Sarah Connor: Wie schön du bist

Und damit ist sie zurück. Ein bisschen hat sie schon vor gut einem Jahr geübt. Oder getestet. Bei der Sing meinen Song-Show. Die recht unerwartet zum Publikumserfolg wurde und nicht nur die komplette Songsammlung als Album sondern tatsächlich auch einzelne Interpretationen zu kleinen Tageshits machte. Sarah Connor erlebte so ein unerwartetes Comeback. Denn wer hätte denn wirklich geglaubt, dass sie es nochmal so richtig in die Charts und in unsere Aufmerksamkeit schaffen könnte.

Ja klar, Fernsehshows der C-Sorte und trallalla. Das hat sie ja irgendwie schon immer gemacht. Sich vermarkten. Und ihr Privatleben. Da konnte man großzügig auch einfach weiterzappen. Ob da nun CC Catch sitzt oder Sarah Connor - who cares?

Ein bisschen waren wir alle auch froh, dass die 00er vorbei waren und damit irgendwie auch die Hoch-Zeit dieser Frau, die sich in enorm kurzer Zeit zu einer der erfolgreichsten deutschen Sängerinnen hochgearbeitet hatte. Denn irgendwie blieb an Sarah Connor immer auch so etwas B-Promihaftes kleben. Egal wie viele Nr.1-Hits sie ablieferte und wie viele Alben sie auch verkaufte – richtig ernst genommen haben sehr viele sie nicht. Und so kam es uns eigentlich ganz gelegen, dass sie sich in den letzten vier...fünf Jahren nicht mehr so sehr ins Musikgeschäft gedrängelt hat.

Aber tot Gesagte leben eben doch länger. Und es war wirklich überraschend und ein bisschen unglaublich, dass Sarah Connor da in dieser Bergbretterbude mit Xavier Naidoo und Andreas Gaballier plötzlich Lieder auf deutsch zum Besten gab. Das war an sich schon eine schräge Kombination, die jedes Recht auf besondere Erwähnung in den Jahresbüchern gehabt hätte. Aber dann war die Interpretation obendrein auch noch glaubhaft, nahezu sympathisch. Das, was ihr mit ihren Schaut-in-mein-Leben-Soaps nie so richtig hingekriegt hat, das funktionierte 2014 plötzlich auf Anhieb.
Der ganze, schreckliche Inszenierungslack, der immer ordentlich an ihren Auftritten klebte, war plötzlich wie weggewischt. Oder zumindest nicht mehr so wichtig oder vordergründig. Und offenbar hat das nicht nur den Zuschauenden Freude gemacht, sondern auch der Sängerin selber. Denn das neue Album kommt plötzlich genauso direkt und unvermittelt daher, sogar auf deutsch: Muttersprache. Entsprechend ist die vorab auf den Markt geworfene Single eben auch ein deutsches Liedermacherballadenstück: Wie schön du bist.

Ob ich das wirklich mag, weiß ich nicht. Zumindest kommt es aber bei sehr vielen Menschen gut an. Das ist auch kein völliger Zufall. Deutsche Balladen mit emotionalem Text haben schon eine ganze Weile Konjunktur. Neu ist hier maximal, dass es mal eine Frau ist, die sich auf der Gefühlswelle durch den sparsam begleiteten Song treiben lässt.

Natürlich erfindet Sarah Connor das Genre überhaupt nicht neu. Im Gegenteil. Sie knüpft an wohlbekannte und erfolgreiche Vorbilder an. Silbermond/Juli/Rosenstolz – von allen finden sich Versatzstücke wieder in der aktuellen Veröffentlichung. Ob es die treibenden und sehr vordergründigen Drums sind, die das Lied dann glücklicherweise nicht in der Romantik-Sauce belassen, sondern ihm einen schönen rockigen Ton geben, oder ob ich mich beim Timbre der Stimme urplötzlich an AnNa R. erinnert fühle – hätte ich nicht gewusst, dass dieser Song von Sarah Connor ist, ich hätte es auch nicht ohne Hilfe erkannt.

Das ist für mich das eigentlich Überraschende an Wie schön du bist. Ich hätte nie erwartet, dass Sarah Connor so grundsätzlich auf das verzichtet, was sie irgendwie auch groß und erfolgreich gemacht hat: Glatte, ein bisschen schmalzige und viel poplastigere Produktionen.

Respekt habe ich tatsächlich vor der Konsequenz, mit der die Sängerin diesen Imagewechsel betreibt. Deutsche Texte, Konzentration auf Inhalte, Bodenständigkeit und Direktheit – das sind die neuen Beschreibungen, die ich hier aus der Schublade ziehen würde. Und diese treffen vermutlich ganz gut auch auf eine Stimmung, die sich weiter und weiter durchsetzt. Weg vom Bling Bling Luxus der 00er hin zu den eher normalen 10ern. Das kann auch Pop sein.

Philip George: Wish You Were Mine

Worauf junge Menschen so alles kommen? Zum Beispiel ein Sample von Stevie Wonder zu verwenden.

OK - am Ende bleibt davon nicht viel übrig. Ist dann auch egal, ob es der Meister höchstselbst aufgenommen hat oder nicht. Aber wenn dieser am Ende sogar selbst die Verwendung noch genehmigt, na dann ist doch jeder Jungproduzent sofort geadelt und es kann gar nichts mehr schief gehen.

Mehr als Marketing ist das alles aber nicht. Oder kümmert sich jetzt ernsthaft jemand darum welches Verhältnis das Original My Cherie Amour zu Wish You Were Mine hat? Sogar der Titel ist ein komplett anderer. Die Bezüge - wenn es sie denn überhaupt gibt - können offensichtlicher nicht verweigert werden.

Also: Graben wir mal nicht weiter in der Geschichte. Das würde sehr wahrscheinlich das vorliegende Ergebnis völlig überstrapazieren und tot interpretieren. So schlimm ist der Track dann wirklich nicht.

Trotzdem bleibt natürlich die Frage: Wie kommt so ein Mensch wie Philip George, Jahrgang 1993, an Material aus den späten 70ern?

OK - er wühlt gern in den Plattenkisten seiner Eltern. Vielleicht ist er sogar ein echter Vinyl-Nerd. So wie Andreas Dorau in den 90ern mal ganz unkeusch alte DDR-Hits von Veronika Fischer und Frank Schöbel ausgegraben und benutzt hat. Das Ergebnis war erfrischend, funky und auf alle Fälle ganz neu.
So weit würde ich mich bei Philip George jetzt nicht aus dem Fenster lehnen. Wish You Were Mine wiederholt da eher, was beim jungen DJ vielleicht als Kindheitserinnerung noch vorhanden ist: 90er Jahre Housemusic. Das Gesangsschnipselchen hätte es an dieser Stelle vermutlich gar nicht wirklich gebraucht. Es dient höchstens als - dann doch recht schnell nervender - Wiedererkennungseffekt.
Der stellt sich unweigerlich ein und bedient im neuen musikalischen House-Umfeld eine Sehnsucht, die einige Jung-Erwachsene derzeit ganz gern zurückträumen lassen an die Zeit als noch so viel möglich schien und das Leben sowieso noch ganz einfach war. Ist das der Grund für die massenhafte Wiederentdeckung des Sounds, der mindestens durch KIESZA gerade perfekt zelebriert wird und sogar solche Rap-Biester wie Kid Ink oder DJ Snake zum Neu-Verwursten animiert?

Erstaunlich ist, welche Kraft dieser Sound, diese Idee immer noch hat. 20 Jahre danach. Auch wenn House mittlerweile alles andere als ein Nischenphänomen ist, kann es offenbar immer noch als Bezugs- oder Fluchtpunkt für die Kleinstadt-Tristesse dienen. Kopfhörer auf und die Welt ist plötzlich voller ekstatischer und fröhlicher Menschen. Statt Vorgarten-Idylle und Supermarkt ist es Freude, Party, Tanz, welche das Leben bestimmen.



Die Bezüge hier auszugraben verspricht ein bisschen mehr Aufschluss über das heutige Sein. Wieder einmal ist es ein Straßenvideo: Ungeschminkter Alltag mit ordentlich abgeranzten Ecken und Hässlichkeiten in dem bewusst eine Kunstwelt aus Choreographie und Inszenierung platziert wird. Inszenierter Realismus – oder vielleicht besser "ergänzte Realität" wie sie international KIESZA oder in Deutschland vor allem Kim Frank zelebrieren. Ganz nah dran am Leben, und gleichzeitig der Ort für Wünsche und Träume. Es ist nicht unbedingt die komplett neue Welt mit völlig anderen Grundbedingungen und Umgebungsvariablen. Es reicht schon, mit etwas mehr Freude durch das Leben zu gehen und alles würde erträglicher und vermutlich um Einiges weniger spießig. Ein Ziel, das irgendwie auch erreichbar scheint und zumindest lebenswirklich aussieht.

Daneben sieht die Vision von CHARLI XCX sehr viel unreflektierter, kindergartenmäßiger und irgendwie auch spießiger aus. Veränderung fängt manchmal vielleicht doch eher im Kopf an.

Rihanna and Kanye West and Paul McCartney: FourFiveSeconds

Back to basics – so machen es uns Rihanna, Kanye West und Paul McCartney gerade vor. Reduziert auf den Gesang, nur sparsam instrumentiert mit Gitarre, ein bisschen Orgel und Cello. Und dazu ein Video in schwarzweiss mit betont unglamourös gestylten Stars. Ich würde sagen: die drei haben uns etwas zu erzählen.

Und tatsächlich ist die Geschichte alles andere als lustig. Wieder mal zu lange aus gewesen, obwohl man eigentlich dachte man hat es im Griff. Oder vielleicht war es sogar genau der richtige Zeitpunkt, trotzdem sitzt da zu Haus jemand und wartet, macht sich Sorgen. Die Fragen werden zu Vorwürfen – dabei ist gar nichts weiter passiert. Oder doch? Ist es falsch, den Augenblick zu nutzen, zu genießen, sich vielleicht auch einfach mal treiben zu lassen. Kann es falsch sein, wenn es sich doch eigentlich auch nicht so verkehrt angefühlt hat?

Und so machen sich Selbstzweifel breit. Bin ich ein guter Mensch? Bin ich liebenswert? Was erwarten andere von mir? – Zum Durchdrehen.

Genau da stehen also Rihanna und Kanye West. Die eine vielleicht ein bisschen zu naiv und selbstvergessen, der andere nur eine Winzigkeit zu fordernd oder umsorgend. Bam – da kracht es zusammen und alles das, was gerade noch nach dem idealen Leben aussieht, kracht zusammen. Wie aus so einer Situation herauskommen?



Die Stärke des Songs besteht darin, dass er wirklich beim Selbst anfängt. Es vermeidet den wesentlich einfacheren Weg, der erstmal behauptet alle anderen sind doof. Und ist deshalb um sehr viel mehr existentieller und brutal. Die dicken Emotionen, welche die beiden im Video zeigen, sind darum kein bisschen überzogen. Hier geht es um alles.

Dass so ein Song es schafft, sich breit durchzusetzen im Mainstream, erscheint mir einigermaßen erstaunlich. Bislang habe ich die Masse der Popkonsumierenden nicht als besonders auseinandersetzungsfreudig oder selbstzweifelnd wahrgenommen. Klar schließt so ein minimalistischer Song nahtlos an das an, was vor zweidrei Jahren enorm präsent war. Kündigt sich hier eine neue Welle minimaler Produktionen an? Als Gegenreaktion zur überpräsenten Großraumpartyproduktion?
Oder ist es am Ende doch der Starfaktor Rihanna, der es möglich macht, dass eine vergleichsweise sperrige Produktion sich so massenhaft Aufmerksamkeit verschaffen kann?
Und wo will sie eigentlich hin, diese Superstar-Sängerin aus Barbados? Vom Partygirl zum verruchten Maneater zur bodenständigen Normcore-Ikone?
Das könnte in den nächsten Wochen und Monaten also noch ganz spannend werden.

Derweil kann ich ja noch ein bisschen weiter drüber nachdenken, was diese ganze extrem ausgestellte Normalität eigentlich noch mit Pop zu tun hat. Oder transformiert sich der Begriff im Moment und kann in der nächsten Zukunft auf zu viel Bombast gut verzichten?
Ganz ohne wird es vermutlich nicht gehen, denn auch Rihanna ist bei aller neuen Bodenständigkeit sichtbar zurecht gemacht. Inszenierte Normalität also. Durchaus ein Trend, den wir in den letzten Monaten hier schon beobachten konnten.

KIESZA: Hideaway

Da haben wir also mal wieder einen kanadischen Act, der sich in die Ohren – und in diesem Fall wohl auch Tanzbeine – der Kontinentaleuropäer drängelt.

Obwohl das Land recht groß ist und auch einige Einwohner hat, ist die musikalische Ausbeute von dort scheinbar doch eher dünn. Vielleicht liegt dieser Eindruck auch ein wenig daran, dass hierzulande Kanada und die USA gern als ein kultureller Raum gesehen werden und die kanadische Eigenständigkeit gar nicht so bedeutend wahrgenommen wird. Für Kanadier in den USA ist das schon deutlich anders. Die sind dort nämlich erstmal eines: Ausländer.

Aber zurück zu den Gemeinsamkeiten. Mit dem Verweis darauf bin ich nämlich bei einem wesentlichen Merkmal von Hideaway. Der Track ist eingängig, infektiös, trifft den Nerv der Zeit – vor allem, weil hier sehr gekonnt ein paar Erfolgsrezepte angewandt und wiederverwertet wurden.

Schon beim ersten Hören habe ich Erinnerungen und vermute bewusst gesetzte Verweise auf einen Überflieger-Track der 90er: Show Me Love von Robin S. aus dem Jahr 1993.



Nun hat dieser Titel in den letzten Jahren immer wieder mal eine Renaissance erlebt, sei es als Grundlage für eine 1:1-Coverversion (Michael Mind Project) oder auch etwas indirekter benutzt für eigenständige Tracks (Kid Ink). Kluge Produzenten orientieren sich also an dem bekannten und erfolgreichen Klangbild, sind aber schlau genug, das Ganze dann doch ein bisschen weiter in die Eigenständigkeit zu treiben, bleiben aber hübsch im Groove der 90er, auch das House-Piano kommt noch mal zu Ehren (besonders in den zahlreichen Remix-Versionen ist das bis zum Abwinken ausgewalzt) … kann hier eigentlich noch was schief gehen?

Na klar, kann es. Es reicht selbstverständlich nicht einen auf 90er zu machen und schon funktioniert’s. Glücklicherweise sind da die Musikkonsumierenden doch schon etwas eigensinniger. Aber Kiesza hat da tatsächlich noch zwei Trümpfe im Ärmel. Zum einen nimmt sie den Grundsatz der 90er Clubmusik ernst und verzichtet auf zu viele Botschaften. “Ooh uh” sind Aussage genug, schließlich geht es hier auch um grundsätzliche Bedürfnisse: Tanzen und sich vergessen bis der Körper nicht mehr kann. Der Godfather der Chartkommentatoren höchstpersönlich, James Masterton, sah sich angesichts dieser Kompromisslosigkeit zu einer kleinen Lobeshymne veranlasst.

Trumpf Nummer 2 ist das von Kiesza mitgelieferte Video. Und da landen wir wieder beim Anfang dieses Textes. Denn wenn es ein Video in den letzten Monaten gab, welches für Aufsehen sorgte, dann war das der 24h-Happy-Rundumschlag von Pharrell Williams. Gedreht an einem Stück (oder zumindest so clever geschnitten, dass es aussieht als gäbe es nur eine einzige Kameraaufnahme), macht Kiesza genau das selbe und zieht mich mindestens genauso in den Bann.



Ich weiß gar nicht genau, was mich an dieser Art zu filmen immer noch so fasziniert. Ist es die Überstrapazierung der immer schneller geschnittenen Filme und Videos? – Ich freu mich eben auch mal über etwas gestalterische Ruhe. Oder ist es die Lust daran zu gucken, aus welchem Hauseingang und hinter welchem Container nun die nächste Person hervorspringt? Quasi das Ratespiel der Möglichkeiten. Oder ist es schlichtweg die Choreographie die hier gekonnt Gruppeneinlagen mit Pas de deux’s oder Solos kombiniert?

Ich denke ein wesentlicher Faktor ist die Inszenierung in der Realität. Was passiert wenn eine exaltiert tanzende Frau auf einer normalen Straße durch Bauarbeiter und Joggerinnen springt? Welche Reaktionen kann ich erwarten? Lässt sie sich von solchen Störungen und Zufällen aus dem Konzept bringen? Und ist das vorbeifahrende Auto nun bestellt oder Zufall?

An dieser Stelle eröffnen sich Parallelen zu dem, was aktuell in Musikvideos aus Deutschland zu beobachten ist, und das ich mal frech unter den Begriff “inszenierter Realismus” gepackt habe. Es geht um die Wirklichkeit, es geht um Authentizität. Aber das Ganze ist sehr bewusst und deutlich eben auch ein Stück Inszenierung und im besten Falle Kunst. Kunst die sich eben auch in der Wirklichkeit behauptet und kein bisschen Angst hat oder Rücksicht nimmt. Beides so deutlich nebeneinander zu stellen und aus der Diskrepanz heraus Spannung zu erzeugen, das find ich ein ganz schlaues Konzept.

Andreas Bourani: Auf uns

Dies ist die neue Generation deutschsprachiger Popstars: Jung, feinfühlig, poetisch und ziemlich handgemacht.

Vor etwa drei Jahren setzte die Invasion ein: Tim Bendzko , Philipp Poisel, Mark Forster, MAXIM... Und einer davon war auch Andreas Bourani. Alles nur in meinem Kopf – damit stellte er sich vor und traf offenbar den Nerv der nicht mehr ganz so Jungen, die sich in dieser sehr komplexen Welt zurechtfinden müssen und das mit einer Leichtigkeit und Lebenslust hinzaubern, dass ich mich frage: Meinen die das wirklich ernst?

Nun ist Andreas Bourani wieder da, hat ein neues Album im Gepäck und eine neue Single am Start, die dann gleich mal einschlägt und Wochenbester im Verkauf wird. Auf uns ist eine Hymne an die Freundschaft, an die einmaligen Momente, an die Lebenslust. Auch hier ist es ungezügelter Optimismus und Lebenslust, die sich da Bahn brechen. Hier geht es mal gleich um's Ganze. Aufrichtigkeit und Glück für ein komplettes Leben und darüber hinaus. Sogar die Unendlichkeit wird heranbemüht.

Und um dieser Euphorie auch entsprechend Ausdruck zu verleihen, greift Andreas Bourani zum orchestralen Fulminant-Pop, der schon auch ein ordentliches Stück Pathos in sich trägt. Das ist eigentlich ein bisschen schade. Mit der reduzierten und zurückgenommeneren Variante vor drei Jahren hatte Andreas Bourani sich zwar in die Ohren und Herzen der Menschen gespielt, aber gleichzeitig dafür gesorgt, dass seine Lieder kleine, fast schon intime Geschichten oder Geheimnisse blieben. Musik, die ich ganz allein entdecken und genießen kann. – Auf uns ist ungefähr das genaue Gegenteil. U2- oder Coldplay-Stadion-Pop. Das ist ein Sound, der die Massen mitreißen will und zum Mitgrölen auffordert.

Wenigstens präsentiert Andreas Bourani in dieser Stadion-Euphorie eine ordentliche Portion Vielfalt. Dass, was uns die Bilder von Regisseur Kim Frank da vorführen, könnte gegensätzlicher und bunter nicht sein. Feuerwerksromantik steht neben Großstadtpartygefühl wird kombiniert mit Sommerurlaubsspaß wird ergänzt mit Hochzeitsspektakel, dass sich abwechselt mit WG-Party-Eindrücken und Kindheitserinnerungen ... Das Ganze rutscht auch ordentlich häufig ab in reichlich biedere, fast schon konservative Vorstellungen, aber es wird auch genauso oft gebrochen von gleichgeschlechtlichen Küssen oder Akteuren, die eben nicht den durchschnittlichen Schönheitsmaßen entsprechen. Insgesamt also ein ganz passendes Abbild heutiger Lebensformen und -welten.



Bei all dem kommt mir ein Begriff in den Kopf, der da "inszenierter Realismus" heißen könnte. Alles kommt so unglaublich lebensnah und echt daher, ich könnte fast sagen: Ja, so ist es. Und gleichzeitig versuchen weder Video noch Musik zu verbergen, dass es selbstverständlich Kunstprodukte sind: poetisch und inszeniert.

Vielleicht ist auch genau das wieder ein Spiegelbild von dem, was in der uns umgebenden Welt tatsächlich Realität ist. Da gibt es keinen einzigen Fleck mehr, der nicht durch Menschenhand überformt wäre. Vielleicht gibt diese neue Singer-Songwriter-Generation mit ihren Videomachern tatsächlich ganz gut das Lebensgefühl 2014 wider.