie vor erstmal auch etwas seltsam. Hat sich seit der Etablierung des Stils gesellschaftlich wirklich so wenig getan? Oder ist Soul einfach Ausdruck eines universell menschlichen Gefühls?

Anders gefragt: Was treibt einen jungen Menschen wie KWABS so zu singen, als sei es 1960? Seiner Biographie auf wikipedia kann man entnehmen, dass er schon recht früh mit sehr zeitgemäßen Künstlern zusammen gearbeitet hat. Goldie steht da genauso wie S O H N. Und wenn man ganz genau hinhört, dann identifiziert man tatsächlich den einen oder anderen Rhythmusbruch bei Walk. Aber insgesamt ist der Titel doch schon ordentlich glattgebügelt, wenig überraschend und konventionell. Vor allem, wenn man die Vorgängerproduktionen der EP Wrong Or Wright als Vergleich nimmt.

Nun weiß ich natürlich nicht, was KWABS dazu treibt sich von der zeitgemäßen Ausdrucksform abzuwenden und lieber ins konservative Lager zu wechseln. Zu sehen, dass ausgerechnet dieser Titel ihm den kommerziellen Durchbruch einbringt, erzählt allerdings einiges. Und lässt mich arg erschaudern. Die musikkonsumierende Jugend von 2014 ist also alles andere als zukunftszugewandt, euphorisch oder auf Eigenes aus. Lieber schön affirmativ zum Bestehenden, gern auch nostalgisch rückwärtsgewandt - immer noch Normcore mit einem Versatzstück Hipsterismus. Keine neuen Lebensentwürfe in Sicht.

Vielleicht hat irgendjemand KWABS gewarnt: Wenn du jetzt nicht gleich einen Hit landest, dann ist es aus mit der Karriere. Immerhin hat er sich ja auch für einen Plattenvertrag mit einem Major-Label entschieden. Da herrschen kommerziell schon ganz ordentliche Zwänge. Stilistisch darf es nicht zu wild werden. Und KWABS, der nichts anderes machen will als Musik - und diese Musik soll ja auch bei den Menschen ankommen - KWABS denkt sich: Ok, mach ich mal was massenkompatibles, was für die Charts.

KWABS scheint da für die kommenden Jahre noch ein ganzes Stück an Selbstfindung vor sich zu haben. Kommerziell erfolgreich und restaurativ oder dann doch ausprobierend, was im Heute alles möglich ist? Bei Walk ist das Video zumindest um Jahrzehnte dem Sound voraus. Macht den Song aber nicht wirklich spannender.



Zum Vergleich an dieser Stelle auch der Vorgänger Wrong Or Wright:

Meghan Trainor: All About That Bass

Es ist nicht schlimm, wenn die Körpermaße nicht dem Hungermodell-Index entsprechen. Das ist die Botschaft, welche über All About That Bass steht. Und damit kann sich Meghan Trainor positiver Reaktionen sicher sein. Denn die überbordende Präsenz von dünnsten Frauen (und gern auch Männern) als Schönheitsideal ist nach wie vor erschreckend. Da hat auch der Hype um Beth Ditto – sogar mit der kraftvollen Unterstützung von Karl Lagerfeld – nichts ändern können.

Und schon bin ich drauf und dran mich zu einer Äußerung empor zu schwingen wie: Die Pop-Welt ist offenbar um einiges weiter als die Modewelt, denn Sängerinnen, die ein paar mehr Pfunde auf den Rippen haben sind tatsächlich nicht mehr mit der Lupe zu suchen. Allerdings ist es auch reichlich erschreckend, wie lange solch ein Thema braucht um im Mainstream anzukommen. Ich erinnere mich an das Auftreten von Missy Elliott Ende der 1990er Jahre, die bereits sehr vehement auch ihr Gewicht thematisierte.

Auch Pop ist also sehr sehr langsam und ich wage zu bezweifeln, dass mit Meghan Trainor nun das klapperdürre Schönheitsideal ausgedient hat. Germany's next Top Model dürfte weiterhin wesentlich erfolgreicher laufen als das fast schon emanzipatorisch zu nennende GLEE. Und was bei Heidi Klum propagiert wird, wissen wir ja.

Immerhin, ein 20jähriges Pop-Sternchen, dass sich so explizit positiv zu etwas mehr Gewicht bekennt und damit weltweit den Gassenhauer der Saison liefert, gab es bislang noch nicht. Selbst Lily Allen blieb da vor der ganz großen Medienpräsenz verschont – und damit ihre Botschaften auch immer ein klein wenig Understatement. Da schafft Meghan Trainor tatsächlich schon eine neue Qualität.

Trotzdem hinkt die Pop- und Medienwelt der Realität auf den Straßen ordentlich hinterher. Weshalb auch die Hymne auf "Mehr Gewicht ist auch schön!" irgendwie nicht ganz ohne Beigeschmack davon kommt. Gerade reiche Länder wie die USA oder Deutschland (aber auch die Niederlande oder Schweden) kennen das Problem Übergewichtigkeit zur Genüge. Wohlstand verbunden mit sozialer Verwahrlosung und billigem Essen ist ein handfestes Problem. Gerade auch unter heranwachsenden und jungen Menschen.

Der fröhlich tanzende, junge Mann in Meghan Trainors Video steht also einerseits für ein emanzipiertes Körperbild, auf der anderen Seite ist es aber Fakt, dass seine Lebenserwartung statistisch geringer ist als die der Damen im Video (die allesamt nicht klapperdürr sind, aber bei weitem eine gesundere Figur haben als ihr männlicher Partner).

Nun bin ich definitiv nicht angetreten, dem Mann seine Freude am Leben zu nehmen. Es ist toll, dass er ein positives Körpergefühl hat und dass er sich ungeniert bei seinem Spaß filmen lässt. Sogar das Hochrutschen seines Shirts macht ihm nichts aus. Die Zeile "My mama she told me don't worry about your size" ist dennoch nur bedingt ein guter Rat. Die überfütterten Kinder gutmeinender Mütter sind nicht unbedingt glücklicher.

Dass Meghan Trainor diese Kehrseite ungehemmter Esslust nicht beachtet ist verständlich. Das Thema ist im Pop- und Mainstream-TV-Kontext so gut wie gar nicht vorhanden. Wie schon erwähnt: Entgegen der Realität wird im Medien-Kosmos ja immer noch ein anderes Schönheitsideal propagiert.

Und deshalb ist All About That Bass wahrscheinlich doch ein ziemlich großartiger Wurf. Sich im Jahr 2014 am Doo-Wop-Stil der 50er zu bedienen ist vielleicht ein bisschen fragwürdig – aber gut, das verbuche ich einfach unter Atemporalität. Jeglicher Sound ist heute möglich und zeitgemäß. Und ehrlicherweise ist All About That Bass auch ordentlich infektiös, mitsingbar, ein Pop-Stückchen wie es besser nicht sein könnte. Dass es bei übermäßiger Präsenz auch ordentlich nervt, teilt der Song mit einer Menge anderer Tageshits.

Immerhin passt der Sound hervorragend zur Lollypop-Kitsch-Welt des Videos. Das Barbie-Girl in ihrem Puppenstuben-Outfit ist die ideale Märchenumgebung für die Träume kleiner Mädchen. Dass dort Figuren vorkommen, die nicht dem Ballerina-Ideal entsprechen und trotzdem ernst zu nehmende Akteure sind ist wirklich ein Fortschritt. Die kann man genauso hübsch herausputzen und zurechtmachen wie das staksige Original. Und akrobatische Körperverrenkungen kriegen die offenbar auch hin. Mal schauen, ob es wirklich demnächst die Meghan-Trainor-Variante bei Mattel zu erwerben gibt.

SIGMA: Nobody To Love

Wann war eigentlich das letzte Mal ein Drum’n’Bass-Titel so erfolgreich?
Gab es überhaupt schonmal einen Drum’n’Bass-Track, der das geschafft hat?
Ich kann mich nicht erinnern.
Dabei ist dieser Stil gut und gerne schon mehr als 20 Jahre etabliert. Gereicht hat es für den Massengeschmack nie. Was ist nun anders?

Zunächst mal gab es in der Zwischenzeit eine digitale Revolution und damit auch eine ungeheure Beschleunigung des Lebens. Einen Film oder ein Musikvideo aus den frühen 90ern heute anzuschauen ist schier unaushaltbar (so laaaaangweilig sind die). Und selbst solch ein Film wie Sunshine, der ja 2008 irgendwie auch die Langsamkeit zelebriert hat im Vergleich zu Stalker oder Solaris von Andrej Tarkovsky ein atemberaubendes Tempo.

Das mal die ganz platten Vergleiche aus dem Kulturbusiness. Im Alltag selber braucht nur jeder zu schauen, wie lang ein Text heute noch sein darf um wirklich komplett gelesen zu werden – nicht überflogen. Und wieviele Bilder wünschen wir uns dazu? Am besten gleich programmiert als Dia-Schau.

Die immer schnelleren, alltäglichen Abfolgen machen es möglich sich auch an schnelleren Rhythmusstrukturen zu erfreuen. Ein paar hatten dieses Gefühl des Glücks bei Drum’n’Bass eben schon vor 20 Jahren – die Masse zieht erst jetzt so richtig nach. Wie so oft war es zunächst die britische Gesellschaft, die in Sachen Tempo und popkulturellen Moden ohnehin etwas schneller und exzessiver ist und die deshalb vor fünf sechs Jahren begann die Rhythmus-Abfolgen der 90er wiederzuentdecken und neu zu kombinieren. Grime war so ein Ausflug, gefolgt von den etwas gezähmteren Produktionen mit Emeli Sandé und so langsam wurde auch der Kontinent hellhörig. In diesem Sommer nun ist der Weg geebnet genug, dass ein junges Produzenten-Duo wie SIGMA es tatsächlich schafft einen kleinen Sommerhit zu platzieren.

Mit Nobody To Love ist Drum’N’Bass plötzlich da, macht Freude und lässt den Alltagsschrott vergessen. Mit Sicherheit hat die große Nachfrage auch damit zu tun, dass der Verdruss am übermächtigen Deep House-Schubidu doch schon ein paar Leute mehr erfasst hat. Genug zumindest, um wahrnehmbar eine andere Form der elektronischen Entspannung zu propagieren.

Nicht zuletzt zelebriert Nobody To Love auch noch einmal sehr schön das gängige Zitieren und Neu-Verarbeiten von Ausschnitten, das mit der Wiederholung der Wiederholung eine Vertrautheit erzeugt, die mich sofort einnimmt. Vor einem Jahr präsentierte Kanye West bereits den Refrain als Intro und Bridge für seine Auskopplung Bound 2. War nicht übermäßig erfolgreich, aber offenbar präsent genug um ausgeschlachtet zu werden. Mr. Kanye West himself hatte für seinen Track aber auch bereits ordentlich in die Kiste der Musikgeschichte gegriffen. Die Melodie von “I Know You’re Tired Of Lovin’ With Nobody To Love” ist nämlich hübsch arrangiert um ein Melodiestückchen aus dem Jahr 1977, eingespielt von Wee unter dem Titel Aeroplane (Reprise).

Genug Spurensuche betrieben – die 70er und die 90er sind ja nicht nur für SIGMA sehr wesentliche Inspirationsquellen. Da ließen sich hier noch einige andere Beispiele aufzählen, die in ihrer Atemporalität teilweise so klingen, als wären sie tatsächlich in diesen Jahrzehnten entstanden. SIGMA reiht sich also problemlos in den Mainstream ein. Genauso geschieht es auch mit dem Video.



Anhand der Oberflächlichkeit und Belanglosigkeit mit der hier ein sorgloses und heiteres Leben bebildert wird, mag ich mich gar nicht weiter in die Analyse stürzen. Das würde mir jeglichen Glauben an die Ernsthaftigkeit der beiden Produzenten hinter SIGMA rauben. Immerhin ließ es ja erstmal aufhorchen, dass da anstatt eines gute-Laune-Feier-Party-Hedonismus-Textes erstmal eine Negation als zentrale Botschaft stand: Keinen zum Lieben! – Hübscher Bruch mit gängigen Klischees.

Aber wir müssen uns wirklich nichts vormachen: Mit SIGMA hat Drum’n’Bass endgültig seine Unschuld verloren. Ob das so wirklich nötig war?

KIESZA: Hideaway

Da haben wir also mal wieder einen kanadischen Act, der sich in die Ohren – und in diesem Fall wohl auch Tanzbeine – der Kontinentaleuropäer drängelt.

Obwohl das Land recht groß ist und auch einige Einwohner hat, ist die musikalische Ausbeute von dort scheinbar doch eher dünn. Vielleicht liegt dieser Eindruck auch ein wenig daran, dass hierzulande Kanada und die USA gern als ein kultureller Raum gesehen werden und die kanadische Eigenständigkeit gar nicht so bedeutend wahrgenommen wird. Für Kanadier in den USA ist das schon deutlich anders. Die sind dort nämlich erstmal eines: Ausländer.

Aber zurück zu den Gemeinsamkeiten. Mit dem Verweis darauf bin ich nämlich bei einem wesentlichen Merkmal von Hideaway. Der Track ist eingängig, infektiös, trifft den Nerv der Zeit – vor allem, weil hier sehr gekonnt ein paar Erfolgsrezepte angewandt und wiederverwertet wurden.

Schon beim ersten Hören habe ich Erinnerungen und vermute bewusst gesetzte Verweise auf einen Überflieger-Track der 90er: Show Me Love von Robin S. aus dem Jahr 1993.



Nun hat dieser Titel in den letzten Jahren immer wieder mal eine Renaissance erlebt, sei es als Grundlage für eine 1:1-Coverversion (Michael Mind Project) oder auch etwas indirekter benutzt für eigenständige Tracks (Kid Ink). Kluge Produzenten orientieren sich also an dem bekannten und erfolgreichen Klangbild, sind aber schlau genug, das Ganze dann doch ein bisschen weiter in die Eigenständigkeit zu treiben, bleiben aber hübsch im Groove der 90er, auch das House-Piano kommt noch mal zu Ehren (besonders in den zahlreichen Remix-Versionen ist das bis zum Abwinken ausgewalzt) … kann hier eigentlich noch was schief gehen?

Na klar, kann es. Es reicht selbstverständlich nicht einen auf 90er zu machen und schon funktioniert’s. Glücklicherweise sind da die Musikkonsumierenden doch schon etwas eigensinniger. Aber Kiesza hat da tatsächlich noch zwei Trümpfe im Ärmel. Zum einen nimmt sie den Grundsatz der 90er Clubmusik ernst und verzichtet auf zu viele Botschaften. “Ooh uh” sind Aussage genug, schließlich geht es hier auch um grundsätzliche Bedürfnisse: Tanzen und sich vergessen bis der Körper nicht mehr kann. Der Godfather der Chartkommentatoren höchstpersönlich, James Masterton, sah sich angesichts dieser Kompromisslosigkeit zu einer kleinen Lobeshymne veranlasst.

Trumpf Nummer 2 ist das von Kiesza mitgelieferte Video. Und da landen wir wieder beim Anfang dieses Textes. Denn wenn es ein Video in den letzten Monaten gab, welches für Aufsehen sorgte, dann war das der 24h-Happy-Rundumschlag von Pharrell Williams. Gedreht an einem Stück (oder zumindest so clever geschnitten, dass es aussieht als gäbe es nur eine einzige Kameraaufnahme), macht Kiesza genau das selbe und zieht mich mindestens genauso in den Bann.



Ich weiß gar nicht genau, was mich an dieser Art zu filmen immer noch so fasziniert. Ist es die Überstrapazierung der immer schneller geschnittenen Filme und Videos? – Ich freu mich eben auch mal über etwas gestalterische Ruhe. Oder ist es die Lust daran zu gucken, aus welchem Hauseingang und hinter welchem Container nun die nächste Person hervorspringt? Quasi das Ratespiel der Möglichkeiten. Oder ist es schlichtweg die Choreographie die hier gekonnt Gruppeneinlagen mit Pas de deux’s oder Solos kombiniert?

Ich denke ein wesentlicher Faktor ist die Inszenierung in der Realität. Was passiert wenn eine exaltiert tanzende Frau auf einer normalen Straße durch Bauarbeiter und Joggerinnen springt? Welche Reaktionen kann ich erwarten? Lässt sie sich von solchen Störungen und Zufällen aus dem Konzept bringen? Und ist das vorbeifahrende Auto nun bestellt oder Zufall?

An dieser Stelle eröffnen sich Parallelen zu dem, was aktuell in Musikvideos aus Deutschland zu beobachten ist, und das ich mal frech unter den Begriff “inszenierter Realismus” gepackt habe. Es geht um die Wirklichkeit, es geht um Authentizität. Aber das Ganze ist sehr bewusst und deutlich eben auch ein Stück Inszenierung und im besten Falle Kunst. Kunst die sich eben auch in der Wirklichkeit behauptet und kein bisschen Angst hat oder Rücksicht nimmt. Beides so deutlich nebeneinander zu stellen und aus der Diskrepanz heraus Spannung zu erzeugen, das find ich ein ganz schlaues Konzept.

Route 94 Feat. Jess Glynne: My Love

Jess Glynne ist die Stimme dieses Frühjahrs. So viel steht schon mal fest. Nachdem sie auf Rather Be der Band Clean Bandit kürzlich ausgeholfen hat (und vermutlich nicht unwesentlich zu deren Erfolg beigetragen hat), leiht sie nun die Stimme dem DJ und Produzenten Route 94, der mit My Love seinen ersten Ausflug in Deep House Gefilde macht und gleich mal alles was er zuvor unter dem Namen Dream in Sachen Dubstep veröffentlichte völlig in den Schatten stellt.

My Love also die nächste Deep House-Dudelhymne? Mitnichten. Route 94 führt vor, dass die kontinentale Definition des Stiles, die derzeit allgemein die Runde macht, mit den Ursprüngen nicht mehr so viel gemein hat. Außer vielleicht dem Rhythmus. Das gelingt dem Produzenten vor allem durch seinen Zugriff auf das House-Piano aus den 90ern, welches hier als zentrales Instrument eingesetzt wird und mit ein paar Synthesizer-Klängen und dem eher soul-affinen Refrain ergänzt wird. Diese Mischung schließt nahtlos an 90er Jahre Hosue-Produktionen an und führt damit noch einmal exemplarisch vor, was die Wurzeln des derzeitigen Mainstream-Sounds sind. Da wo andere DJs mit 80er Jahre Saxophon oder Akustik-Gitarrensound in die romantische Neo-Hippie-Gemütlichkeit abdriften, da sucht Route 94 nach wie vor den Anschluss an den Dancefloor.



Natürlich ist auch dieser Song nicht gefeit davor als Lounge-Hintergrund eingesetzt zu werden. Das wird nach den letzten Monaten vermutlich nie wieder möglich sein. Immerhin aber ist die Stimme von Jess Glynne so präsent, dass dann doch früher oder später mal die Aufmerksamkeit auf das gelenkt wird, was uns akustisch umgibt und die völlige Belanglosigkeit unterbrochen wird.

Ähnliche Effekte stellen sich ein, wenn man mal durch die anderen Remixe und Produktionen von Route 94 surft. Da drängt sich immer wieder ein starker 90er Jahre Bezug auf, der zwar zeitlos, aber nicht belanglos unzeitgemäß auftritt. Vielleicht ist Deephouse ja doch noch nicht völlig verbraucht.

Pharrell Williams: Happy

Musik kennt keine Zeit. Gute Musik erst recht nicht. – Das mag über diesem Titel von Pharrell Williams stehen. Und ganz wunderbar fasst er die Überlegungen, Diskussionen und Entwicklungen der letzten Jahre zusammen, macht sie förmlich erlebbar, mischt sich mit unglaublicher Leichtigkeit und herrlichem Frohsinn in den theoretischen Diskurs ein: hier ist also das Resümee von allem was wir unter dem Begriff Atemporalität gedacht und geschrieben haben.



Happy ist ein wunderbarer Soultitel, den ich im Radio höre und erstmal rätsel: kenn ich doch – oder nicht? Das war doch 1963 – nee ’76 oder vielleicht doch 90er?? Aber der Song stammt aus dem Jahr 2013 – und es spielt keine Rolle. Soulmusiker müssen sich heute nicht mal mehr bemühen, ihren Stil weiter zu entwickeln. Sie machen einfach das, was schon Hunderte Vertreterinnen ihres Stils schon vor ihnen getan haben. Und das gilt nicht nur für Soul.

Schön ist es, wenn diese Restaurierung des Genres tatsächlich auch noch Gefühle und Freude zu vermitteln weiß. Der Bereich Dancemusic hat sich da ja schon ordentlich tot gelaufen. Hier verkauft sich die 1.000ste Wiederholung zwar immer noch recht gut – aber interessant ist das nicht und neugierig macht das schon lange nicht mehr.

Pharrell Williams hat dagegen ein ganz gutes Gespür für überzeugende Melodien und Produktionen. Als einer der erfolgreichsten Interpreten des Jahres bescherte er uns 2013 mit Get Lucky und Blurred Lines gleich zwei Nummer 1-Hits – mit Happy setzt er zum nächsten Streich an.

Und weil der Titel nicht nur über gute Laune erzählt sondern diese auch gleich transportiert, was enorm ansteckend ist und mich sowieso dazu verleitet, den Titel auf Endlosschleife zu hören, macht Pharrell Williams genau das. Er produziert ein Endlosschlaufenvideo. Auf 24hoursofhappy läuft der Titel ununterbrochen, begleitet von verschiedenen Menschen, die dazu durch Straßen, Theater, Einkaufszentren, Bahnhöfe und jeglichen anderen erdenklichen Ort tanzen. Musik kennt nicht nur keine Zeit, sondern auch keinen Ort. Und ganz nebenbei definiert Pharrell Williams Glücklich-Sein ganz individuell und vielfältig aber in jedem Fall überzeugend.

Happy ist vielleicht der erste Titel, der mich wirklich mit dem Fakt der Atemporalität im Pop- und Kreativ-Geschäft versöhnt. Natürlich mag ich es trotzdem, wenn Stile auf ihre Gültigkeit hin immer wieder neu befragt werden. Und ich mag nach wie vor Fusionen jedweder Art. Manchmal reicht es aber auch, einfach nur glücklich zu sein: Clap Along If You Know What Happiness Is To You!


Und hier noch ein bisschen Theorie:
Das Ende der Geschichte für kreative Berufe (deutsch)
Bruce Sterling: Atemporality for Creative Arts

EMINEM FT. Rihanna The Monster

Es gab eine Zeit, da schien der klassische HipHop sich gnadenlos selbst überholt zu haben, quasi tot gelaufen in immer den selben Ausdrucksformen. Das ist noch gar nicht so lang her – sechs oder sieben Jahre vielleicht. Dann gab es sehr spannende Weiterentwicklungen und Fusionen: von Grime bis hin zu Rap über Electro-Tracks oder gar reingemogelt in niedliche Popsongs. Und dann kehrte der Master zurück. 2010 katapultierte sich EMINEM zurück ins Bewusstsein der Menschen. An der Seite hatte er Rihanna und mit ihr zusammen landete er einen Klassiker: Love The Way You Lie. - Das Unglaubliche an diesem Hit war, dass er so unfassbar zeitlos daher kam. Er klang genau so als wäre er zehn Jahre zuvor schon aufgenommen worden und jetzt in einer verstaubten Schublade wiederentdeckt worden. Ein Beispiel der mittlerweile massiv grassierenden Atemporalität war das bereits.

Heute, drei Jahre später, ist dieser Begriff, diese Haltung noch viel ausgeprägter. Und deshalb kann EMINEM tatsächlich The Marshall Mathers LP II auf den Markt bringen, 13 Jahre nachdem Version 1 zum globalen Millionenseller geworden war. Warum er so lange damit gewartet hat, ist gar nicht richtig klar. Denn die Fortsetzung ist genau das: eine Fortsetzung. Keine Weiterentwicklung, kein überraschendes Update. Vielleicht eine Rückschau der Art: Was ich damals vergaß zu sagen.

Und so ist auch die vierte Single des Albums, The Monster, kein wahnsinnig aufregendes Stück mit den allerletzten Produktionstricks oder Soundexperimenten – es ist das komplette Gegenteil: erwartbarer Sound, klassische Rhymes, Rihanna wie wir sie von gefühlten 1000 anderen Stücken kennen - im besten Falle nenne ich so etwas OldSchool.

Warum dieser Sound dann immer noch so erfolgreich ist, liegt vielleicht auch daran, dass die vor 15 Jahren jungen Menschen zwar älter geworden sind, sich aber nicht so fühlen und auch nicht so benehmen. Sie kaufen immer noch Musik – jetzt haben sie ja sogar richtig Geld um sich auch wirklich eine physische CD zuzulegen. Das mit dem illegalen Download und den mp3s, das ist was für die Kids. Und klar stehen sie immer noch auf den Sound von früher. Je originaler umso besser. Denn die Zeit der Jugend, das war doch die beste Zeit ...

Mit dieser Einstellung sind die Konsumenten recht nah an ihrem Idol dran. Denn mit The Monster schaut EMINEM ein bisschen auf seine Karriere und resümiert, was da so in den letzten 15 Jahren passiert ist. Allerdings fällt diese Zusammenfassung eher ernüchternd aus. Der Ruhm und das Geld haben ihm nicht unbedingt Glück und Zufriedenheit gebracht. Stattdessen durfte er auch die negativen Seiten des Startums kosten: Kein Privatleben mehr, ständiger Erfolgsdruck und keine Chance auf ein Zurück. Das kann schon ordentlich verrückt machen.

Vielleicht ist das die Geschichte, in der sich die etwas älteren Musikkäufer wiederfinden. Auch sie haben mittlerweile ein geregeltes Leben, in dem sie funktionieren müssen. Auch sie fühlen sich zerrissen zwischen dem was sie gern wären und dem was sie doch täglich erfüllen müssen. Und der Luxus, den sie als Ausgleich konsumieren können, der ist dann doch nicht alles.

So ist sie also, die Welt. Ungerecht und böse wie eh und je. Und man kann nichts dagegen tun – Selbstmitleid ist das Gefühl, das dieser Haltung entspricht. Und das ist nicht weit von dem entfernt, was auch vor 15 Jahren schon Grundkonsens war. Ich komme aus harten Verhältnissen, niemand hat mir etwas geschenkt, ich musste immer für alles kämpfen, ich musste mich durchsetzen. Damals, da war die Haltung noch sehr viel kämpferischer, da hieß es eben auch: Stellt Euch mir nicht in den Weg, ich haue drauf, denn ich will raus aus diesem Dreck hier. - 2013, da herrscht dann eher Resignation vor. Vielleicht gibt es noch einen Funken Hoffnung. Vielleicht werde ich doch eines Tages ein Leben führen, das mich glücklich macht. Aber diese Hoffnung ist nicht sehr groß.

Hat sich also doch was getan in 13 Jahren. Wenn auch nichts, was ich eine positive Entwicklung nennen würde. Was mich irgendwie auch zu dem Verdacht bringt, dass EMINEM und seine Fans auch in weiteren 15 Jahren nicht wirklich weiter gekommen sein werden. Auch dann wird es vor allem darum gehen, was die Verhältnisse mit einem anstellen. Auch dann wird es heißen: Ich bin schon ein ziemlich armes Schwein. Glück haben eher die anderen. Zumindest aber wird wohl auch dann noch ordentlich Aufmerksamkeit und Erfolg fließen bei diesen Ergüssen.

Martin Garrix: Animals

Während alle Welt einem Tim Berg aka AVICII huldigt und diesen als neuen DJ-Gott feiert, hat sich nahezu unbemerkt ein Vertreter der nächsten Generation auf die Tanzflächen dieser Welt gebracht: Martin Garrix. Animals ist seine Hymne, die sich seit dem Sommer mehr und mehr durchsetzte mit einem Sound, der doch erstmal nicht sooo ungewöhnlich ist. Deshalb gab es anfangs auch ein wenig Verwirrung darüber, wer diesen Track denn nun veröffentlicht habe - zumindest ist das so der englischsprachigen Wikipedia zu entnehmen.

Da kommt also ein junger Bursche mit 17 Jahren auf die Idee, seinen Lieblingssound einfach genauso zu produzieren wie er es mag, etwas konsequenter, etwas weniger berechnend als die meisten bekannten Acts, er kann sich das als Nobody ja auch gut leisten - und schwupps wird das Ergebnis ein Hit. Und der Produzent wird ein wenig als Wunderkind gehandelt.



Die Geschichte klingt ein bisschen nach einer Vom-Tellerwäscher-zum-Millionär-Geschichte. Ob das Wunderkind nun der nächste große Superproducer aus Europa wird, das werden wir abwarten müssen. Wird Martin Garrix nach seinem europaweiten Erfolg von Animals noch so unvoreingenommen produzieren können? Wird er sich frei machen können vom Erwartungs- und Erfolgsdruck?

Für die Generation von Martin Garrix ist es ja ohnehin nicht einfach, ein eigenes Profil zu erarbeiten. Eventuell sogar noch ein unverwechselbares. Alles war irgendwie schonmal da. Und mit Ironie kommt man mittlerweile auch nicht mehr sehr weit. Rebellion? Wogegen denn noch? - Was bleibt ist vielleicht gerade mal noch die liebevolle Umarmung des bestehenden Lebens und der vorhandenen Verführungen oder dessen, was man sich so als spannend und einmalig vorstellt.

Martin Garrix würde sehr gern anonym feiern, gleichzeitig aber auch auf das Spießerleben scheißen. Er wär' gern gefährlich und unberechenbar. Irgendwie denkt er, dass er dadurch auch attraktiv und begehrt werden würde. Dass er das alles so wahrscheinlich nicht schaffen wird, ist ihm auch mit 17 schon klar. Aber träumen kann man ja. Und zu diesem Traum hat Martin Garrix einen hübschen Soundtrack geschrieben. Den auseinander zu nehmen ist eher mühsame Zeitverschwendung. Denn natürlich finden sich eine Menge Referenzen und Anleihen.

Müßig sind also solche Fragen wie: Gäbe es Animals ohne einen AVICII, ohne einen DJ Antoine, ohne Tiesto und Afrojack? – Natürlich nicht. Mark Fisher / k-punk hat das gerade ganz schön in einem Essay für W.I.R.E. - Abstrakt zusammengefasst (gibt es leider nicht online :-( ). Er schreibt dort von Atemporalität / Geschichtslosigkeit, welche die aktuelle Pop-Musik plagt.

Das Ganze ist an sich nicht schlimm. Man muss nicht ständig alles neu erfinden, das doch offenbar schon da ist und funktioniert? Natürlich ärgert mich irgendwann wenn sich sogenannte Künstler und Künstlerinnen komplett darauf ausruhen und keine eigenen Ideen entwickeln. Das Abarbeiten an Vorhandenem ohne dabei zur schnöden Kopie zu werden, das scheint momentan die große Herausforderung zu sein. Ich würde sagen, bei Martin Garrix sieht es im Moment nicht so schlecht aus, dass er das hinkriegt. Zumindest bei Animals ist das wohl der Fall.

Aufregen könnte ich mich an dieser Stelle höchstens darüber, dass die Rahmenbedingungen in Recht und Politik unserer Realität ordentlich hinterherhinken. Und lieber noch die kleinste Ähnlichkeit als kommerzielle Nutzung auslegen und unter Lizenzgebühr stellen … Vielleicht gehört ja Martin Garrix endlich zu der Generation, die diesem ganzen Humbug ein Ende setzt. Geschichtslos zu sein heißt ja irgendwie auch auf Vorhandenes zugreifen zu können ohne permanent nach Herkunft und Bedeutung fragen zu müssen. Könnte auch heißen, dass kulturelle Produktion nochmal ganz anders funktioniert. Bis dahin vergehen vermutlich noch ein paar Jahrzehnte.