Ed Sheeran: Galway Girl

Na gut, nach der historischen Chart-Invasion der Tracks von Ed Sheerans : (Divide)-Album, muss ich dann doch nochmal detaillierter auf den Liedermacher aus Großbritannien schauen. Denn das, was er da unter die Menschen geworfen hat ist nicht einfach nur noch eine Sammlung von Liedern, sondern da sind tatsächlich echte Hits darunter. Zum Beispiel Galway Girl.

Ironischerweise wird die Story kolportiert, dass die Plattenfirma genau diesen Song gar nicht so gern auf dem Album haben wollte. Und schon gar nicht als Single. Nun haben die Hörerinnen weltweit entschieden und zumindest in Europa ist Galway Girl der Nachfolgheit zu Shape Of You and Castle On The Hill.

Galway Girl ist eines von zwei irisch-beeinflussten Songs des Albums. Da Nancy Mulligan allerdings im Vergleich zu den anderen Liedern das Albums schwach performt, gehe ich davon aus, dass der Irish Flavour allein nicht für den Erfolg des Liedes verantwortlich ist. Für mich ist es vielmehr das rhythmisch-orientierte Arrangement, das mitreißt und überzeugt. Die Mehrheit der Songs auf : (Divide) sind ja eher still, etwas melancholisch, auf alle Fälle aber nachdenklich. Bei Galway Girl geht es dagegen zur Sache. Da wird getrunken, getanzt, geraucht und gelacht.

In dieser emotional aufgeputschten Stimmung kommen sich zwei näher, feiern zusammen, haben Spaß. Klar, dass so eine Nacht nicht einfach zu Ende gehen kann, man trinkt zu Hause noch eine Flasche Wein und verliebt sich. Emotionen und Momente, die man lange, vielleicht ein Leben lang, in seinen Erinnerungen behält. Von diesem Gefühl zehrt der Song. Und Ed Sheeran hat es vor allem mit seinem Text hervorragend geschafft, diese Momente einzufangen. Dass er obendrein zwischen Gesang und Rap-Part hin- und herwechselt als sei es das Selbstverständlichste der Welt, macht den Song überlebendig und gnadenlos schwungvoll. Selbst wenn ich irischen Fiddlersound eigentlich eher ablehne (zu viel Riverdance und Co.), hier kann ich mich nicht entziehen und feiere mit.

Leiderleider – und das muss ich hier dann doch auch noch loswerden – ist Galway Girl tatsächlich eher die Ausnahme auf dem Album. Nachdem vor zwei Wochen nahezu eine Hysterie um das neue Album ausgebrochen war, habe ich es mir natürlich auch reingezogen und war eher enttäuscht. So viel Familienseligkeit und Heimweh, Gitarrenliedermachersound und Retrospektive hatte ich nicht erwartet. Klar, das spiegelt derzeit besonders in Britannien grad das allgemeine Lebensgefühl wider: Wie war das doch schön, als die Welt noch überschaubar war und Gut und Böse klar voneinander getrennt... Und auch der Rest der Welt kennt diese Sehnsucht derzeit ausführlich. Lösungsangebote finde ich auf : (Divide) allerdings gar keine. Nicht mal Ansätze davon.

Und deshalb höre ich auch bei Galway Girl etwas genauer hin und entdecke: Tja, es ist also auch einem jungen Mann, wie Ed Sheeran noch wichtig, darauf hinzuweisen, dass eine Frau besser Dart spielen kann als ein Mann … Muss man jetzt nicht überbewerten, zeigt aber auch, dass es eben noch lange nicht selbstverständlich ist in einer modernen und aufgeschlossenen Welt zu leben. Die Kindheitsmuster stecken in uns allen noch tief drin und holen uns manchmal eben doch ein.

Naja, vielleicht ist es ja auch gut, nochmal am eigenen Leib zu spüren wie es "damals" war: zu Hause auf dem Land, in der Großfamilie, mit nur geringstem, persönlichen Freiraum und statt Internet die Akustikgitarre, auf der immer wieder die selben Weisen gespielt werden. Ich freu mich jetzt schon auf die Remixe zu : (Divide).

The Chainsmokers Ft. Daya: Don't Let Me Down

Manchmal tauchen Namen wie aus dem Nichts auf und sind plötzlich völlig der Hype – da weiß ich mitunter gar nicht: War das jetzt cleveres Marketing, oder haben die wirklich grad eine perfekte Schaffensphase. Zum Beispiel The Chainsmokers. Die haben vor zwei Jahren mit #Selfie ordentlich Furore gemacht – ist sogar so etwas wie ein mittlerer Hit geworden. Dann war doch längere Zeit Ruhe, aber dann tauchen sie seit drei vier Monaten wieder auf ... nicht einfach mit einem neuen Hit, sondern gleich mit zweien: Roses und Don't Let Me Down. Und beide stellen ihren internationalen Einstand erfolgsmäßig in den Schatten.

Die starke Präsenz hat sehr wahrscheinlich mit dem Wechsel der Plattenfirma vor gut einem Jahr zu tun. Disruptor Records – ihr neues zu Hause – kolaboriert eng mit Sony Music Enterteinment, da agiert also schon eine recht große Marketing-Maschine im Hintergrund. Und das dürfte einen guten Teil des neuen Erfolges der Chainsmokers ausmachen. Wenn man Musik nicht kennt, dann kann man sie auch nicht mögen – mehr Verfügbarkeit bedeutet auch mehr Chancen auf Verkauft-Werden. Einfaches Marketing 1x1.

Und wie ist das mit Sängerin Daya? Die 17-jährige taucht tatsächlich aus dem Nichts auf und erreicht Radiostationen und Charts nahezu gleichzeitig mit zwei Songs. Zumindest in Deutschland. Da spielt dann der Zufall oder die durchaus eigenwillige Veröffentlichungspolitik von Musiklabels eine Rolle, denn Hide Away ist schon seit Herbst 2015 auf dem US-amerikanischen Markt verfügbar. Aber erst, nachdem es sich dort als mittlerer Hit gut etablieren konnte, ist der Weg frei für den europäischen Markt. Im Jahr 2016 eigentlich völlig unverständlich, wo doch digitale Medien und globale Vernetzung eine simultane Verfügbarkeit garantieren und selbst koreanische No-Names in wenigen Tagen oder höchstens Wochen zu globalen Stars werden.

Warum dann vor allem Don't Let Me Down zum durchschlagenden Erfolg wird, hat sicher auch etwas mit kalkulierter Berechnung zu tun, denn verglichen mit #Selfie ist der Song ja geradezu unscheinbar artig. #Selfie war geradeaus, sarkastisch, lustig und böse. Musikalisch und inhaltlich ziemlich kompromisslos. Und hat genau deshalb ordentlich gefetzt und Spaß gemacht. Auch wenn das Ganze vielleicht nur ein Persiflage sein sollte. Hat funktioniert.

Bei Don't Let Me Down erkenne ich mit den ersten Akkorden die Chainsmokers erstmal gar nicht wieder. Gitarrenmäßige Einzeltöne als Hookline – was ist denn das? Eine Anbiederung an die Deephouse-Country-Pop-Bewegung der letzten Jahre? Gut, mit dem Refrain setzen auch ein paar Trap-Sounds ein, so dass ich zumindest erkenne: Die beiden Jungs haben ihr Zu Hause wirklich im elektronischen Clubbereich.

Zum Pop-Titel wird der Track ganz wesentlich auch durch Dayas Gesang. Der ist kraftvoll, stark, eindrucksvoll – auf jeden Fall, aber eben auch sehr nah dran am Stil von Rihanna oder SIA. Das funktioniert im Mainstream grad ziemlich gut – und Daya ist tatsächlich auch eine Vertreterin, die diese Art sehr überzeugend meistert ohne ins Rumgeschreie abzurutschen wie so manche ihrer Kolleginnen. Vielleicht liegt es daran, dass sie ihren Text in allen Facetten tatsächlich empfindet. Hier geht es nämlich nicht nur um das Flehen, nicht allein gelassen zu werden, oder um Verzweiflung, sondern auch um die Enttäuschung, das Wissen um den Absturz, die Niederlage ... am Ende also den Schmerz.

Das funktioniert im Zusammenspiel mit dem Geschredder der Chainsmokers ganz gut. Und auch in den liedhafteren Passagen weiß sich Daya ganz gut zu behaupten. Insofern ist die eigentliche Entdeckung dieses Songs die junge Sängerin, weshalb es sich lohnt, auch mal in ihre anderen Aufnahmen reinzuhören. Das meiste davon ist mit elektronischen Sounds angereichert, die ordentlich auf Dekonstruktion setzen – vielleicht hat sie ja irgendwann auch mal Lust, ähnliches mit ihrer Stimme auszuprobieren. Das könnte dann richtig aufregend werden.
Die eher schlagerhaft daherkommenden Remixe sind dagegen äußerst belanglos und tun auch ihrem Gesang nicht unbedingt einen Gefallen.

Für alle, die Musik vor allem über Videoplattformen wahrnehmen, lässt sich an Don't Let Me Down ein kleines Kuriosum beobachten. Während das offizielle Video mit den Original-Künstler*innen nicht allzu viele Einfälle zu bieten hat, versorgt uns das Lyrik-Video mit einer viel konsistenteren Story. Die dem Text eine mögliche Interpretation hinzufügt. Dagegen ist das magisch sich aufbäumende Auto nur ein sinnleerer visueller Trick, der nichtmal choreographisch die 3-Minuten des Songs lang trägt.

Die Ärzte: Schrei nach Liebe

Zu diesem Song und der Aktion Arschloch muss man nichts mehr sagen. Sogar die Washington Post hat darüber berichtet, dass 22 Jahre nach seiner Erstveröffentlichung der Anti-Nazi-Song Platz 1 der kommerziellen Singles-Charts in Deutschland erreicht. Man muss vermutlich auch nichts mehr darüber erzählen, wie bei Erstveröffentlichung die Plattenfirma Metronome zweifelte, ob es marketingtechnisch gut sei, diesen Song als ersten nach fünf Jahren Pause zu veröffentlichen ... Die Ärzte zeigten sich 1993 politisch und sind es 2015 genauso.

Spannend an der Aktion und deren Erfolg ist das, was sich als Effekt einstellt. Kaum beginnt die Welle der Download-Sympathie zu rollen und die ersten Medienberichte erscheinen, da zeigt sich die Politik in der Figur von Angela Merkel solidarisch und öffnet die Grenzen für in Ungarn wartende Flüchtlinge. Nicht unumstritten die Entscheidung, politisches Getöse vor allem aus Bayern, aber auch Überraschung und leichte Nachahmereffekte in Westeuropa.

Und innerhalb weniger Tage dreht sich auch im Medien- und Pop-Business die Stimmung radikal. Während es bis vor gut zwei Wochen nur wenige Ausnahmen waren, die sich eindeutig gegen Fremdenhass einsetzten – Roland Kaiser zum Beispiel in Dresden im Januar, Til Schweiger im Sommer – ist es jetzt schick und schon fast ein Muss, sich Anti-Nazi-Pro-Flüchtling zu positionieren. Joko & Klaas tun es genauso wie die nicht ganz einfache und früher durchaus mit Rechts liebäugelnde Band Frei.Wild. Ohne an dieser Stelle behaupten zu wollen, dass die Ärzte bzw. der Musiklehrer Gerhard Torges die Auslöser für diese öffentliche Solidaritätswelle waren – das waren Sie keineswegs - aber der massenweise Erfolg steht nunmehr als Zeichen für ganz viele andere Aktionen und Künstler*innen. Und irgendwie auch für ein politisches Deutschland. Eines, dass sich positioniert, sogar wenn es nicht ganz einfach ist und vielleicht auch das eine oder andere Problem ergibt.

Dass ein politisches Ereignis einen Nr.1-Hit fabriziert, das gab es zwar schonmal, aber auch nicht allzu oft. Enya mit Only Time war nach den Anschlägen vom 11. September 2001 der Titel, auf den sich alle einigen konnten. Und 1990 waren es die Scorpions mit Wind of Change, die eine politische Umwälzung an die Spitze der Hitparaden brachte. Na gut, im Dezember 2014 gab es auch Band Aid 30 und es gibt sicher noch einszweidrei andere Beispiel – Alltag ist es aber auf gar keinen Fall.

Im Gegenteil hatte sich gerade in den 2000ern eine unglaublich apolitische Feier- und Genusshaltung im Popbusiness durchgesetzt. Gesellschaftliche Themen oder überhaupt nur ein Interesse an irgend einem sozialen Fakt war viele Jahre fast schon No Go. Luxus, Drogen, Selbstverliebtheit, Katzenbilder und Blingbling – das war der Nenner auf den sich die erfolgreichen Acts und Produzenten verständigten. Erst in den vergangenen dreivier Jahren gab es wieder vereinzelte Anzeichen dafür, dass auch tiefgründigere Äußerungen ein größeres Publikum erreichen können.

Nun also ist diese Haltung sogar Nummer 1, damit irgendwie auch Konsens, natürlich mit all den Pop- und Verwässerungseffekten, die mit so einer Massenbewegung einhergehen. Wie offen und hilfsbereit sind all die Menschen, die den Song gerade kaufen. Würden Sie für die Unterstützung von flüchtenden Menschen auch auf einen Teil ihres Luxus verzichten? Und wenn es dann nicht nur die Kriegstraumatisierten sind, die nach Deutschland kommen, sondern vielleicht doch auch einige, die eher vor Armut und Hunger fliehen...?

Trotzdem: Irgendwie find ich diese Renaissance von Schrei nach Liebe nicht verkehrt. Sie macht mich sogar ein bisschen glücklich. Es gibt noch Anteilnahme und Solidarität. Die ewigen Schwarzseher haben nicht recht. Wahrscheinlich wird diese ungewöhnlich deutliche politische und gesellschaftsbewusste Haltung kein Dauerphänomen sein. Aber vielleicht wenigstens für ein paar Wochen. Das wär ja schonmal was.

CRO: Traum

Da ist er wieder. Zurück aus dem Studio. Und löst eine Aufregung aus, die locker mit dem mithält, was sonst nur privatfernsehgemachte Castingstars verursachen.

CRO ist der Mann, auf den sich die Medien genauso wie die Fans einigen können. Seine Single Traum, die sein kommendes Album Melodie ankündigen sollte, hatte bereits in der Promo-Phase bei den Radios einen derartigen Erfolg, dass die Veröffentlichung des Songs um drei Wochen vorgezogen wurde. Und natürlich schlägt das Ding sensationell ein. Ohne Video. Und ohne weit verbreitete Möglichkeit, den Song schonmal per Stream vorzuhören.

Das ist dann natürlich auch ein Weg, den Absatz anzukurbeln: Einfach alles dicht machen, was bedeuten könnte, hier kann ich mal kostenlos reinhören ... vielleicht auch mehrmals ... Da war CRO zu Anfangszeiten noch komplett gegenteilig drauf. – Aber das ist natürlich nicht der Hauptgrund für die Beliebtheit, das haben zahlreiche gut download-gesperrte und -bewachte Flops schon eindrücklich bewiesen.

CRO schafft es einfach sehr genau, die Stimmung und die Sprache der Jugend zu treffen. Das ist ein bisschen schnoddrig und egal. Das ist gern auch ein bisschen kitschig und romantisch. Aber es ist vor allem immer er selbst. Seine Geschichte, seine Art sich auszudrücken, seine Träume. Das sind dann eben auch die Träume von vielen andern. Natürlich gehört dazu so etwas Banales wie Geld auf der Bank, Schönheit und ein halbwegs kluger Kopf. Im Gegensatz zu den derzeit auch ordentlich erfolgreichen Schwanzvergleich-Battle-und-Gangsta-Rappern hat CRO es aber gar nicht nötig, sich permanent als den Schönsten, Coolsten und Besten zu inszenieren. Klar liegt diese Haltung zwar unter ganz vielen seiner Texte, aber explizit an den Kopf geworfen krieg’ ich das von ihm seltener. – CRO verlässt sich also lieber drauf, dass er all das IST und kann sich deshalb sogar mal leisten zu fragen, wie er denn seine Angebetete überhaupt erreichen kann. Das muss man erstmal so hinkriegen.

Und das macht den Pop-Rapper dann am Ende auch einen, der so ist wie viele. Er ist eine Identifikationsfigur. Und eine coole dazu, die es ordentlich weit gebracht hat. - Dass er dann immer noch mit Panda-Maske auftritt und seine Identität nicht preis geben möchte, das macht ihn bei aller Albernheit des Ganzen dann doch gleich noch mehr sympathisch. Es geht gar nicht darum, wer unter der Maske steckt. Es geht um das Gefühl, um die Texte, um die Musik.

Fazit: Kollegah hat zwar grad’ alle möglichen Rekorde gebrochen – aber CRO könnte da gut und gern in wenigen Wochen nachziehen. Mal schauen, wer am Ende der King ist.

George Ezra: Budapest

Das ist nun also die Stimme des Jahres. Zumindest wenn man den Pressemeldungen glaubt. Und der BBC. Obwohl die George Ezra ja Anfang des Jahres nur auf Platz 5 der heißen Empfehlungen für 2014 hatte. Wie auch immer, jetzt ist der Typ angekommen in Kontinentaleuropa und feiert euphorische Erfolge. In diesem Fall hat auch die Plattenfirma alles richtig gemacht und genau zum Zeitpunkt der größten Nachfrage die CD-Version seines Titels Budapest veröffentlicht.

Beim ersten Hören ist schnell die Schublade auf: Ok – noch so einer von der Sorte Passenger, Milow, James Blunt ... Der einzige Unterschied: dieser hier ist wirklich noch ganz jung. Die nächste Generation also. Und das ist dann tatsächlich auch ein Unterschied. Denn da wo sich die gestandenen Singer Songwriter doch mehr und mehr in romantischem Selbstmitleid und Weltschmerz ergehen und verstricken, da erzählt uns George Ezra lieber von der Einfachheit des Glücks. Er braucht keine Schlösser in Budapest oder Ländereien oder Kunstsammlungen. Er braucht eine Gitarre, ein paar Claps und einen Menschen für den er singt. Das ist doch mal eine Aussage. Obendrein eine, die in dieser Deutlichkeit seit Macklemore & Ryan Lewis niemand weiter in den Mainstream-Erfolg gebracht hat. Da ließe sich hier jetzt schön der Herr Ezra hochstylisieren zum neuen Superhelden der Konsumverweigerung. Das ist ja quasi Kapitalismuskritik pur …

Kann man natürlich auch sein lassen.

Trotzdem bleibt es beeindruckend mit welcher Konsequenz – oder nenn’ ich hier lieber den abgenutzten Begriff Ehrlichkeit? – wie auch immer, beeindruckend ist, dass George Ezra hier nicht einfach ein eingängiges Lied singt mit einem poetischen Text, der alle möglichen Deutungstüren offen lässt. Das, was er hier von sich gibt ist vermutlich seine innerste Überzeugung. Er kann auf all die Luxusfaxen verzichten. Sein Leben ist wertvoll durch Gemeinschaft.

Warum ich glaube, dass George Ezra hier mit ganzem Herzen dabei ist? Weil er sich – anders als andere Stars in seiner Sparte (siehe oben) ganz einfach und zurückgenommen inszenieren lässt. Er ist nicht der Outlaw-Held, der auf die ganze Gesellschaft scheißt, er ist auch nicht der unverstandene Vollblut-Musiker, der auf der Bühne sich entäußert. Sei es im minimalistischen Stripped-Down-Video welches auf MTV zu finden ist und nur den Sänger vor farbig wechselndem Hintergrund zeigt oder sei es in der hübschen Version, welche auf VEVO angeboten wird und selbst in der kunstvollen Inszenierung zurückhaltend schön ist: George Ezra ist ist einfach ein ganz durchschnittlicher Normcore-Junge. Und das durchaus positiv.



Nun muss man natürlich dazu sagen, dass George Ezra mit seinem Jungengesicht auch sofort jeden Zweifel hinwegfegt, dass hier irgendetwas nicht authentisch an ihm und seinem Song sein könnte. Vielleicht ist das alles ja aber trotzdem wohlwissend eingesetzt …?

Egal. Zur Romantik – und das verkörpert George Ezra ja auch – gehört eben auch, dass man sich ein bisschen was vormacht und nicht immer alles dekonstruiert.

Bevor ich hier die Kiste zu mache und mich vor lauter Erstaunen über so viel uneitle Bescheidenheit noch in Verzückung schreibe, werfe ich mal noch einen Blick auf die Chartstatistiken seines Titels Budapest. Und da fällt etwas Sonderbares auf: Budapest schafft es in den deutschsprachigen und in den Benelux-Ländern bis ganz nach vorn – die Menschen lassen sich in Massen von ihm vereinnahmen und begeistern, in seiner Heimat und in Irland, da reicht es gerade mal für Positionen im Mittelfeld. Wie kommt denn das? Ist Budapest für die Inseln zu weit weg? Ist der britische Musikmarkt dann doch eher was für komplett durchgestylte und auf Glamour setzende Acts? Natürlichkeit ja – aber nur wenn es drumrum ordentlich technisch zur Sache geht. So wie es John Newman und James Arthur zelebrieren.

Und in Deutschland hat man grad die teutonisch stampfende Eurodance-Nummern satt, steht deshalb auf eher sanft weichspülende Nummern, die von echten Menschen kommen?

Wenn man sich mal die großen Hits der letzten Monate anschaut, dann steht zumindest in Deutschland tatsächlich recht häufig der plakativ bodenständige (naturverbundene) Sound in der Liste. Gern auch modern aufgehübscht mit Deep House-Rhythmus (Mr. Probz, Klingande oder Milky Chance) oder dann doch auch Dance-Beats (AVICII) – in Großbritannien dagegen ist es auffallend oft der reine Dancefloor-Sound, der allerdings um einiges vielfältiger in den einzelnen Tracks variiert wird als es in Deutschland der Fall ist. Offenbar existieren hier doch recht verschiedene gesellschaftliche Realitäten. Oder eben verschiedene Wege mit Realitäten im Jahr 2014 umzugehen.

Deutschland – so viel lässt sich problemlos konstatieren – sehnt sich in der Mehrheit nach mehr Einfachheit. Vielleicht auch Übersichtlichkeit. Womit wir auch schon wieder beim Erfolg des simplen Schlagers wären. Da können wir froh sein, dass es solche Menschen wie George Ezra gibt, die uns zeigen, dass Einfachheit nicht generell blöd sein muss.

Clean Bandit Featuring Jess Glyne: Rather Be

Die Pop-Sensation dieses Winters waren Clean Bandit. Zumindest in Großbritannien. Dort landete Rather Be recht überraschend und sehr direkt auf der Nummer 1. Vorbestellungsrekord für eine Single, meiste Tags und Streams … das waren die Schlagzeilen Anfang Februar. In Deutschland brauchte der Titel etwas länger, was auch der nach wie vor beknackten Videoveröffentlichungspolitik des Warner Music-Labels angelastet werden kann. So einfach kommt man an das Video nämlich nicht ran. Und wenn man es dann mal gefunden hat, dann ist es nicht unbedingt möglich, dieses auch problemlos irgendwo einzubinden.

Also ging’s erstmal eher verhalten los mit dem Erfolg. Dann fand der Song seinen Weg doch immer wieder mal ins Fernsehen, als hübscher Soundtrack zur Olympia-Berichterstattung zum Beispiel. Und wie so oft, wenn smarte TV-Redakteure etwas als gut auswählen und geschickt einsetzen, wurde Rather Be allmählich zum Ohrwurm. Sehr wahrscheinlich ist, dass der TV-Einsatz das Label auch ein bisschen was gekostet hat, alles in allem also ein zumindest in Deutschland professionell durchgesetzter Hit. Aber mal zur eigentlichen Musik.

Als ich den Song das erste Mal hörte, da fragte ich mich schon, was denn nun genau so sensationell an der Produktion sein sollte. Etwas sperrig fand ich das Ganze zudem: hübsche Melodie ja, Glöckchensound und Violinen – auch ok, aber irgendwie arg zusammengezimmert kam’s mir vor. Vielleicht liegt es daran, dass mit dem was Brandt Brauer Frick samt Ensemble machen, die Latte für die Verschmelzung von Klassik und Pop doch schon recht hoch liegt. Da werden elektronische Produktionsstrukturen analog nachgestellt, da wird der Drum-Computer in den Konzertsaal gestellt und nicht selten gibt es Ausflüge in den Jazz. Das Ganze ist derartig organisch und selbstverständlich, als hätte es nie die verschiedenen Musiktraditionen und –entwicklungen gegeben.

Clean Bandit sind da etwas weniger konsequent. Sie fügen klassische Elemente, wie Kompositionsausschnitte oder Violinen-/Cello-Besetzungen in Popsongs ein. Das hat durchaus noch innovatives Potenzial ist aber im Grundansatz auch schon 100 mal durchgespielt worden. Immerhin wagt sich die Band etwas Sperrigkeit. Dass ein Poptitel recht unverfälscht mit einem halbminütigen Violinenstück beginnt, ist nicht unbedingt förderlich für den durchschlagenden Massenerfolg. So ist es für mich auch nicht verwunderlich, dass es vor allem Rather Be an die Spitze der europäischen Verkaufshitparaden schafft. A&E oder auch Mozart’s House waren allerhöchstens Wegbereiter, obwohl sie im Grundansatz nichts anderes machten.


A&E – Mozart’s House


Rather Be

Wenn sich Clean Bandits jetzt noch trauen, etwas tiefer in die Songstrukturen einzugreifen, die heutige Popsongs in der Regel aufweisen, dann könnten sie tatsächlich zu so etwas wie den Erneuerern des Pop avancieren. Aber das wird sicher eine steiniger Weg.

Emeli Sandé: Read All About It Pt. III

Emeli Sandé, vor gut einem Jahr allerhöchstens ein Geheimtipp, ist plötzlich zum Star geworden. Das ist in diesem Jahr auch schon anderen passiert. Lykke Li zum Beispiel, um mal das jüngste und wohl auch populärste Beispiel des Jahres 2012 zu nennen. Anders als bei Lykke Li aber, hat der Erfolg von Emeli Sandé jedoch auch Auswirkungen darauf, wie sie wahrgenommen wird.

Ich kann mich noch ganz gut erinnern. Zunächst tauchte Emeli Sandé als Gastsängerin auf den Veröffentlichungen von Rap- und Grime-Stars auf wie Chipmunk, Wiley oder auch Professor Green. Das waren 2008 bis 2010 die heißen Acts in Britannien und allesamt auch kommerziell erfolgreich. In Deutschland hat sich Grime sonderbarerweise nie auch nur ansatzweise durchgesetzt. Demzufolge blieb auch so eine Stimme wie die von Emeli Sandé nahezu ungehört. Ihr Solo-Debüt Heaven war dann in ihrer Heimat so etwas wie ein verspäteter Sommerhit und für allerlei Marktbeobachter der absolute Geheimtipp. Der Song war cool – verband er doch Retro-Drum’n’Bass-Elemente mit funky Bläsern und soul-geschwängerten Gesängen. Diese Fusion ließ sich ganz gut als Fortsetzung der 90er im Jetzt beschreiben.



In Deutschland war diese Mixtur vor einem Jahr eindeutig zu weit weg, zu unattraktiv. Emeli Sandé brauchte erst das sehr auf Mainstream gebürstete Next To Me, um sich hierzulande zumindest mal vorzustellen.

Und dann kamen die Olympischen Spiele 2012 in London. Emeli Sandé war – als die britische Newcomerin des Moments – eine der Main-Acts während der Eröffnungs- und Abschlussshow. Und damit wurde sie von einem Millionenpublikum wahrgenommen. Ihr Auftritt zur Eröffnung mit Abide With Me war vielleicht einer der ergreifendsten Momente des Spektakels. Vermarktet wurde dann jedoch ihre Version von Read All About It, das während der Übertragung mit sehr emotionalen Szenen der Spiele bebildert wurde und so offenbar eine Menge Menschen anrührte. hier gehts zum offiziellen Mitschnitt

In einer Reihe von Ländern wurde der Titel daraufhin als Single vermarktet, in Deutschland gibt es meines Wissens bis heute das Ganze nur als Albumtrack in digitaler Form. Umso erstaunlicher ist die Tatsache, wie sich der Titel mehr und mehr durchsetzt. Beständig steigt die Nachfrage, so dass media control den Titel mittlerweile sogar in den deutschen Top 10 meldet. Nochmal: als offizielle Single hab ich ihn hierzulande noch nicht gefunden. Und die Radiostationen halten sich insgesamt auch eher bedeckt. Das entspricht ziemlich genau dem Verfahren wie es beim erstmaligen Erscheinen des Titels vor etwa einem Jahr zu erleben war. Damals diente die Aufnahme als Background für Professor Greens Rap.



Was die Industrie so schön verschläft, das ist beim Publikum schon lange ein Standard. Mittlerweile gehören Songs von Emeli Sandé zum Repertoire bei Castingshow-Kandidaten. Und damit beginnt das eigentliche Dilemma der Künstlerin. Ohne jemals wirklich eine Chance gehabt zu haben, sich als ernstzunehmende Interpretin zu etablieren, landet sie jetzt in der Wühl- und Grabbelkiste des Teenie-Mainstreams. Und plötzlich klingt ihr Heaven gar nicht mehr faszinierend oder spannend. Plötzlich höre ich einen auf Eingängigkeit getrimmten Refrain, ich höre wohlgefälligen Gesang und emotional-duselige Streicher.

Kann es sein, dass wir viel weniger die wirklichen Töne hören, sondern immer schon mit einer vorgeprägten Meinung an Musik herangehen? Im Fall von Emeli Sandé kann ich mir den zu beobachtenden Effekt nicht anders erklären. So schnell kann sich Musikerfahrung doch nicht ändern.

Read All About It (Pt. III) hat vielleicht ein wenig mehr Glück, denn die pure Akustik-Version, in der es gerade kursiert, schaltet den Verdacht auf marktkonformes Anbiedern nahezu automatisch aus. Wenn da nicht gerade eine auffällige, allgemeine Lust an reduzierten Songinterpretationen zu beobachten wäre …

PSY 싸이: Gangnam Style 강남스타일

Klar muss auch dieses Ding hier durch den Reißwolf. Aber das ist gar nicht einfach, denn eigentlich ist in den letzten Monaten tatsächlich schon alles geschrieben worden. Was bleibt zu sagen?

Vielleicht, dass Korea auch in Westeuropa als Land der Kulturproduktion wahrgenommen werden könnte. Immerhin ist PSY nach dem Pianisten YIRUMA nun schon der zweite Musiker ist, der es innerhalb eines Jahres zu einer breiten Wahrnehmung hierzulande schafft. Und vorher? Da war mal im Jahr 1988 ein Projekt namens KOREANA, das es anlässlich der Olympischen Sommerspiele und einem Auftritt bei der Eröffnungsveranstaltung mit Hand In Hand zu einem internationalen Nummer 1-Hit brachte. Aber das war’s auch schon. Zu fremd und zu wenig westeuropäisch-nordamerikanisch durchproduziert das Ganze. Aber das ist längst Geschichte. Gangnam Style ist im Prinzip nichts Anderes als die Fortsetzung von LMFAO. Es ist genauso bunt, genauso laut und schrill und genauso ironisch wie Sexy And I Know It oder Party Rock Anthem.




Bezeichnend ist, dass Gangnam Style an Popularität sämtliche LMFAO-Produktionen zumindest hierzulande bei Weitem übertrifft. Wahrscheinlich ist PSY dann doch noch eine Winzigkeit konsequenter. Oder eben auch zu einem Zeitpunkt gekommen, an dem vom Prinzip alle mit der Mischung aus Brutaltanzsound und ironischer Brechung etwas anfangen können. Angesichts der Auflösung/Trennung von LMFAO wage ich auch zu fragen, ob der Erfolg von Gangnam Style nicht auch den absoluten Zenit dieser Richtung darstellt. Sicher wird es noch eine ganze Menge an ähnlichen Produktionen geben, sicher auch mit Erfolg, aber das Genre ist damit vermutlich durch.

Ob koreanische Produktionen mit dem Über-Erfolg von Gangnam Style weltweit weiter an Bedeutung gewinnen werden, finde ich weniger klar. Kann sehr gut sein, oder genauer: Es ist sogar sehr wahrscheinlich, dass PSY hierzulande als Eintagsfliege durchgeht. Riesenpopularität mit diesem einen Hit und danach Nichts mehr. Was das mit anderen Kulturgütern aus Korea anstellt, wird sich zeigen. Im asiatischen Raum ist K-Pop (가요) und K-Film eine ganz feste Größe. Anfang des Jahrtausends wurde in China eine sogenannte Koreanische Welle (한류) diagnostiziert, die mehr und mehr auch auf Japan, Vietnam, die Philippinen und sogar den Iran übergriff. Nordamerika war der nächste Kontinent, der erobert wurde. Zwar fristen koreanische Produktionen nach wie vor eher ein Nischendasein, aber zumindest im Filmgeschäft tauchen doch mehr und mehr koreanische Schauspieler in prominenten Rollen auf. An dieser Stelle nenne ich nur mal Yunjin Kim (김윤진) und Daniel Dae Kim (김대현), die als Hauptcast der Serie LOST sehr präsent waren. Und auch hierzulande lohnt sich ein Gang in die wohlgeordnete Videothek. Sollte Korea nicht sogar ein eigenes Regal haben, koreanische Filme finden sich mit Sicherheit en masse in den Regalen.

Gangnam Style ist also die Spitze der koreanischen Welle, die nun bis nach Mitteleuropa schwappt. Und was hinzu kommt, die Geschwindigkeit mit der dieser Hit uns hier erreicht hat neue Dimensionen. Im Juli wurde er erst in Korea veröffentlicht, im August war er bereits in den USA angekommen und landete im September in Europa um sogar in Deutschland noch vor Veröffentlichung auf CD die Nummer 1 der offiziellen Verkaufscharts zu werden. Was für einen nur digital erschienenen Titel in Deutschland immer noch eine ordentliche Leistung ist. Beschleuniger in diesem Fall natürlich mal wieder die Möglichkeiten des Internet. Das äußerst debile Video fand nämlich nicht nur Gefallen sondern besonders in Nordamerika eine ganze Reihe von Nachahmern. Klar waren es auch solche Show-Größen wie Katy Perry oder Britney Spears, die im Mainstream TV nochmal Aufmerksamkeit auf den Tanz lenkten. Aber zuvor hatten es bereits zahllose Fans (und Hasser) zu einem Muss innerhalb der Videoportale gemacht. Zwei meiner Favoriten könnt ihr hier anschauen:



Das macht natürlich unglaublich Spaß – egal ob Parodie oder simple Nachahmung. Und ich behaupte mal, jedes weitere Video, dass da erschien hat dazu geführt, auch dem Original ein paar Zuschauer mehr zuzuspielen. Konsequenterweise hat PSY dann auch schon recht bald das strenge Copyright frei gegeben – jede Parodie, jede Coverversion ist also legal. Offensichtlich versteht man in Korea eine Menge von moderner und aktueller Popkultur. Denn wie sonst, wenn nicht durch Kopie soll sich ein Titel so rasant verbreiten?

Nun leben wir in Deutschland in einem Land mit einer anderen Kulturtradition. Und hier wird bekanntermaßen sehr sehr viel Wert auf das traditionelle Urheberrecht gelegt. Welches besagt, dass nur der Künstler/die Künstlerin selbst entscheiden darf, was wie mit ihrem/seinem Werk geschieht. Man darf eben nicht einfach Gangnam Style nachdrehen, sondern muss vorher zumindest fragen. Und da in der ziemlich unübersichtlichen Massenkultur der Kontakt zu den Produzierenden recht schwer ist, verwalten immer mehr Institutionen und Verlage/Labels solche Urheberrechte. Und da geht es nicht immer darum, was das Beste für ein Stück Musik ist, sondern es geht eher um Macht (und irgendwie auch um Geld, wobei ich hier mal behaupte, dass die momentanen Aktionen den Labels nicht ein Mehr an Geld bringen, sondern eher verhindern, dass noch mehr Menschen auf ihre Produkte aufmerksam werden.) In Deutschland geschieht das auf ziemlich rabiate Art. Die GEMA sorgt zum Beispiel gerade dafür, dass möglichst viele Gangnam-Videos auf der Plattform youtube gesperrt werden. Das entspricht überhaupt nicht dem Willen des Künstlers selber, aber irgendein Label wird es gut finden. Zeigt sich einmal mehr, dass die entscheidenden Menschen hierzulande nichts mit populärer Kultur anzufangen wissen. Nicht mal in ihrem eigenen Interesse. Ich würde sagen, dass es so wenige deutsche Parodien gibt, liegt auch an der fast schon durchgesetzten Erziehung: Kopieren ist böse!

Bleibt letztendlich nur noch festzustellen: einen solchen Welt-Hit wie Gangnam Style wird es aus Deutschland wohl in nächster Zukunft nicht geben. (Am Beispiel von Lenas Satellite haben wir das ja vor Kurzem erst ganz gut durchexerziert – möglichst stark beschränkter Zugang hat eben auch dafür gesprgt, dassdieser tolle Song außerhalb Deutschlands nur mäßig einschlug.)

Taio Cruz: World In Our Hands

Was macht diesen Mann eigentlich so erfolgreich? Und hier meine ich erfolgreich im ganz schnöden kommerziellen Sinne. Seit zwei Jahren wird er in Deutschland vermarktet, neun Singles hat er in dieser Zeit veröffentlicht, acht davon gingen in die Top 10 der deutschen Verkaufscharts. Was genau macht alle so verrückt nach ihm?

OK, das ist ein ordentlich glatt gebügelter Typ. Mama wäre froh den als Schwiegersohn in ihrem Haus zu haben. Allerdings sind Schwiegermütter nicht unbedingt die Hauptkäufer von Musikprodukten. Eher sind’s die Töchter zwischen 12 und 18. Und die finden Taio Cruz ultimativ cool?

Als ich World In Our Hands zum allerersten Mal gehört habe, war ich sofort genervt. Eine öde Hymne mit “Oho-hoho-ho-ho”-Refrain. Bombastisch aufgeblasener Sound und Dance-Fanfaren als Signal. Laaaangweilig!
Als der Titel dann in einer 5 s-Variante permanent durch die Olympia-Berichterstattung des ZDF waberte, hat sich genau diese Hookline auch in meinem Kopf festgesetzt. Der Sound ist nicht besser – nein – aber er ist durch ständige Wiederholung in mein Hirn implantiert. Ich könnte das auch psychologische Kriegsführung nennen.



Und so wie mir geht es natürlich tausenden anderen Fernsehzuschauern auch. World In Our Hands mausert sich also zum Hit. Das ist nun nichts Besonderes. Wie schon erwähnt, Taio Cruz hat in den vergangenen zwei Jahren schon eine ganze Menge an Hits abgesetzt. Neu ist, dass World In Our Hands diesmal die gesamte Familie erreicht. Bisher waren die Reaktionen eher so: Taio wer? – Jetzt dürfte auch der letzte Familienvater wissen: Taio Cruz, das war doch der mit dem Olympiahit. Mittlerweile wird der Popstar ja sogar nach Usedom geflogen, um dort für den Familiensender ZDF aufzutreten. Nun kann man den Auftritt albern finden oder mäßig in Szene gesetzt. Künstlerisch nicht besonders wertvoll. Wenn dann die Kamera übers Publikum schwenkt, dann wird die ganze Tragik des Sängers klar. Komplette Familien von Kleinkind bis Oma stehen von ihren Sitzen auf und klatschen mit. Das ist jetzt wirklich nur noch zwei Stufen entfernt vom Auftritt im Einkaufspark oder zur Autohaus-Eröffnung.

Wahrscheinlich wollte Taio Cruz ja niemals die ältere Generation erschrecken. Oder irgendwie rebellieren. Seine Version von Freiheit besteht im endlosen Durchfeiern, eindeutig vorgeführt mit Hangover. Vielleicht lässt sich ja auch trotz drittklassiger Auftrittsmöglichkeiten ein Leben mit Champagner und schnellem Auto führen. Sehr wahrscheinlich braucht man genau dann auch die Flucht in’s völlig sinnfreie Vergnügen. Da wird Herr Cruz irgendwie mit sich selbst klar kommen müssen. Aber wer nicht viel will, der hat vermutlich auch keine Probleme, von anderen verramscht zu werden.

Und da sind wir bei einem Thema, welches bei Taio Cruz ziemlich auffällig ist. Die Art, wie er von seinem Label vermarktet wird. Im Dezember 2011 erschien im deutschsprachigen Raum sein Album TY.O. Ich würde sagen mit mäßigem Erfolg. Platz 28 in Deutschland, Platz 36 in Österreich, Platz 15 in der Schweiz. In den wichtigen Märkten Großbritannien und USA dagegen wird als Veröffentlichungstermin Dezmber 2012 genannt. Warum denn das? Deutschland als Testmarkt?

Abstrus auch, dass World In Our Hands nur in Deutschland als Single erschien. Wahrscheinlich auf Betreiben des ZDF. Das dann auch gleich mal die komplette Promotion übernimmt. Woanders als dort im Sender ist der Titel nämlich nicht zu finden. Ein Video gibt es zwar, aber erhältlich nur auf dubiosen Kanälen. Jedenfalls veröffentlichte UNIVERSAL nicht mal auf der Künstler-Homepage entsprechendes Material. Was probiert das Label hier eigentlich aus? Ob es auch ohne youtube und Konsorten Hits produzieren kann? – Vereinzelt: Ja. World In Our Hands ist der Beweis. Musikmanager und –promoter werden das Beispiel künftig fleißig hervor zerren, wenns drum geht Videoplattformen weitere Fesseln anzulegen. Ich fürchte allerdings, dass die breite Vielfalt von solchen Aktionen weniger profitiert. Wieviel Olympia-Songs lassen sich in Dauerrotation einsetzen? Und wird dann künftig jeder Hit nur noch mit einem Ereignis verbunden sein?

Für mich ist das eine ziemlich gruselige Version. Musik ist nichts anderes mehr, als ein Promotion-Tool. Ein paar Manager entscheiden, was ich gut zu finden habe. Und alle machen mit. Ich weiß natürlich nicht, wie ihr tickt. Mich nervt das ordentlich. Und deshalb ruf ich an dieser Stelle auf: Kids, lasst euch nicht verarschen! Und lasst euch nicht erzählen, wie es zu sein habt! Ihr habt selber einen Kopf und selber Ohren. Hört und kauft das, was euch wirklich gefällt! Meinetwegen auch Taio Cruz.

Carly Rae Jepsen: Call Me Maybe

Als Superstar ermittelt zu werden heißt nicht unbedingt auch tatsächlich zum Popstar zu werden. Zumindest musste das Brian Melo erfahren, als er vor fünf Jahren die kanadische Version von Idols (entspricht so ziemlich dem, was hier DSDS heißt) für sich entschied. Nach einem Hit (Platz 11 in den kanadischen Charts) und einer nachgeschobenen Single war es dann schon fast aus für ihn. Das heisst, er produziert und singt weiterhin, nur eben der versprochene Erfolg, das Vergöttert Werden, das stellte sich nicht recht ein.

Nun ist in Kanada generell die Hysterie um Casting Formate wesentlich geringer als hierzulande oder in Britannien. Nach der sechsten Staffel im Jahr 2008 wurde die Show sogar abgesetzt. Richtig bitter dürfte es für den Gewinner aber sein, dass die damals Drittplatzierte nun zum internationalen Pop-Sternchen geworden ist. Carly Rae Jepsen hat nämlich im vergangenen halben Jahr mit ihrem Titel Call Me Maybe die USA, Neuseeland, Britannien und nunmehr auch Europa überzeugt. In Deutschland erschien die CD zwar irgendwie erst ein paar Wochen verspätet – oder vielleicht waren es in den anderen Ländern auch nur die Digitalkäufe, die den frühen Charteintritt bewirkten – aber nun ist der Titel da angekommen, wo er sich auch in allen anderen Ländern befindet. In allen Ohren und in allen Hitparaden. Nur beim Radio-Airplay läufts noch nicht so richtig gut, was enorm seltsam ist, denn einen geeigneteren Radiosong als Call Me Maybe gibt es doch eigentlich gar nicht.

Und damit wären wir auch schon beim Problem des Titels. Ja, das ist schon ordentlich eingänger Pop, eine nette Geschichte und auch ganz schön instrumentiert. Der Einsatz der Streicher ist zwar nicht explizit aufregend neu, aber im Brei der elektronisch überproduzierten Bass-und-Dance-Hits doch schon richtig angenehm. Im Radio klingt er allerdings zwischen den größten Hits aus den 80ern und 90ern und natürlich von heute dann doch ein klein wenig farblos. Oder anders gesagt: was genau macht den Titel eigentlich zu einem aus dem jahr 2012?



So wie der Sound ist auch die Geschichte schöner und einfacher Pop. Nicht mehr, nicht weniger. Carly ist angetan von einem Jungen/Mann und kann kaum an sich halten, als sie endlich ihre Telefonnummer an ihn los wird. Natürlich heißt es erstmal vorsichtig “Ruf mich an, wenn du magst”. Realität für Teens und Twens – immer wieder aufregend, immer wieder auch mehr oder weniger lustig (zumindest wenn man sich 15 Jahre später daran erinnert wie kompliziert man sich das immer gemacht hat). Normalität in ein hübsches Liedchen gepackt.

Das Video inszeniert das Ganze dann allerdings wirklich clever. Von Beginn an ist die Story mit einem Schmunzeln gedreht. Carly Rae Jepsen ist sich auch nicht zu schade die Autowaschnummer zu drehen, zu verulken und trotzdem nicht völlig zum Clown zu werden. Das ist schon eine schöne Leistung. Wenn am Ende, der von ihr angebetete hübsche Junge von nebenan seine Nummer dem Gitarristen ihrer Band gibt, dann ist klar, das wir uns im Jahr 2012 befinden. Ich würd sagen, vor 15 oder 20 Jahren wär das so nicht gedreht worden.

Überhaupt die Vermarktung per Video. Mittlerweile gibt es auf allerlei Videoplattformen Spin Off’s und Coverversionen nicht nur von Fans, sondern auch von solchen Stars wie Justin Bieber, Selena Gomez oder Katy Perry. In Deutschland sind solche Versionen ja häufig sehr schnell geblockt, in diesem Fall hat sich aber UNIVERSAL gedacht, dass sie lieber nicht ihre Anwälte und die GEMA auf die Jagd schicken. Wäre ja auch eine ziemliche Einbuße an Werbung, denn das ist klar: Wenn man erstmal all die Varianten und Versionen angesehen hat, dann spätestens hat man auch das Hit- und Spaß-Potenzial des Songs begriffen.

Luca Hänni: Don't Think About Me

Nun kommt sie also, die ultimative DSDS-Geschichte des Jahres 2012. Am 28. April flimmerte das Finale der neunten Staffel über die Bildschirme und gekürt wurde der Schweizer Luca Hänni als Gewinner. Bereits im Vorfeld wurde durch einen Fauxpas eine Seite probeweise freigeschaltet, auf der sein Widersacher daniele negroni als neuer Superstar benannt wurde. Aber das war alles nur Unsinn. Man könnte auch boshaft meinen: Gut inszenierte Promotion, denn immerhin gab es darüber eine Menge Schlagzeilen.

Nun muss man sich wirklich nichts mehr vormachen. DSDS ist eine Veranstaltung für Kinder und Teenies. Schon ab einem Alter von 15 Jahren aber lässt das Interesse an der Show merklich nach. Demzufolge ist das ganze Motto-Show-Tamtam absolut kindermäßig inszeniert. Die Bewertungen durch die Jury inklusive. Logischerweise ist auch der von Mastermind Dieter Bohlen komponierte Siegertitel Don’t Think About Me auf diese Zielgruppe ausgerichtet. Schmusekuschelpop, der seicht überall durchdudeln kann und in Kinderzimmern für Verzückung sorgt. Innerhalb dieses Genres ist der Song vermutlich nicht mal schlecht, da gab’s schon ganz andere, die bereits beim ersten Hören Übeldruss hervorriefen. Bei Don’t Think About Me geht’s schon fast. Das hängt auch damit zusammen, dass die Melodie irgendwie auch gleich wieder aus dem Kopf draußen ist. Oder man summt irgendwie den Refrain, hat aber das Gefühl einen komplett anderen Titel zu singen. Also die Single hinterlässt mal definitiv absolut keine Spuren.



Dass der Titel nicht nur durch Belanglosigkeit glänzt, könnte sich durch einen Vergleich der beiden Versionen untersuchen lassen. Denn wie immer sang auch Finalkandidat Nummer 2 Don’t Think About Me. Die Schwierigkeit der genauen Analyse besteht jedoch darin, dass die Version von daniele negroni so gut wie gar nicht existent ist. Kein Video weit und breit verfügbar. Nicht mal vom Show-Auftritt. Und die altbekannten 30 Sekunden Snippets sagen nicht sehr viel aus. Da hat das Label inklusive Chef Bohlen ordentlich vorgesorgt. Meldungen von ein paar hämischen Internetseiten zufolge hatte negroni ja in Deutschland wesentlich mehr Fans und sein Schweizer Konkurrent konnte nur gewinnen, weil sich die Kids aus CH mehrmals am Voting beteiligten. Das ist natürlich auch alles fürchterlich albernes Trallalla, aber den Labelmanagern und Musikverkäufern hats offensichtlich genügend Angst gemacht. Wär’ ja irgendwie auch peinlich gewesen, wenn der soeben gekürte Superstar letztendlich im Verkauf hinter dem Zweiten läge …

Das alles ist ja nun nicht passiert. Aufatmen! Auch wenn Show-Zweiter Negroni mit seiner Version doch ganz gut punkten kann. Mir scheint diese andere Version ein klein wenig rhythmischer, etwas unseichter … Wirklich besser macht das weder die Komposition noch das ganze inszenierte Drumrum.

Da sich nun bei dieser Single alles um die Medienmaschine und das Theater dazu dreht, macht es vielleicht Spaß die Chartsstatistiken noch ein wenig zu bemühen. Luca Hänni stürmt mit seinem Siegertitel also in den deutschen Verkaufscharts (ermittelt von media control) auf Platz 1. Keine Überraschung! Er ist damit der erste Pop-Newcomer, der mit seiner ersten Single direkt auf der 1 einsteigt nach Vorjahressieger Pietro Lombardi. Keine Überraschung! – Bei dieser Gelegenheit: wo ist der laut umjubelte und bekreischte Star von 2011 eigentlich derzeit? – Luca Hänni ist mit seinem Sprung an die Spitze der deutschen Charts allerdings der erste Schweizer seit 1996, der es hierzulande bis an die Nummer 1 schafft. Das ist ordentlich. Damals, vor 16 Jahren, war es der DJ und Produzent Robert Miles, der mit seinem Dreamhouse-Track Children europaweit durchstarten konnte. In Deutschland dauerte der Ruhm für ihn sieben Wochen, und danach noch einmal zwei Singles lang. Mal schauen, wie sehr das Glück Luca Hänni hold ist.

Olly Murs feat. Rizzle Kicks: Heart Skips A Beat

Endlich! Es hat wirklich eine Ewigkeit gedauert bis sich mal ein Major Label traut, diese Single in Deutschland zu veröffentlichen. Warum eigentlich? Ich mein’ Olly Murs ist seit 2009 in Großbritannien so etwas wie ein Idol. Ja klar, er war nur Zweiter im X Factor Casting – für deutsche Verhältnisse ist das: Nichts. Und dann sind die Superstars in Deutschland ja auch nach einer Saison bereits schon sowas von verbraucht – die Medienmaschine Dieter Bohlen braucht eben ständig Frischfleisch um das alte Geseiere ein wenig aufzupeppen. So gesehen ist das Interesse an Castingstars aus anderen Ländern eben gering. Allerdings ticken in Britannien die Popstrukturen ein wenig anders. Und ein Zweiter Platz bei X Factor bedeutet dann eben doch auch, die Chance auf eine Karriere zu haben. Olly Murs hat diese jedenfalls genutzt und in den vergangenen drei Jahren vier Top 5 Hits in seiner Heimat gelandet – zwei schafften es sogar bis zur Nummer 1. Natürlich alles ordentlich marktkonform produziert – aber um etwas anderes ging es ja bei dem Casting-Dings auch nicht …

Olly Murs nicht in Deutschland präsent zu haben, nun ja, das wäre zu verschmerzen gewesen. Dass es aber die Rizzle Kicks bislang noch nicht zu größerer Bekanntheit gebracht haben, ist schlichtweg unglaublich. Ihre zweite Single Down With The Trumpets war im vergangenen Sommer so etwas von erfrischend in dem allgemeinen David Guetta-Einheitsbrei. Zwei Jungs die ganz zwanglos Musik machen, ein bisschen naiv, unbeschwert und frech in der jüngeren Musikgeschichte herumstöbernd, witzig und dazu noch eingängig. Besonders schön, dass sie bei all ihrer Coolness auch absolut keine Berührungsängste haben– ich mein, wer trägt denn heute ernsthaft Klamotten von Stüssy? So kann Pop also auch aussehen – überhaupt nicht verkehrt und hierzulande leider völlig unterbewertet.



Glücklicherweise können britische Musikpromoter ihr Handwerk ein bisschen besser als die deutschen Kollegen. Und so wurden die beiden Jungs gleich mit Olly Murs zusammengetan. Herausgekommen ist Heart Skips A Beat. Im Normalfall ein unerträglich seichter Popbrei – durch die Lockerheit der Rizzle Kicks aber doch mit der nötigen Portion Besonderheit. Denn diesen pianogetriebenen Beat der 90er, den gibt es dann doch nicht mehr allzu oft im Business. Und irgendwie funktioniert’s wirklich immer noch. Dass sich obendrein die Rizzle Kicks trauen, in einem Mainstream-Song ordentlich herumzuscratchen, das ist schon fast mutig.



So kann man sich nur für die beiden Rizzle Kicks freuen und ihnen wünschen, dass sie so schön unkompliziert und direkt bleiben. Na, wenn man sich das neue Video Mama Do The Hump anguckt, dann bestehen eigentlich gute Chancen dafür, dass wir noch ein paar nette Aufnahmen zu hören bekommen. Meinetwegen dann auch mit Olly Murs oder einem anderen beliebigen Casting-Star.

Aura Dione: Geronimo

Vor zwei Jahren tauchte Aura Dione wie aus dem Nichts mit ihrer Single I Will Love You Monday (365) auf und stürmte in aller Ohren. Das war einigermaßen überraschend und hatte ganz sicher auch was mit dem anstehenden Jahreswechsel und ihrem Auftritt in diversen Jahresendshows zu tun. Dann kam im Frühjahr 2010 noch ein Nachfolgehit – Song For Sophie I Hope She Flies -– der besonders von den Radiostationen geliebt wurde und sich so ebenfalls eine ganz anständige Zeit etablieren konnte. Danach war es dann mehr oder weniger ruhig und im Grunde habe ich Aura Dione schon in eine Kiste gelegt, die da beschriftet ist „One Hit Wonder und Ähnliches“. Das war natürlich dumm von mir. Denn beinahe genauso überraschend wie vor zwei Jahren ist Aura Dione wieder da mit einem neuen Hit.

Geronimo läuft schon eine Weile im Radio – hierzulande gibt es die On Air On Sale-Regelung nicht, da setzen die Musikfirmen doch lieber auf Promotion um dann mit Veröffentlichung der CD ordentlich chartmäßig zuschlagen zu können. Im Falle von Geronimo ist die Rechnung auch absolut aufgegangen – trotzdem bleibt dieser Riesenerfolg auch für eingefleischte Marktbeobachter ein wenig überraschend. Ja, die Radioeinsätze sind wunderbar (von 14 auf 6 steigend) – aber es gibt nicht einmal ein Video. Das heisst, es gibt schon ein Video, nur ist dieses immer noch gesperrt. Eine zutiefst seltsame Taktik, die sich nur damit erklären lässt, dass UNIVERSAL tatsächlich der Meinung ist, veröffentlichte Musikvideos schadeten dem Verkauf. Schon auch sehr eigenartig, oder?

Nun – Radioeinsatz und gezieltes Marketing im Sinne von möglichst wenig Material zusätzlich streuen sind sicher ein gewichtiger Grund für den schnellen Erfolg. Ein anderer dürfte die eigentliche Produktion sein. Im Werbetextlein zum Titel wird fleißig damit geprahlt, dass das neue Album von David Jost und Rick Nowels produziert wurde. Das ist natürlich sehr schön, aber was bedeutet das eigentlich genau? Zum Beispiel, dass Aura Dione gar nicht mehr so richtig nach etwas Eigenem klingt – je nach Produzent ist sie mal die Pop-Queen und mal die authentische Liedermacherin. Anhand von Geronimo wird das ziemlich deutlich. Es fängt nämlich an mit „Gi-Gi-Hi-Gio-Gio-Hu-La-La-Let’s Go Geronimo“ – und im ersten Augenblick denke ich: Huch, ist das die neue Lady Gaga-Single. Einen Moment bleibt dieser Eindruck auch, dann wird es etwas rhythmischer und ich höre da so einen Kehlschlag, den ich aber absolut schon von Shakira kenne. So klingt dann auch ein Großteil des Refrains.

Alles nicht schlimm – aber eben doch auch schade. Denn auch wenn ich I Will Love You Mondays (365) nicht so wahnsinnig überzeugend fand, immerhin war es doch sehr sehr eigen und eben Aura Dione. Beim neuen Hit weiß ich nicht so genau, wer das da eigentlich wirklich singt. Das bringt natürlich eine Menge Erfolg. Lady Gaga und Shakira sind ja nun auch nicht gerade unbeschriebene Blätterm – eher das genaue Gegenteil, das sind zwei der erfolgreichsten Pop-Diven der letzten Jahre. Da lohnt es sich schon mal ein klein wenig auf die Rezepte zu schielen. Heraus kommt dann eine Mixtur, die ordentlich Menschen zum Kaufen bewegt.

Jost & Damien Radio Mix von Geronimo


Ich kann an dieser Stelle aber auch ein paar gute Sachen an der neuen Aura Dione finden. Zum einen ist ihr Album bei weitem vielfältiger und da findet sich schon auch der eine oder andere Song, an dem sich so etwas wie ein eigener Stil, eine eigene Interpretationsweise festmachen lässt. Und dann ist Aura Dione auch nicht ganz so laut wie beispielsweise Lady Gaga – hier ließe sich also vortrefflich über den Unterschied amerikanischer und europäischer Produktionen philosophieren. Sind Europäer tatsächlich etwas feinsinniger?

Aura Dione – gern von ihrem Label als Superstar vermarktet – scheint auf dem besten Wege, tatsächlich einer zu werden. Immerhin ist sie erst die zweite dänische Künstlerin, die zwei Nummer 1 Hits in Deutschland verbuchen kann. Das gelang vor ihr lediglich Gitte Haenning vor ungefähr 50 Jahren.

example: Changed The Way You Kissed Me

Es gibt einen ziemlich große n Unterschied zwischen dem, was in Großbritannien musikalisch passiert, und dem, was in Deutschland so erfolgreich ist. Das ist nicht unbedingt ein extrem neues Phänomen, aber es lässt einen doch immer wieder staunen.Da ist zum einen das Tempo: in den britischen Charts gab es gerade einen Sommer des Wechsels: 11 Wochen in Folge gab es jeweils einen neuen Nr.1-Hit mit jeder neuen Ausgabe der Charts zu bestaunen. Die meisten von diesen Direkteinsteiger an der Spitze. In Deutschland dagegen wurde Alexandra Stan (7 Wochen als meistverkaufter Song gelistet) von Marlon Roudette (derzeit 8 Wochen an der Spitze) abgelöst. Dazwischen ein kurzer Besuch von Danza Kuduro als Intermezzo. – Das ist vielleicht auch ganz angenehm, wenn es nicht jede Woche DEN ultimativen Hit zu feiern gibt. Schauen wir uns die folgenden Platzierungen an, kommt aber das große Gähnen auf: keine Überraschungen. Nahezu Woche für Woche keine Veränderung – vielleicht mal ein Titel, der es irgendwie schafft, die Gunst der Käuferscharen zu erreichen. Es sei denn, es wird ein Ereignis wie der Bundesvision Song Contest gefeiert, dann gibt es – zumindest für kurz – ein paar mehr neue Titel zu entdecken.

Alles das ist natürlich leicht zu erklären. Der deutsche Musikmarkt ist ein ziemlich großer. Und große Dinge sind nicht so leicht zu bewegen. Die gesamtdeutschen Charts werden also immer behäbiger sein im Vergleich zu solchen wenidgen, wie den britischen. Aber es hat auch ein wenig damit zu tun, wie vorsichtig hierzulande Label agieren. Bestes Beispiel: example. Seit zwei Jahren taucht er im Zuge der Grime- und Dubstep-Euphorie beständig in den britischen Charts auf. In Deutschland – Fehlanzeige! Niemand traut sich an den Sound ran. Und dabei ist dieser energiegeladen, mitreißend, ungehört wie lange nichts mehr. Es braucht erst einen properen Nummer1-Hit in Großbritannien bis hierzulande ein Label aufmerksam wird. Mitte Juni ist es dann soweit: Changed The Way You Kissed Me stürmt an die Spitze der britischen Charts. Als Backgroundtrack für den Adidas Predator-Football-Schuh hatte der Titel auch enorme Präsenz in den britischen Medien. In Deutschland dauerte es noch gut ein Vierteljahr (mittlerweile hatte example mit Stay Awake einen weiteren Nummer 1-Hit in Großbritannien) bis der Titel hier dann endlich auch veröffentlicht wurde. Da hatten die wirklich Musikbegeisterten den Track bereits aus irgendwelchen Quellen geladen. So blieb dann auch der ganz große Knall aus. Immerhin, Changed The Way You Kissed Me schafft es bis unter die Top 10 – eventuell ist der Sound auch tatsächlich zu britisch, nicht einfach eine 4/4 Bassdrum und ein Fussballchor – das was example da veranstaltet ist ja beinahe schon intellektuell im Vergleich. Und hier spielen vielleicht auch die unglaublich langsamen deutschen Mainstream-Medien eine Rolle. Welche Service-Welle präsentiert denn wirklich diesen Sound. Selbst das, was unter Jugendradio läuft vertraut ja lieber dem gitarrenorientierten Rock oder ganz ganz einfachen Strukturen. In so einem Umfeld haben es example oder auch Nero natürlich nicht einfach. Es ist fast so etwas wie Nischenmusik. Das kann allerdings auch bedeuten, dass sich so jemand wie example auf Dauer etabliert – zwar niemals mit dem ganz großen Hit, aber dafür über Jahre präsent. Es wird schön, das zu beobachten.



Und für alle, die nicht länger warten wollen, gibt’s hier schonmal die ganz neue Single Midnight Run

David Guetta featuring Taio Cruz Ludacris: Little Bad Girl

Es ist die zweite Auskopplung aus dem angekündigten fünften David Guetta Album Nothing But The Beat. Und es ist bereits jetzt so erfolgreich wie der Vorgänger Where Them Girls At. Der Unterschied: Little Bad Girl ist bislang lediglich als digitaler Download zu haben. Der Termin für die Veröffentlichung auf CD steht noch ganze 7 Tage aus. Das deutet darauf hin, dass wir hier den Aufstieg des nächsten David Guetta-Überflieger-Hits zusehen können. Die meisten Labels agieren in ihrer Veröffentlichungspolitik ja immer noch wie zu Zeiten, als es noch keine digitale Musik gab. CD und Download werden gleichzeitig auf den Markt geworfen, am besten mit wochenlangem Radio-Airplay im Voraus. In Großbritannien ist dagegen seit Anfang diesen Jahres die Regelung „On Air – On Sale“ der Renner in den Marketingabteilungen. Mit dem Effekt, dass sich die wirklichen Burner dennoch sofort nach Veröffentlichung an der Spitze der Verkaufscharts wiederfinden. Einige andere brauchen etwas länger und es sind plötzlich wieder Chartkarrieren zu beobachten, wie zuletzt Ende der 80er Jahre: Langsam wachsendes Interesse für einen Track, steigende Verkäufe und schließlich die breite Hysterie. Zumindest für Chartverfolger ist die wöchentliche Liste nun einmal mehr spannend und die Prognosen, was ein Hit wird konzentrieren sich nicht mehr nur noch auf den Start einer Single.

Zurück zu Deutschland. Auch hier gibt es hin und wieder solche Entwicklungen von Tracks und Titeln, die dann Feuer fangen und sich dann massenweise verkaufen. In den häufigsten Fällen handelt es sich dabei um Clubhits, die zunächst als digital only Veröffentlichung erscheinen und nach Erfolg auf der tanzfläche schließlich auch auf CD gepresst werden und damit nochmal einen größeren Schub (zumindest in den Charts) erhalten. In Deutschland gilt schließlich auch noch die Regelung, dass der Umsatz ausschlaggebend für die Zusammenstellung der Verkaufscharts ist, nicht die abgesetzte Stückzahl. Das bevorteilt natürlich CD-Käufe, die ungefähr mit dem drei- bis vierfachen Wert in die Auszählung eingehen.

Das alles ist wahrscheinlich lediglich für Statistik-Freaks interessant. Und generell lässt sich ja eher ein erlahmendes Interesse an den offiziellen media control-Charts beobachten. Im Fall von David Guettas Little Bad Girl spiegelt der bisherige Chartverlauf aber sehr deutlich wider, wie Popularität entsteht. Beim ersten Hören ist nämlich der Titel eher … nunja, Durchschnittsware. Das was vor zwei Jahren vielleicht noch als unverkennbarer und unwiderstehlicher Guetta-Sound identifiziert werden konnte ist mittlerweile dutzendweise kopiert – deshalb nicht weniger erfolgreich, aber ein neuer Track von David Guetta ist jetzt nicht mehr zwangsweise ein Aha-Erlebnis. So ist also auch das Interesse für Little Bad Girl erstmal gut – David Guetta, das steht schon für massenkompatiblen Partysound – aber so richtig überwältigend nicht. Mit andauernder Präsenz in Clubs, Internet und vielleicht auch TV wächst natürlich die Attraktivität und die Nachfrage. Im besten Falle ist nach etwa vier Wochen der Höhepunkt der Kauflust erreicht und dann kommt auch die CD genau richtig.

Für David Guetta ist das Jahr 2011 schon jetzt erfolgreicher als 2010 – massenweise Ausstoß, massenweiser Absatz. Im Grunde kann es ab demnächst nur noch abwärts gehen. Aber erstmal kommt natürlich noch das Album im September. Hoffentlich hat es noch ein paar richtig zündende Tracks zu bieten. Der Einheits-Electro-Clubsound befindet sich nämlich hart auf Verdrusskurs und wird wohl keinen weiteren Sommer erleben.

Teaser 1 :


Teaser 2 :


The Full Club Mix: