Panic! at the Disco: High Hopes

Und plötzlich wird es ruhig in den Singlecharts. Mal eine Woche in der die ersten vier wie angenagelt festsitzen und der höchste Neuzugang landet erst auf Platz 13 - na welcher Deutschrap-Held hat da denn abgeloost? Das ist die Chance für einen Song, der sich schon ordentlich lange in den Top 10 rumtreibt und tatsächlich auch ein gehöriger Ohrwurm ist - nun neu in den Top 5! Erstmals! Und überhaupt ist es ja der erste richtige Hit für Panic! at the Disco. Was insgesamt auch eher seltsam ist, denn die Fan-Community ist doch recht sichtbar.

Nun hat es also High Hopes geschafft das Projekt aus Las Vegas im deutschen Mainstream zu platzieren. Nach 15 Jahren Existenz. Allerdings war diese Zeit für Brendon Urie tatsächlich wichtig. Seine Songs vorher waren insgesamt doch ordentlich selbstbezogen, eher spröde oder widerspenstig, durchaus auch mal mit melodischen Brüchen gespickt. Nicht unbedingt jedermanns Sache. Vor allem aber für meine Begriffe zu wenig selbstverständlich. Das sah immer auch ganz schön gewollt aus. In der Art: Ich bin ein kreativer Star - nehmt das endlich zur Kenntnis!

Bei High Hopes gibt es diese Allüre tatsächlich auch noch. Der Song dreht sich genau darum. Welchen Anspruch habe ich an das Leben? Wie will ich meine Zeit verbringen? Was kann ich erreichen? - Und der bombastische Sound unterstreicht nur das vor sich hin strotzende Selbstbewusstsein: Ich bin etwas Besonderes!



Diese Euphorie überträgt sich ziemlich fix auf mich. Auch wenn ich die Fanfaren und Streicher vielleicht ein bisschen zu fett finde. Muss so viel Pet Shop Boys heute noch sein? (Antwort: Wahrscheinlich Ja. The Chainsmokers machen's schließlich auch nicht drunter.)

Spannend bleibt bei diesem Song, dass Brendon Urie tatsächlich immer noch seine Mama als Referenzrahmen zitiert. Hmmm - der Mann ist mittlerweile in seinen Dreißigern angekommen. Auch wenn er musikalisch seine Kinderstube langsam verlässt, das was ihm seinen Weg durchs Leben weist, sind offenbar immer noch die Weisheiten seiner Eltern. Das ist in gewisser Weise auch ein bisschen tragisch, denn das bedeutet unter anderem, dass wir nichts dafür können wie wir sind. Und alle Anstrengungen des Lebens sind vergebens. Wir machen doch immer wieder dieselben Fehler. Vielleicht klingt High Hopes genau deshalb auch so ... sagen wir es psitiv: klassisch. Das ist ein Popsong, wie er im Buche steht. Und vielleicht auch schon in den späten 90ern hätte veröffentlicht werden können.

Macht natürlich nichts. Mithüpfen kann man trotzdem. Und was scheren uns schon die Erfahrungen der Vorjahrzehnte. Wir versuchen ja gerade auf allen möglichen Ebenen zu vergessen, was uns die Geschichte bereits gelehrt haben sollte. Party auf dem Hochhausdach - das lenkt dann schön ab. Witzig ist, dass sich hier der Rocker trifft mit den ansonsten omnipräsenten Rappern. Sind beide doch Kinder einer Zeit.

Disturbed: The Sound Of Silence

Kein weiterer Kommentar dazu. Das hat Jan Stremmel alles schon wunderbar zusammengefasst und dazu noch mögliche Alternativen aufgezeigt.

Coldplay: Adventure Of A Lifetime

Irgendwie kommen mir Coldplay wie ein paar letzte Dinosaurier vor. Ich meine damit das Konzept Jungsband, das sich zwischen Rock und Pop ganz gut einrichtet, quasi einen Klassiker nach dem anderen veröffentlicht, erfolgreich auf Konzert-Tour geht und bei all dem Marketing-Zirkus nicht vergisst auf der guten Seite zu stehen und sich für irgendeinen Charity-Zweck zu engagieren. Gefühlt, gab es in den 80ern und 90er Jahren Hunderte solcher Bands – angeführt von Recken wie U2. Auch die 2000er kannten noch einige solcher Beispiele: The Killers, OneRepublic, Sunrise Ave., vielleicht auch Mando Diao. Und was machen die 2010er? Die Imagine Dragons mit überproportionalem Radio-Airplay, MAROON5 auf jeden Fall und vor gut zwei Jahren auch mal The Script. Aber dann bin ich schon so ziemlich durch – zumindest wenn man den großen kommerziellen Charterfolg als Maßstab nimmt.

So ein bisschen scheint die Zeit dieser Monster-Formationen vorbei. Oder macht grad eine Pause. Im besten Fall eine Verjüngungskur. Denn das Konzept funktioniert für mich eigentlich nur noch so richtig, wenn die Jungs sich auf das Wesentliche besinnen: Also handgemachten Rock zum Beispiel (Linkin' Park). Alles andere, was da gern auf die Albumcharts schielt, das ist mir meist doch eher peinlich. Ich sage nur: OneRepublic – kaum ein eigenes Profil, Hauptsache radiotauglich.

Coldplay haben in gewisser Weise auch diesen Drang zum Radio-Mainstream, klingen also ganz gern mal verwaschen. Irgendwie haben sie es aber dennoch hingekriegt, einen echt guten Ruf zu haben. Zumindest erlebe ich regelmäßig junge Menschen, die kommerzielle Musik total ablehnen, dann aber doch den Hit von Coldplay in ihrer Playlist haben. Schräge Nummer.

Dieses Phänomen scheint sich mit dem aktuellen Album von Coldplay A Head Full Of Dreams zu wiederholen. Zwar nicht sofort überall die Nummer 1 – da ist Adele's 25 dann doch noch zu stark – aber definitiv ein Track-Bundle, dass sich in Massen verkauft. Und trotzdem diesen Hauch von handgemacht, sehr eigenständig und deshalb über-jede-Kritik-erhabend inne hat.

Die Vorab-Single zum Album, Adventure Of A Lifetime, ist schon ein paar Tage erhältlich und hat sich auch ganz gut im Tagesgeschäft etabliert. Mit dem songtragenden Gitarren/Synthesizer-Loop haben Coldplay tatsächlich auch einen wunderbar wiedererkennbaren Melodiebrocken hingezaubert. Und wahrscheinlich ist es auch der eher synthesizerorientierte Background der Strophen, der einiges an Überraschungseffekt bietet. Der erinnert mich nämlich eher an solche Hits wie Safe And Sound oder Rather Be als an das, was ich sonst so von Coldplay im Kopf habe. Obwohl natürlich auch Viva La Vida und Paradise ihre deutlich tagespopfixierten Momente hatten.

Einen gewissen Überraschungseffekt bieten Coldplay also definitv. Nicht nur mit ihrer aktuellen Single, sondern auch in der Vergangenheit recht häufig. Und das könnte mindestens ein Grund sein, warum sie nahezu die einzige Band sind, die diesen Spagat aus handgemacht und popaffin mit breitem Erfolg hinkriegt. Die meisten anderen Bands wiederholen sich dann doch zu oft selbst. Das ist in Zeiten nahezu kompletter Verfügbarkeit von allem veröffentlichten Material eher etwas das zu Langeweile führt als zu der Bewunderung der stilistischen Strenge. Wie gesagt: in anderen Genres als dem Mainstream-PopRock mag das nochmal ganz anders funktionieren.

Mit Adventure Of A Lifetime hat Chris Martin eine schöne Hymne auf die Einmaligkeit des Lebens geschrieben. Sei es der Moment zu zweit oder die Entscheidung, keine Sekunde an etwas Unnützes, Ungewolltes zu vergeuden. Sehr präzise eingefangen und zum Ende in Juh-huh-Jubelchöre übersetzt. Das ist dann schon ganz schön viel der Lebensfreude. Aber vermutlich ist es auch nicht möglich, bei überbordendem Glück tatsächlich die Fassung zu bewahren.



Was mich wesentlich mehr verunsichert ist das Video zum Song. Mat Whitecross hat sich eine animierte Affen-Geschichte ausgedacht, welche die Primaten bei glückseligem Musikgenuss bzw. eigener Kreativität vorführt. Hmmm – also an sich bin ich schon bei Trick-Produktionen, die dann doch nur die Realität nachmachen eher skeptisch. Das mag bei überhöhten Manga-Stories funktionieren oder bei fantastischen Märchenwelten, beim Ausflug in den Dschungel finde ich es dann doch eher albern und nicht so besonders künstlerisch-wertvoll.

Und dann bin ich von der Story eher enttäuscht. Es gibt alle möglichen Momente, die als lebensbeeinflussend und grundsätzlich zu beschreiben wären. Der Moment eines Lebens, der alles verändern kann. Musik kann das sicher auch sein. Aber gerade jetzt und heute hätte ich mir statt der Geschichte einer (Jungs-)Band eher etwas anderes gewünscht. Vielleicht etwas, das ein bisschen mehr mit meinem Alltag zu tun hat. Oder mir Zuversicht gibt in dieser Situation, die mir vor allem Fragen und Herausforderungen offeriert.

Dass es gerade Coldplay mit ihrem Sauber-und-Gutmenschen-Image sind, die sich in die belanglos unpolitische Ecke stellen und auf jegliche Gesellschaftskritik verzichten, das find ich schon einigermaßen überraschend. Dass sie dann obendrein noch ihr Band-Dasein als ultimative Daseins-Form inszenieren (quasi das Team, welches dazu führt, dass sie sich dem Menschsein annähern), das regt mich fast schon auf. Da könnte ich gleich ganz weit ausholen und über die Ausgrenzungsmechanismen von eingeschworenen Personal-Unionen schreiben …

Coldplay sind als Band also momentan noch ziemlich auf dem Trip der Bauchnabelschau, der Selbstbeweihräucherung als Quartett - damit auch ein bisschen weg vom aktuellen Weltgeschehen. Könnte also gut sein, dass es mit der Rettung oder erfolgreichen Neubelebung der Band-Dinosaurier noch ein Weilchen dauern wird.

The Script: Superheroes

Wie oft darf man sich eigentlich wiederholen? – Das ist die Frage, die mir durch den Kopf ging, als ich The Scripts neue Single Superheroes hörte, mit der die Band ihr viertes Album No Sound Without Silence ankündigt.

Obwohl sie es in ihren besten Songs schaffen, so etwas wie Feingefühl zu transportieren, oder auch mal mit etwas stilleren Tönen zu überzeugen, mit ihren Singles wollen sie vor allem eines: Die Leute mit Bombast-Sound wegbrettern. Das ist sogar erklärtermaßen ihr Ziel, wenn man den Entstehungslegenden glauben schenken darf. Denn angeblich wurde das Album eingespielt während ihrer 3 World Tour. Sozusagen runter von der Bühne, rein ins mobile Studio. Völlig überdreht und massenhysterisch infiziert wird losgespielt. Heraus kommt genau das: Pathetischer Monstersound.

Ebenso ist das Thema ihrer Single ganz groß aufgezogen. Es geht um Superheroes. Und damit nehmen sie den Faden ihrer Erfolgssingle Hall Of Fame auf. Sie haben sich offenbar noch nicht genug abgearbeitet an den überlebensgroßen Vorbildern und Anforderungen. Immer noch befinden Sie sich mitten drin in der kapitalischen Leistungsgesellschaft. Mehr mehr mehr, größer, weiter, schneller, besser.

Und so besingen The Script ganz ungebrochen den Weg, wie wir alle zu Superhelden werden können:
When you've been fighting for it all your life
You've been struggling to make things right
That's how a superhero learns to fly

Nie aufhören mit dem kämpfen, niemals klein beigeben, den Druck, den Schmerz verwandeln in Kraft. - Das klingt heldenhaft. Und es klingt vor allem unglaublich angepasst. Statt die Kraft zu benutzen, mit Mut und Geschick anzuwenden, um die Verhältnisse zu ändern und tatsächlich ein eigenes Leben zu führen, wird hier nur die Bestätigung dessen propagiert was uns umgibt. Kämpfe, sei hart und werde Teil des Systems. Dann hast du es geschafft und darfst mitspielen.



Es gibt eine Menge anderer Beispiele, wie mit Heldenträumen und Lust nach Mehr umgegangen werden kann. David Bowie hat schon in den 70ern erkannt: Held sein, das kann man auch nur einen Moment lang. Das Gefühl ist kein bisschen weniger heroisch oder erhebend. Nur der Weg ist wesentlich einfacher: Statt ein Leben lang Schläge einzustecken muss man sich lediglich auf einen Menschen einlassen.

Oder auch Friedrich Liechtenstein: der überzieht die Supergeil-Superhelden-Fantasien mit Ironie. Mehr und besser und härter und schöner und stärker ist eben vor allem eines: Albern.

Und noch ein Beispiel: Schauen wir uns Praia do futuro an, das gerade in die Kinos kommt. Karim Aïnouz zeigt hier motorisierte Superhelden, die hinter ihrer Maskerade alles andere als unverletzlich, heldenhaft und unbesiegbar sind. Und trotzdem ist das Ganze nicht weniger ein Märchen.

Nach wie vor würde ich Danny O'Donoghue ein bisschen mehr Realitätsnähe wünschen. Oder nicht mal das, denn dass das Leben kein ewiges Stadionrockkonzert ist, wissen The Script ja schon längst. Zumindest wenn ich ihren Albumtitel ernst nehme. Ich wünsche den Jungs einfach, in ihren Träumen ein klein wenig vom Maximalanspruch runterzukommen. Superhelden, die ihr ganzes Leben dafür leiden und kämpfen müssen um einmal fliegen zu können, sind ziemlich arme Wichte. Eine Welt, in der sich alle nur noch mehr panzern, um irgendwann mal unbesiegbar zu sein, ist eine Welt von sozial Gestörten im Egorausch.

Die echten Superhelden wären ihre harte Schale gern einmal los. Oder können sie sogar ablegen. Echte Superhelden kämpfen nicht ihr Leben lang um noch besser und noch superer zu werden – sie versuchen eher wie normale Menschen zu sein: verletzbar, schwach und einfach.

OneRepublic: Love Runs Out

OneRepublic ist eine Band, mit der hab ich schon so meine Probleme. Das hängt vielleicht mit der allgemeinen Glaubwürdigkeitskrise von PopRock und Alternative zusammen. Vielleicht liegt es aber auch nur daran, dass die Überpräsenz im Mainstream eben auch eine völlige Belanglosigkeit erzeugt und gar nichts mehr in irgendeiner Art Bedeutung hat. Vielleicht nehme ich dieses ganze Musikbusiness auch einfach nur zu ernst. Denn irgendwie bin ich hier ja immer auf der Suche nach einem Zusammenhang zwischen Kulturprodukt und Lebensalltag. Dass Menschen einfach alles was sie tun und konsumieren egal ist, kann ich nicht glauben.

OneRepublic und deren Leadsänger Ryan Tedder also waren bei dieser Auseinandersetzung regelmäßig Anstoß zu neuen Überlegungen. Eingängig bis zum Abwinken, damit erfolgreich hoch und runter, gleichzeitig aber völlig bedeutungslos weil fast immer in einer unglaublichen Beliebigkeit alles zusammenschmeißend, was ihnen nur zwischen die Finger kam. Nun kommt die Lead-Single zur Deluxe-Wiederveröffentlichung ihres Albums Native und wunderbar lässt sich wieder alles das bescheinigen, was bereits bei den vorhergehenden Hits zu kritisieren war.

Seltsamerweise geht mir Love Runs Out aber dann doch nicht schon beim dritten Mal völlig auf die Nerven vor lauter Allerweltsbreiigkeit, sondern es setzt sich fest und fängt mir an zu gefallen. Was ist denn da los? Hat der Song tatsächlich eine andere Qualität? Etwas, das ich seit Apologize nicht mehr finden konnte.

Vielleicht ist es die Ähnlichkeit zu schon Vorhandenem, die dem Titel in einigen Foren bescheinigt wird. Von Kanye West bis Adele reichen offenbar die Referenzen. Haben sich also Ryan Tedder und seine Jungs einfach sehr sehr clever altbewährter Rezepte bedient, ein paar Melodienschnipsel neu zusammen gefügt und so unserer Wahrnehmung ein Schnippchen geschlagen: Kenn ich – gefällt mir?


Kanye West “Love Lockdown” und Adele “Rumour Has It”

Die Ähnlichkeiten sind wahrhaftig nicht abzustreiten, aber OneRepublic beschränken sich nicht einfach auf ein hübsches MashUp, sie fügen der Rhythmusorientierung, die beide Vorlagen besitzen, noch etwas hinzu: Ein zwingend einnehmendes und über den kompletten Song wiederholtes Piano-Riff. Das verleiht dem Titel einen Sog und eine Funkyness, die ich in dieser Art bei einer OneRepublic-Single noch nicht entdeckt habe. Und die auch gleich noch eine neue Referenz eröffnet. Denn bereits bei der ersten Begegnung mit Love Runs Out stellt sich ein Dèja vu-Effekt ein: Diese Art, einen Song zu beginnen, zelebrierte Ende der 90er bereits Moby mit seiner Single Honey.



Auch wenn die beiden Songs ansonsten nichts weiter gemein haben, so finde ich hier doch ein paar hübsche (wahrscheinlich sehr zufällige) Parallelen. Moby nämlich spielte mit dem Album Play, von welchem Honey stammt, recht ausführlich durch, was es bedeutet seine elektronisch-melancholische Handschrift mit Anleihen aus dem Funk zu versehen. Nach 10 Jahren im Musikbusiness erfand er sich so quasi noch einmal ganz neu. Ähnlich tat das in dieser Zeit auch noch einmal Fatboy Slim/Norman Cook, obwohl der in den 10 bis 15 Jahren seiner bis dahin gehabten Musikkarriere schon häufiger sein musikalisches Repertoire grundlegend durchgerüttelt hatte.

OneRepublic haben nunmehr auch 10 Jahre Erfahrung in der Tasche und mir scheint, dass sie mit Love Runs Out tatsächlich einen für sie neuen – oder sagen wir: ungewohnten Weg einschlagen. Wohin dieser sie führt und ob sie überhaupt gewillt sind, hier weiter auszuprobieren, das darf getrost mit großen Fragezeichen versehen werden. Denn noch sieht alles eher aus wie nichts weiter als ein derzeit modischer Rückgriff auf die Endneunziger. Dieser Eindruck wird gestärkt durch das fukminante Video, welches sie zu Love Runs Out liefern.



Das sind Pop-Video-Bilder wie sie Großraum-Acts ganz gern mal benutzen: Überwältigend bunt, auch pathetisch und bedeutungsschwanger. Besser hätte es David Lynch in den 90ern auch nicht hingekriegt. Höchstens, dass seine Düsterkeit noch um einiges mystischer und verrätselter war. Bei OneRepublic drängen sich die Fragen nach Bedeutung jetzt weniger auf. Ich verstehe zwar die historischen und Ethno-Bezüge überhaupt nicht: Warum bitte muss der Drummer in so einem ägyptophilen Outfit da sitzen? Und was sollen die ekstatisch tanzenden Frauen mit Bändern im Haar? – Aber das will im Jahr 2014 ja im Grunde kaum jemand wirklich wissen: Ägypten ist seit Katy Perry’s Dark Horse mehr als salonfähig und musikalisch-tänzerische Ekstase gehören quasi zum Repertoire des Post-Techno-Pops. Allemal ist es sehr schön anzusehen. Den meisten Musikkonsumierenden reicht das.

Im Fall von Love Runs Out hat das Bild aber tatsächlich auch etwas mit dem Songinhalt zu tun. Ryan Tedder beschreibt hier manisch-expressive Gefühlssituationen: Extase und Hingabe bis zum bitteren Ende, Genuß und Selbstvergessenheit ohne Kompromiss. Diese Wildheit in ethno-inspirierte Konstellationen zu stecken bedeutet gleichzeitig eine Kritik an unserer vorherrschenden Kultur. Offenbar ist in der westlich geprägten Konsumwelt nicht viel Platz für wilde und unbändige Emotionen. Und erst recht nicht für Menschen, die sich diese zu eigen machen. Das geht maximal in abgeschlossenen Settings oder eben in Kulturen, die Nordamerikanern und Westeuropäern als ritualgeprägt und irgendwie wild erscheinen. (Dass alles das auch ein sehr sehr schwieriges Unterfangen ist, das wäre einen eigenen Artikel wert.)

An dieser Stelle könnte ich Schluss machen und OneRepublic einen großen Wurf bescheinigen: Subtile Gesellschaftskritik mit einem Popsong. Allein, die bisherigen Erfahrungen mit der Band lassen mich zweifeln und zögern, diesen Schritt zu tun. Die Verhältnisse zu kritisieren und sich gleichzeitig affirmativ-anbiedernd im System zu inszenieren find ich einen sehr waghalsigen Ansatz. Jaja – ich höre das häufiger: Wir kämpfen nicht mehr gegen das System, wir verändern/zerstören es von innen heraus. Hoffentlich ist das System an dieser Stelle nicht klüger und schneller.

Im Fall von OneRepublic hat es zumindest schonmal nicht funktioniert. Love Runs Out wurde vom ZDF eingekauft um die Berichterstattung zur Fußball-WM in Brasilien musikalisch aufzupeppen. Von dem Song, seiner Kraft und seinem möglichen Potenzial bleibt in den Minuten-Einspielern nicht sehr viel übrig. Allemal ist es aber immer noch besser als der unsägliche Einsatz von Andreas Bourani’s Auf uns. Das kriegt nämlich in der steten Wiederholung einen ganz unangenehm nationalistischen Dreh.

P!nk: Try

Wenn wir jetzt eine Umfrage starten würden nach den wichtigsten Künstlerinnen der letzten 10 bis 15 Jahre – wer würde uns da wohl einfallen? Wahrscheinlich so was wie Lady Gaga, Rihanna, eventuell würden auch Katy Perry oder Adele genannt. Aber würde jemand auf P!nk kommen? – Wahrscheinlich nur die wenigsten und genau das ist komisch. Denn streng genommen gehört P!nk zu den produktivsten und erfolgreichsten Rock-Musikerinnen seit dem Jahrtausendwechsel. Von den 26 Singles, die mit ihrem Namen versehen sind haben sich mittlerweile ganze 17 so massiv verkaufen können, dass sie in den deutschen Top 10 landeten. Keine schlechte Bilanz. Und das in einer Zeit, in der sich rockigere Töne nicht immer so ganz leicht tun. Von Frauen sowieso nicht.

P!nk also singt sich nun schon eine ganze Weile in die Ohren und Herzen der Menschen. Sie tut das gerne etwas lauter. Das ist vielleicht nicht immer jedermanns Sache. Aber es macht gut Luft und baut Frust ab. P!nk scheint davon eine ganze Menge zu haben. Zum Beispiel geht es in ihrer aktuellen Single Try darum, dass sie irgendwie immer den Falschen erwischt. Zunächst mal sieht der smarte Mann im Video ganz nett aus. Aber Colt Prattes spielt bzw. tanzt hier ein richtiges Arschloch. Da ist nicht viel mit Zärtlichkeit und Zuneigung, da geht's eher um's eigene Ego und darum, den/die andere zu verletzen. Das ist im Falle von Try künstlerisch überhöht in eine Choreographie gegossen – könnte so in jedem zeitgenössischen Stück Tanztheater bestehen.

P!nk derweil kann sich aus diesem Beziehungsdrama nicht so recht lösen. Zumindest behauptet sie felsenfest, es wäre immer noch einen Versuch wert. So leicht stirbt es sich nicht. Da spielt P!nk also ganz doll die toughe Frau, die nichts umhaut, die immer wieder aufsteht. Das ist ja so ein bisschen auch der Grund, warum sie gern rumgezeigt wird und als Role Modell für die moderne Frau genannt wird. Ist nichts gegen einzuwenden. Warum eine starke Frau aber so wenig auf ihr Gefühlsleben achtet – das verstehe ich wirklich nicht. Nur weil ein Kerl gut aussieht, muss man's nicht immer wieder mit ihm versuchen. Da fänd' ich's besser P!nk hätte die Stärke und würde den Vogel in die Wüste schicken (was sie in anderen Songs ja auch schon mit Bravour gemacht hat).

Das Cover zum Song legt noch eine andere Interpretationslinie aus. Mit Maske vor den Augen ist die ganze vage umschriebene Nummer mit dem Verletzen und Verletzt-Werden mit viel Wohlwollen auch als Spiel zu lesen. Ein Spiel von Unterwerfung und Dominanz. Allerdings ändert das für mich nichts an dem, wie Menschen im Alltag funktionieren sollten. Wenn's da um Machtspiele geht isses einfach Sch.... – egal welche sexuellen Vorlieben ich habe.



Try ist also irgendwie nicht ganz so tough – kommt ja auch beinahe als Ballade daher. Es ist eine Art Abrechnung, aber irgendwie nur eine halbe. Für mich sieht das alles auch ein bisschen unfertig, unentschlossen aus. Dieses Gefühl habe ich durchaus häufiger bei P!nk. Kann natürlich auch total daran liegen, dass ich nicht die Zielgruppe bin. Männlich und mittlerweile auch nicht mehr der Jüngste – da sind die Maßstäbe vielleicht andere. Allemal konsequenter und sympathischer als Frau Gaga oder Madame Rihanna ist P!nk in jedem Fall.

MAROON 5 Feat. Wiz Khalifa: Payphone

Jetzt scheinen sich also MAROON 5 irgendwie doch noch zu einem Single-Hitlieferanten zu entwickeln. Im vergangenen Herbst war es Moves Like Jagger mit Christina Aguilera als Verstärkung. Nun ist es Payphone. Wieder mit Verstärkung, dieses Mal durch den Rapper Wiz Khalifa. Und wieder treibt es den Song zu ungeahnter Popularität.

Vielleicht sind es tatsächlich die Kollaborationen, die heutzutage einen Hit ausmachen? Zuvor waren Maroon 5 nämlich zwar keine Unbekannten, aber eher eine Band, die Alben in großen Stückzahlen absetzten. Mit den Tageshits hatten sie’s nicht so. 2004, da gab’s mal This Love, das dann auch unverdrossen zu Tode gedudelt wurde. Danach produzierten sie fleißig weiter, unbehelligt vom hysterischen Teenie-Single-Markt. Und dann erschien 2010 Hands All Over, ein Album das im Vergleich zu seinen Vorgängern nicht so richtig zünden wollte. Was immer es war, der zu bekannte Sound, die älter und träger werdende Fan-Crowd, irgendwas funktionierte nicht mehr. Und ausgerechnet von diesem Album koppelte die Band dann im letzten Jahr Moves Like Jagger aus, das alles davor Gewesene in den Schatten stellte. Es klang ja auch total anders als alles Andere zuvor von Maroon 5.

Nun steht das nächste Album an: Overexposed. Und die erste Auskopplung lässt sich wie gesagt ebenfalls sehr gut an. Obwohl der Titel für meine Begriffe weit hinter dem zurück bleibt, was Moves Like Jagger darstellte. Das ist gar nicht mehr überraschender Sound, eher sogar berechnender Pop-Rock. Ja, die Melodie ist dann irgendwann schon eingängig. Aber die Art wie Adam Levine singt erinnert wieder enorm an den romantisch leidenden Superhero mit harter Schale. Und so sieht ja auch das Video aus: spektakuläre Flucht aus einem Banküberfall, mit der angehimmelten Schönen an der Seite und dann wilde Verfolgungsjagd mit viel Polizeiaufgebot und sich überschlagenden Autos. Am Ende, der der Anfang ist, schleppt sich der geschundene Adam Levine (immer noch irgendwie heroisch-sexy aussehend) zum Telefonautomaten. Naja ...



Zur Bilderstory passt die Wahl des diesmaligen Partners: Wiz Khalifa hat sich außer mit seinem eigenen Black & Yellow im letzten Jahr mit ein paar Gastauftritten seine Sporen verdient. Zuletzt an der Seite von Snoop Dogg. Das Problem an diesen Aufnahmen war eigentlich nur, dass von dem vielversprechenden Solo-Auftritt gar nicht mehr viel übrig blieb. Das hätte dann jeweils auch ein beliebiger anderer Rapper hinlegen können. Und irgendwie ist das auch bei Payphone so. Schade!

Nun ja – Unverwechselbarkeit war offenbar ein Kriterium für Erfolg in anderen Zeiten. Mittlerweile reicht es eingängig zu sein und möglichst eben nicht zu viel aufzufallen. Die Mischung Poprock + Rap, die ist ja nun wirklich alles andere als neu. Also: macht das Autoradio an und ihr werdet Payphone hören. Bis es euch zu den Ohren wieder rauskommt.