Apache 207: Fame

Eyo was geht? - Zum Beispiel der neueste Track von Apache 207. Ach, es ist schön, ihn zurück zu haben an der Spitze. Ungefähr das entgegengesetzte Gefühl zu dem, wenn Capital schon wieder Top ist.

Das kann daran liegen, dass bei 20 gleichklingenden Nummer Einsen einfach mal auch Langeweile aufkommt. Apache krebst da eher noch bei seinem dritten herum.
Kann aber auch sein, dass Apache viel viel mehr Pop ist. Nicht umsonst klingt auch Fame wieder arg nach 1990er Retrodancefloor. Culture Beat und 2unlimited würden Apache lieben.

Tatsächlich hatte ich kürzlich noch ein ganz anderes Deja vu. Da bin ich bei so einem ollen Ostrock-Track aus den 80ern gelandet. Weiß der Geier, wie sich das in meine Playlist hineingeschmuggelt hat. Vielleicht mal wieder nicht die Werbung ausgeschaltet. - Jedenfalls höre ich Toni Krahl ausnahmsweise mal sprechgesangmäßig erzählen. Und ich denke: Hä - der hat ja die gleiche Art drauf wie Apache. Also natürlich nicht so HipHop-draufgängerisch - eher so die Stimmlage und Richtung. Der sprach mich direkt an, so wie ich die Lyrics im Raop auch als sehr direkt an mich gerichtet empfinde. Da gibt es also eine Linie zwischen dem, was vor 25 Jahren mal ausprobiert wurde und heute ziemlicher Mainstream ist. Weird.

Zurück von dieser bedeutungslosen und völlig nebensächlichen Geschichte. Was fasziniert mich - und offenbar noch eine Menge anderer Leute - so sehr an Apache. Die Sehnsucht nach billigem 90er Jahre Sound allein ist es hoffentlich nicht. Nein. Für mich kommt eindeutig dazu, dass Apache bei aller Coolness Anstand bewahrt. Da, wo andere Jungs nur von Respekt reden und Unterwürfigkeit meinen, da bleibt Apache auf Augenhöhe: So lange du mich nicht unterirdisch behandelst, behandle ich dich als Mensch. Dass diese Haltung nicht bedeuten muss auf großkotzige Sprüche und Posen zu verzichten, das ist die verrückte Erfahrung bei seinen Produktionen.

Fame ist ja nun wirklich ein gern behandeltes Thema im Business. Alle lechzen danach, verbiegen sich und drehen völlig ab, wenn es dann mal für 20 min zum Stardom reicht. Bei Apache ist es eher ein abfällig ungläubiges: "Scheisse Mann, jetzt sind wir also fame."
Das hat auch was zutiefst Arrogantes. Weil Fame eben null eine Rolle spielt. Ist ok wenn er da ist. Aber auch egal, wenn es mal nicht dafür reicht. Von der Position aus, lässt es sich richtig gut dissen. Immerhin: Shirin David ist mit ihrem ersten echten Rap-Feature (peinlichst!) nicht auf die 1 gegangen.

Und gern nochmal: Der Typ tut so viel, was gern auch peinlich sein könnte. Der muss sich nicht darum kümmern, was jede Woche so als Modehype gilt. Er trägt immer noch seine goldenen Roller Blades. Und sein Videoclip spielt nicht im Ferrari sondern im Hochhausflur. Das ist mal Street Credibility. - Da ist der Wohlstandsspeck nicht Zeichen von "ich kann's mir leisten Dreck in mich hineinzuschütten." sondern "Ich bin wie ihr." Und die Lyrics erzählen Geschichten, die echt sind. Ghetto fühlt sich plötzlich viel trister an. Und banaler. Die Sonne kommt eben nicht bis ins Zimmer, weil der Nachbarblock im Weg steht. Da brauch ich gar keine aufgebauschten Gangstergeschichten vom harten Überlebenskampf.

Tatsächlich findet Apache bei Fame nicht nur treffende Rhymes sondern hat auch ein gutes Gespür für krasse Bilder. Je Hochhauszimmer eine Lebensstation oder -situation. Alles voll künstlich - und voll mit Zeichen und Hinweisen. Da dürfen sich junge Filmemachende nun echt einen Wolf interpretieren. Und jede*r seinen eigenen Film fahren.

Schade ist lediglich, dass der Künstler es nicht mehr zulässt, seine Videos einzubinden. Das gehört zum Fame dann vielleicht auch zwangsläufig dazu.

Apache 207: Roller

Und jetzt hat er es doch noch geschafft: Apache 207 landet auf der Nr.1 der deutschen Songcharts. So schnell geht das also. Erste Veröffentlichungen im Sommer 2018, erster Chartkontakt im April und im September Nummer 1. Ja klar, geht alles auch schneller, siehe Mero. Beeindruckt mich trotzdem, wenn so ein Anti-Teenie-Star mit eher abwegiger Inszenierung sich so schnell beliebt macht.

Denn irgendwas Besonderes hat Apache. Sei es dieses fürchterliche und völlig übertriebene Früh-90er-Jahre-Outfit. Seien es die musikalischen Anleihen beim 80er Synthpop oder 90er Eurodance - seine besten Tracks heben sich angenehm ab vom üblichen DeutschRap-Mainstream.

Das trifft auf Roller zwar nur bedingt zu - irgendwie klingt der Track schon ordentlich nach der KMN Gang. Oder einem anderen beliebigen Hit-Rap-Fabrikanten-Team. Da sehen ich mich wirklich zurück an Nicht wie du. Aber schauen wir uns Roller mal genauer an.



Wunderbar, weil eher die Ausnahme bleibt die Verweigerung des Luxus-BlingBlings. Stylish ist es trotzdem, nur eben sehr eigenwillig. Das muss man erstmal schaffen in solchen Klamotten cool auszusehen. All die übriggebliebenen Opas, die auf Dauerjugendlich machen, haben das Zeug ja immer noch im Schrank hängen. Apache dagegen entdeckt es neu, übertreibt, kombiniert Neues dazwischen ... und lebt damit auf einem komplett anderen Planeten als beispielsweise der überpräsente Bra.

Dem äußeren Bild fügt Apache einen entsprechenden Text hinzu "Ich trag' Gucci-Sandalen nur aus Trotz ... Scheiß auf Kawasaki ..."
Muss man nicht gleich Konsumverweigerung nennen, aber vielleicht Bodenständigkeit. Apache weiß, dass 10 PS schon völlig glücklich machen können. Messerstechereien und kriminelles Leben - laangweilig. Lieber 'n paar Runden drehn mit dem Roller.

Das sieht irgendwie auch ganz schön provinziell aus, und ist genau genommen wirklich die komplette Anti-Haltung zum Leben in der immer maßloser werdenden globalen Großstadt. Nur eben, dass es auf die ansonsten immer hübsch mitschwingende Biederkeit verzichtet. Deshalb mag ich Apache 207. Er macht schlichtweg sein eigenes Ding, lässt sich nicht vorschreiben was gerade ON ist und was OFF. Und kann mit seiner Haltung wirklich überzeugen. Früher haben wir dazu Authentizität gesagt. Bis der Begriff zum Schimpfwort wurde. Weiß nicht, ob wir für Apache eine Wiederbelebung versuchen sollten.

Shindy: DODI

Nach einem Jahr nahezu kompletter Medienabstinenz, immerhin drei Jahre nach seinen letzten eigenen Veröffentlichungen meldet sich nun Shindy zurück. Vor der Rap-Explosion 2017 war er einer der Vorzeigeburschen mit immerhin drei Nummer 1-Alben. In den Single-Charts hatte es dagegen nicht mal für Top 10-Status gereicht. Das waren damals noch andere Zeiten.

Mittlerweile ist ein Rapper kein Held mehr, wenn er nicht direkt auf Platz 1 geht. Und das hat Shindy vielleicht auch ein wenig genervt. All diese KMN und 187er und Bras besetzen Woche für Woche die Nummer 1 - gehen feiern in ihren teuren Outfits ... und wer kennt eigentlich noch die Recken von vor drei Jahren? Also hat sich Shindy zurückgezogen, von Freund und Haubruder Bushido getrennt, sich sogar richtig medial distanziert, gegrübelt und gesucht, was ihn wohl am sichersten auf den Thron bringt. Herausgekommen ist DODI.

Der Track, mitproduziert von Nico Chiara und OZ - beide nicht ganz unbekannt im Bushido-Universum, hat Coolness. Erinnert durchaus an den schön monotonen Singsang aktueller HipPop-Hits. Und klingt überhaupt nicht mehr nach Shindy. Da hat sich jemand also völlig neu erfunden. Oder hat seine Wurzeln und bisherigen Werte einfach über Bord geworfen. Hängt jetzt von der Betrachtungsweise ab.

Der Menge ist das offenbar ganz sympathisch. Was zählt schon, was ich gestern noch erzählt habe? Hat eh keiner dran geglaubt. Das was wirklich zählt ist Geld, Luxus, Markenhype.

So taumelt das Video schön Hollywoodmäßig durch die Luxusmarkenwelt - oder was man dafür hält - und der Star lässt sich farbenprächtig beleuchten wie Drake. Da will jemand unbedingt weltweit seinen Ruhm behaupten. Und lässt sich deshalb im weißen Pelzmantel zum Tanzkasper machen. Was bei RIN vielleicht noch als authentisch durchgeht, ist bei Shindy doch nichts weiter als einstudierte Choreographie.



Lachen darf man natürlich schon, dass der Benz ein Nürnberger Kennzeichen hat. Hatte ich ganz vergessen, dass das ja jetzt die neue coole Stadt der Nation ist. Da hat jemand vielleicht doch Humor?

Der Bruch kommt zum Ende des Videos. Da zeigt Shindy, dass er doch noch ein Haudegen ist. Das Auto muss nämlich brennen. Hat zwar überhaupt keinen Zusammenhang zum vorher gezeigten, sieht aber gut aus.

Wahrscheinlich darf man deshalb auch das gottespreisende Intro und Outro als reinen Effekt auffassen. Bloß gut, dass kein Mensch versteht, was DMX da von sich gibt. So alt und bürgerlich kann man gar nicht werden, um das ernst zu meinen.

Shindy kündigt mit dieser Single sein neues Album an. Nach dem Bezug auf die 90er Jahre-Ikone Dodi al-Fayed (so richtig medienbekannt aber erst durch die Liebschaft mit Lady Di geworden) habe ich vor dem was da kommt eher Angst. Wenn nicht mal mehr die deutschen Rapper richtige Kerle sind und damit bis an die Spitze kommen ... Scheinbar ist die Zeit für einen neuen Sonnenkönig mehr als reif. Schade.

Dynoro & Gigi D'Agostino:In My mind

Es gibt ein paar ganz sentimentale und nostalgische Gründe, warum die Tracks von Gigi D'Agostino in meiner All times dearest Liste ganz oben rangieren. Der Sound der beginnenden 2000er, voll mit Selbstverliebtheit, Glück und Freiheit. Wir brauchten nicht viel mehr als einen ordentlich knallenden Beat und einen dunklen Club am Sonntagvormittag. OK - für sehr viele ging es da auch schon nur noch ums pure Geldverschleudern. Unschuldig war die Dancezene Anfang der 2000er ganz sicher nicht mehr. Auch musikalisch ist der Sound sicher nicht das, was unter besonders qualitativer Musik zusammengefasst wird - es genügte dem Moment und war darin ziemlich geradlinig. Das war ungefähr die Stärke von Gigi D'Agostino: arrogant und kaltschnäuzig genug, um sich einen Dreck zu scheren um Anwürfe des Feuilletons oder tiefsinniger SingerSongwriter. Jeden Abend eine Party und jede Menge Selbstgenuss.

Insofern wunderte es mich nicht, dass nach einzwei erfolgreichen Jahren dieser DJ und Produzent auch gleich wieder in seiner Nische verschwand. Dass mehr als 15 Jahren ein junger litauischer DJ die Hookline von L'amour toujours wieder ausgräbt und mit einem anderen Technotrack zusammenschmeißt, das finde ich allerdings mehr als überraschend.

Der junge Mann gehört eher zur Generation RiesenRave à la Tomorrowland und hat sich den Track In My Mind geschnappt, der schon einige Zeit zu dem Festival gehört. Sinnvollerweise hat der die allzu geschranzten Parts rausgehauen und dann in die Musikdatenbank gegriffen um Herrn D'Agostinos Melodie in das Ganze hineinzumashen. Tatsächlich eine gut passende Mischung, die bereits zu Jahresbeginn in den sozialen Netzwerken ordentlich einschlug.

Spannend war dann vor allem der Moment, als Österreich offiziell Platz 29 für den Track meldete und plötzlich sämtliche Downloads gesperrt waren. Da gab es nämlich ein Urheberrechtsproblem. Oder ging es eher um Eitelkeiten? - Wiederveröffentlicht wurde der Track nämlich vier Monate später mit dem zusätzlichen Credit des italienischen DJs, obwohl dieser an der Produktion selbst nicht beteiligt ist. Hat einfach ein Stück Signature-Hookline geschrieben.

Wie kurios diese Konstellation ist wird deutlich, wenn man bedenkt, dass die Urheber der eigentlichen Titelzeile und -Melodie nicht als Interpreten genannt werden. Die stehen maximal im Kleingedruckten als Autoren. Ist durchaus eindrucksvoll, zu sehen, dass Personen mit größerer Bekanntheit offenbar auch mehr (Urheber)Rechte haben. Ist so ähnlich wie bei Disney, das sich als Mediengigant alles sichern kann (und das auch verteidigt), während der kleine Soundbastler aus Buxtehude mal schnell den Anwalt vor der Haustür hat und lieber gleich alles an eigener Kreativität verleugnet.

Nun gut - In My Mind hat sich zum Sommerhit entwickelt. Passt ja auch ganz gut in das allerorten zelebrierte 90er Jahre Revival. Wobei ich mir zunächst nicht sicher war, ob es bei diesem Track wirklich um die Erinnerung an die Kindheit geht.

Doch das was Dynoro da hinlegt ist ernsthaft sentimental. Ein Text, der eine verträumt-unwirkliche Sehnsucht beschreibt: Gedankengespinst, Wunschvorstellung - da kommen die Sommertänzer her. Und alles worauf sie warten ist allumfassende Liebe und Träume. Wenn das nicht alte Love Parade-Glücksgefühle hervorrufen soll! (Die Dynoro dank seines Alters maximal von den Berichten seiner Eltern oder aus Videoaufzeichnungen kennt.) Also doch ein Retro-Track an eine nicht erlebte Vergangenheit. Trifft ziemlich gut den Zeitgeist, der sich nach vermeintlich besseren, ruhigeren, schöneren und sicheren Zeiten sehnt. Und völlig negiert, dass auch 1999 nicht einfach nur Party war. Auch wenn wir das gern so hätten. Für einen Sommer mag das trotzdem reichen.

calvin harris & dua lipa:one kiss

Es ist tatsächlich erstaunlich wie es Calvin Harris schafft mit durchschnittlichster Mittelmäßigkeit Hits zu landen. Offenbar gibt es in seinen glattgebürsteten Produktionen doch irgendeinen Funken, der einen minimalen Unterschied zu allen anderen Massenproduktionen macht. Könnte sein, dass er jeweils einen Hauch besser den aktuellen Zeitgeist erkennt.

Im Fall von One Kiss ist es mal das gnadenlos durchdefinierte 90er-Jahre-Revival. Deep House wie er vor 25 Jahren erfunden wurde und in den Clubs independentmäßig hoch und runter lief. Schön unterlegt mit damals schon Retro-Seventies-Orgel. Wir befinden uns immer noch in der Verweishölle. Das Video macht den ganzen Spaß dann auch genauso mit. Cut up/CopyPaste/Collage.



Das Schlimme an Calvin-Harris-Hits ist ja vor allem, dass sie ganz gut in das aktuelle Gefühlsleben passen, einen begleiten – aber ein halbes Jahr später kann ich mich gar nicht mehr richtig dran erinnern, dass da mal was war. Lässt sich schön überprüfen, indem man mal die Hits des DJs in einer Reihe aufgelistet sieht. Da gibt es vielleicht die Rihanna-Kollaboration This Is What You Came For, da gibt es vielleciht auch noch Summer - so richtige Gassenhauer sind das alles aber eher nicht.

Könnte natürlich sein, dass diese Kurzlebigkeit auch der Grund für Calvin Harris' Erfolg ist. Zack hab ich vergessen, wie der letzte HIt klang .... kann ich doch sofort den nächsten, ganz ähnlichen abfeiern. Für mich bleibt dieser Mann ein Phänomen.

So wenig, wie ich verstehe, was genau seine Geheimrezept ist, so wenig verstehe ich die Wahl der Sängerin für One Kiss. OK - Dua Lipa scheint ja sowas wie das neue weibliche Hitwunder zu sein. Was sie auf den Markt wirft, geht in die Top 10. Dabei strotzen auch ihre Songs eher vor mittelmäßiger Gelangweiltheit. Ich bin mit ihren Songs jedenfalls bislang noch nicht warm geworden. Das liegt ganz wesentlich an der Art ihres Gesangs.

Auch auf One Kiss zelebriert sie diese seltsam desinteressierte Haltung bis ins letzte Detail. Ein Kuss reicht, um dich in mich verliebt zu machen...
Und wenn sie dann singt, dass sie nicht mehr schlafen kann, weil in ihr gerade der Himmel herumtobt ... dann klingt das in meinen Ohren eher gequält als euphorisch.

Na gut - One Kiss könnte in in diesem Sommer begleiten. Ist nicht das Schlechteste, was uns da passiert. Man muss ja Tageshits auch nicht immer verstehen.

Jax Jones Feat. Raye: You Don't Know Me

Es gibt sie noch, die Dancefloor-Hits, die abseits von Stadionparty und softem DeepHouse-Gedöns funktionieren. Und tatsächlich auch im Mainstream funktionieren. Jax jones sei Dank.

Als Produzent hat er sich erste Aufmerksamkeit und Lorbeeren erarbeitet an der Seite von Duke Dumont, dem er 2014 bei I Got U zur Seite stand. Das reichte in seiner Heimat Großbritannien für eine Nummer 1 und in Resteuropa dann doch schon für einen Achtungserfolg. Nun ist er mit You Don't Know Me zumindest bei der Produktion allein unterwegs – und das Ergebnis ist grandios.

Natürlich ist auch You Don't Know Me vor allem ein cleverer Popsong, der sich explizit am Clubsound orientiert. Der reine Clubhit, der es auch im kommerziellen Umfeld schafft sich durchzusetzen, war ein Phänomen der 1990er. Deshalb hat es auch mit House Work nicht so durchschlagend funktioniert. Das war zu sperrig, zu cluborientiert, zu wenig radiokompatibel.

Beide Tracks setzen auf klassische House-Elemente: Wiederholung, ein straighter Beat und nicht zu viel Effekt-SchnickSchnack drumrum. So kommt bei You Don't Know Me vor allem die Stimme von Sängerin Raye besonders zum Tragen. Und damit auch der Text:
Du denkst du kennst mich? – F***k Off. Bloß weil wir zufällig im gleichen Club tanzen, bin ich nicht deine Freundin. Und schon gar nicht dafür da, von dir zugelabert zu werden.
So klingt Selbstbewusstsein im Jahr 2017.

Kombiniert wird der Track mit einem ebenso simplen wie witzigen Video. Eine Packung von Frühstückssüßigkeiten, auf denen der animierte DJ im Takt schreitet bzw. an entsprechenden musikalischen Stellen zum Handwaving ansetzt. Was braucht es mehr?



Natürlich noch eine Menge Referenzen auf sich selbst: Das Gewinnspiel für das House Work-Putzmittel an den Seiten des Kartons. Und ein echtes Video, in dem auch die Cerealien-Packung wieder auftaucht.



Katy Perry baut mit dem selben Ziel und Effekt riesige Vergnügungsparks nach – mit wesentlich weniger Budget funktioniert das Ganze genauso.
Danke!

David Guetta * Cedric Gervais * Chris Willis: Would I Lie To You

Hmm – ein Rückgriff auf einen 90er Hit mit Anleihen in den 70ern – Atemporalität dürfte hier mal wieder das Schlagwort sein. Und einmal mehr die Versicherung, dass es sich dabei um ein Langzeit-Phänomen handelt. So schnell drehen wir den technischen Fortschritt nicht zurück.

David Guetta hat sich also den Nr.1-Hit von Charles & Eddie aus dem Jahr 1992 geschnappt, die Hookline von seinem Lieblingssänger aus den 00ern Chris Willis einsingen lassen und das Ganze dem französischen House-Kollegen Cedric Gervais zum Überarbeiten gegeben. Rausgekommen ist … zuallererst mal ein David-Guetta-Hit, der wieder ein bisschen weggeht vom Stadion-Brachialsound und allein schon deshalb wesentlich anhörenswerter als sein Vorgänger This One's For You.

Jetzt kann ich natürlich ganz gut dran rummosern, dass das ja arg nach French Filterhouse klingt, Daft Punk winken mal ganz fröhlich um die Ecke (deshalb ja auch die funky Gitarre im Stil von Nile Rodgers. Nun ja, warum auch nicht? Irgendwie kann ich damit sogar leben.
Das, wovon ich nicht so richtig überzeugt bin ist dieser Refrain. Vielleicht auch deshalb, weil ich das Original zwar früher mal mochte, heute aber wirklich nicht mehr hören will. Da ist nicht nur das Video aus einem Jahrhundert.



Die Version 2016 hat da wesentlich mehr Schmiss. Und hätte das Vocal-Zitat vermutlich gar nicht gebraucht. Aber dann hätte der Track keine Chance auf Radioeinsatz gehabt und damit niemandem so richtig aufgefallen.

Das ist das Schräge an den heutigen Hits: So richtig wollen und sollen Sie keine Geschichten mehr erzählen – ganz auf den Text verzichten können sie aber auch nicht. Das könnte ein Effekt der Generation twitter sein. Kurzmitteilungen in kryptischer Form – gern auch poetisch mit Sprache umgehend – aber nach 180 Zeichen ist die Aufmerksamkeitsspanne schon reichlich ausgereizt.

Look into my eyes, can't you see they're open wide – would I lie to you
Don't you know it's true, girl there's no one else but you
Noch dabei? – Naja, es wird ja glücklicherweise ungefähr 20 mal innerhalb von drei Minuten wiederholt.



Dass diese Wahrheits-Beschwörung alles andere als ehrlich ist, untermalt sehr hübsch das Cut & Paste-Video, dass eine kleine Gangster-Story erzählt. Oder besser doch, die Geschichte eines Grafitti-Künstlers. Beat Street lässt hier auch grüßen – ja, das ist alles sehr hübsch zusammengeklaut. Und bedeutet in seiner Zusammenstellung so gut wie nichts.

Would I Lie To You zelebriert also in ziemlicher Reinform, wie heutzutage Kulturproduktion erfolgt. Sein Erfolg untermauert obendrein, dass es sich hier wirklich um die aktuelle Form von Popkultur handelt. Das, was es auch vormacht ist: Inhalt ist Nebensache. Da ist mir die neue Daft Punk-Single dann aber irgendwie doch lieber … naja, vielleicht nächste Woche.

G-Eazy X Bebe Rexha: Me, Myself & I

Wieviel Individualismus verträgt diese Welt? Oder wieviel Fremdbestimmung wollen wir zulassen? Und muss man zwangsläufig einsam sein, wenn man einen eigenen Willen hat, seinen eigenen Plan verfolgt? – In den USA werden diese Fragen dann doch recht häufig mit einem Aufbäumen beantwortet: Bleibt mir vom Hals mit eurer gutgemeinten Gesellschaft! Ich will erstmal für mich sein.

Eine der direkteren Formulierungen dieser Aussage liefern derzeit G-Eazy & Bebe Rexha, zwei Jungstars die sich offenbar gerade anschicken den Musikmarkt ein bisschen aufzumöbeln. Schnoddrig und laut schleudern sie uns ihre Weltsicht entgegen. Das hat gehörig was von den frühen 2000ern. EMINEM hätte es vermutlich ähnlich hingereimt – vielleicht noch einen Tick aggressiver. Auch das Video sieht auf den ersten Blick ganz schön 2000er poliert aus: Schnelle Autos, chices Penthouse, cool herumhängende Partygäste.



Aber so ganz stimmt das Bild nicht. Wir sind nicht mehr im Jahr 2000. G-Eazy kann sich plötzlich teilen und ganz viele Sichtweisen einnehmen. Auch wenn er den Zustand hasst, weiß er doch, dass er ihn selbst heraufbeschworen hat. Er hätte ja kein erfolgreicher Rapper werden müssen. – Das ist der Unterschied zu den Gangstern der letzten Dekaden: Hier hat sich nicht einer gegen die Widrigkeiten der Welt durchgesetzt und ist King, hier ist jemand ganz oben und trotzdem nicht zufrieden. Denn dieser ganze Fame und die Dauer-Party sind einfach nur laaaaangweilig. Was genau war nochmal der Kick am Macker sein?

Auch Bebe Rexha hat ein anderes Selbstverständnis. Das Selbstverliebte der 2000er brauchte immer noch ein Gegenüber um sich zu spiegeln. Frau war immer nur dann vollständig, wenn Mann sie geil fand. Wie selbstbestimmt diese Rolle auch immer war – ganz ohne Typ gings nicht.
2016 reicht dann aber doch ein cooler Beat und die eigene Party kann beginnen. Da brauch ich nichtmal mehr meine Facebook-Freunde. Vielleicht ist das der konsequenteste, der finale Narzissmus.

Das mag als Gesellschaftsutopie ganz schön gruselig klingen: Lauter selbstbezogene Individuen, die völlig angenervt vom sozialen Dasein sich selbst genügen. Diese Menschen sind zwar offenbar mit sich im Reinen und ganz schön unabhängig vom ständigen Online-Getue. Wo es kein Verlangen nach sozialer Anerkennung gibt, da gibt es vermutlich auch keinen Neid. Das klingt dann sogar schon fast utopisch-buddhistisch. Sei bei dir und das ganze Drumrum wird unwichtig.
Am Ende gibt aber auch G-Eazy zu: so richtig der Hit ist das mit dem ständig allein sein auch nicht. Wenn man so kalt ist, dass einen gar nichts mehr berührt, dann kann das eventuell doch ganz schön einsam werden.

Mehr oder weniger deklinieren das auch andere Künstler aus Nordamerika/Australien grad durch: SIA feiert sich ziemlich autark durch die Clubs, die neue Rihanna stilisiert sich als unnahbar kalte Stil-Ikone, die twentyøne piløts haben sowieso völlig ihren eigenen Film laufen und irgendwie lotet selbst TheWeeknd die Tiefen der modernen Ent-Beziehung aus. Da gibt es offenbar ein großes Thema: Wie geht man damit um, wenn Gemeinschaft zur Einschränkung des Ich wird?

Me, Myself & I könnte hier als "Fuck Off!" verstanden werden. Eine Protestäußerung, eine Unabhängigkeitserklärung. Die es aber weniger darauf anlegt, die Umgebung zu ändern. Hier geht es eher darum einfach etwas anderes zu leben. Oder zumindest den Versuch dazu zu starten.

Funktioniert alles natürlich nur, wenn man es sich leisten kann. Unabhängig ein eigenes (Aussteiger-)Leben durchziehen, das ist schon eher die abgesicherte Generation Bausparvertrag, die das Einfamilienhaus in der Vorstadt zwar ablehnt, aber immer noch als Absicherung in der Hinterhand hat.
Das mag in Nordamerika auch das Attraktive sein. So viel Abgesichertheit besitzen, dass man es sich leisten kann, sein eigenes Ding durchzuziehen.

Auch von Europa aus gesehen, besitzen diese Versuche, Visionen und Ansätze durchaus Attraktivität. Hier allerdings eher als ein Gegenpol zu den popmedial erfolgreich inszenierten Sehnsüchten, die sich vor allem um solche Werte wie Freundschaft, Gemeinschaft oder Schutz vor der Einsamkeit ranken. Ich erinnere nur an die Biederkeitshymne von Glasperlenspiel. Was da alles schon nicht mal mehr gedacht werden kann, weil überall Entwurzelung droht und Verlust der Identität. Ich kann doch nur vollständig sein innerhalb von Beziehungen oder wenigstens Netzwerken...

Und schon haben wir den tagesaktuellen Schlamassel schön auf dem Präsentierteller: Europa das will so gern zusammen gehören, das möchte gern eine Gemeinschaft sein. Gleichzeitig geht das aber alles nicht, denn wo bleibt denn sonst der Einzelne (Staat)? Das bin ich doch alles gar nicht mehr. Das ist doch nur noch ein wirres Durcheinander. Was ist bloß passiert mit meiner schönen gewohnten Ordnung?

Nordamerika ist da irgendwie cooler. Klar gibt es dort auch Probleme und Fragen und Ängste. G-Eazy bringt es ziemlich deutlich auf den Punkt. Das heißt aber noch lange nicht, dass man an sich selbst zweifeln muss. Eher umgekehrt: Erstmal steht da ein Ich, ein Eigeninteresse, ein Individuum. Und dann kann man mal gucken, was noch so rundrum passiert. Und wenn die andern nicht mitmachen wollen oder nerven, na dann zieht man eben allein los. Das muss man erstmal so unverschämt hinkriegen.

Sigala: Easy Love

He is back: Mr. Michael Jackson.
Natürlich nicht höchstpersönlich und himself, sondern eine clevere Remix-Variante, die das Original dann wohlweislich verschweigt, denn wer kümmert sich heut schon noch darum, woher was stammt. Ist ja eher irrelevant. Hauptsache es funzt.

Easy Love scheint genau das zu tun: Einzuschlagen und das gebeutelte europäische Volk mit Glückseligkeit zu verwöhnen. So einfach ist es: Ein House-Beat mit 90er Piano, ein 70er Sample, ein Kindervideo in kakelbunten Farben und natürlich auch ein paar zackige Choreographien wie aus dem 80er Musikdrama Beatstreet. Zitatenmischmasch pur, der alle erreicht: Die Nostalgiker genauso wie die Clubgänger, die Radiohörenden und die Computernerds. Je nachdem wie bewusst das alles zusammengerührt wurde, gebührt dem Produzenten Sigala Bewunderung. Oder zumindest das Zugeständnis, dass er ganz treffsicher die Zeichen der Zeit erkannt hat.



Und so wird also auch der King of Pop gnadenlos ins nächste Jahrzehnt gebeamt. Puristen dürfen hier gern auch darüber herumwundern wie gnadenlos das geschieht. Wenn wir jetzt genauer hinter die Hitfabrik Jackson 5 schauen und dann dazu die vermeintlich fröhlichen Kinder in der Inszenierung betrachten, dann lässt sich durchaus auch ein eiskalter Zynismus erkennen. Da werden die 10er richtig blaß dagegen.

Sehr viel mehr gibt es dann zu Easy Love auch gar nicht mehr zu sagen. Höchstens noch, dass dieses Rezept des postmodernen Mixtopfs selbst auch schon einige Jahre auf dem Buckel hat. Und erfolgreich war. Zum Vergleich empfehle ich mal den 2010er Track My Feelings For You von AVICII anzuhören. Das ist – auch wenn das Sample hier im Original von Gwen McCrae stammt – nahezu identisch mit Easy Love. Sigala packt nur ein bisschen mehr Radiotauglichkeit drauf und hat Glück, dass die Klingeling-Refrains nach mehreren Hits von KYGO fest etabliert sind im mitteleuropäischen Gehör.

Wer es etwas weniger kommerziell und nervend mag, der/die muss sich die Remixe von Easy Love zu Gemüte ziehen. Zumindest der von DJ Zinc liefert da ein paar ganz schöne und etwas düstere Nuancen.

Calvin Harris + Disciples: How Deep Is Your Love

Superstar Mr. Calvin Harris kann es dann also doch noch. Und schickt sich an auch im Jahr 2015 einer der sichtbarsten Produzenten zu werden. Erst zu Jahresbeginn war sein Outside mit der Stimme von Ellie Goulding zum Top-Hit geworden. Nun ist es How Deep Is Your Love. (Dazwischen gab es noch ein ganz schönes Intermezzo mit Pray To God, aber das setzte sich nicht so flächendeckend durch.)

Und wieder hat er sich Unterstützung zur Seite geholt. Dieses mal nicht nur eine Sängerin – die ungenannt bleibende Ina Wroldsen – sondern auch ein Produzententeam, nämlich die Disciples. Und diese Kombination tut dem Man of the Year 2014 (so das Glamour Magazin) ganz gut. Der mehr und mehr nervende und eintönige Stadion-Bretter-Rave-Sound macht nun Platz für eine etwas weniger brachiale Version von Dance-Music. Dass es im Jahr 2015 ein Deep House Track geworden ist, das wundert vermutlich keinen. Bösartig könnte ich hier auch sagen: Klar, wer verkaufen will, MUSS in Deep House machen.

Dass Calvin Harris bewusst auf die Chartspitzen zielt, nun ja – auch das ist nichts Ungewöhnliches. Schön finde ich, dass er dann doch noch einiges aus dem überpräsenten Sound rausholt. Bei How Deep Is Your Love bedient er sich nämlich ganz schön bei der 90er Version von Deep House. Das Piano darf ein bisschen klimpern und ein Anflug von Dream House lässt sich identifizieren. In der Extended Version ist dann sogar eine 303-Sequenz eingebaut. Sehr hübsch.

Hier macht Calvin Harris also endlich mal wieder das, womit er seine musikalische Karriere begann: Historisches adaptieren und ins Jetzt transportieren. Bei Acceptable In The 80s hat das vor fast 10 Jahren ziemlich geil hingehaun, bei How Deep Is Your Love funktioniert's nochmal ganz gut. Sogar mit Vocoder/Autotune-Effekt.



Die insgesamt solide Soundproduktion wurde mal wieder von Emil Nava mit einer schräg-düsteren Bildwelt versehen. Im Mittelpunkt steht das Modell Gigi Hadid – wir können Sie beobachten wie sie von einem Autopsietisch steigt und dann durch diverse halbseidene Partyszenen wandelt. Das Ganze bleibt immer in Andeutungen stecken, da darf sich jede*r einen eigenen Reim drauf machen. So weit ganz schön – auch die Art wie der Clip abgefilmt und mit Effekten versehen wurde ist durchaus überzeugend: verschiedenste Lichteffekte und Beleuchtungssituationen, ein bisschen Solarisation und ordentlich konträre Wechsel zwischen den Helligkeiten.

Ein bisschen langweilt dann aber doch, dass es immer wieder nur der Körper von Gigi Hadid ist, der da im Mittelpunkt steht. Auch wenn es eine sehr schöne Frau geht und diese Schönheit ihr offenbar in den Geschichten zum Verhängnis wird, ein bisschen mehr Abwechslung oder vielleicht auch mal eine etwas andere Körperhaltung als nur ein laszives sich Rekeln würde mir schon auch gefallen.
Auch die Stereotypen von schnellen Booten und Swimmingpool-Orgien sind nun auch nicht gerade das, was ich einen Aufreger nennen würde. Aber gut, es ist als leichte, sommerliche Unterhaltung angelegt. Warum auch nicht? Kann man schonmal machen.

Philip George: Wish You Were Mine

Worauf junge Menschen so alles kommen? Zum Beispiel ein Sample von Stevie Wonder zu verwenden.

OK - am Ende bleibt davon nicht viel übrig. Ist dann auch egal, ob es der Meister höchstselbst aufgenommen hat oder nicht. Aber wenn dieser am Ende sogar selbst die Verwendung noch genehmigt, na dann ist doch jeder Jungproduzent sofort geadelt und es kann gar nichts mehr schief gehen.

Mehr als Marketing ist das alles aber nicht. Oder kümmert sich jetzt ernsthaft jemand darum welches Verhältnis das Original My Cherie Amour zu Wish You Were Mine hat? Sogar der Titel ist ein komplett anderer. Die Bezüge - wenn es sie denn überhaupt gibt - können offensichtlicher nicht verweigert werden.

Also: Graben wir mal nicht weiter in der Geschichte. Das würde sehr wahrscheinlich das vorliegende Ergebnis völlig überstrapazieren und tot interpretieren. So schlimm ist der Track dann wirklich nicht.

Trotzdem bleibt natürlich die Frage: Wie kommt so ein Mensch wie Philip George, Jahrgang 1993, an Material aus den späten 70ern?

OK - er wühlt gern in den Plattenkisten seiner Eltern. Vielleicht ist er sogar ein echter Vinyl-Nerd. So wie Andreas Dorau in den 90ern mal ganz unkeusch alte DDR-Hits von Veronika Fischer und Frank Schöbel ausgegraben und benutzt hat. Das Ergebnis war erfrischend, funky und auf alle Fälle ganz neu.
So weit würde ich mich bei Philip George jetzt nicht aus dem Fenster lehnen. Wish You Were Mine wiederholt da eher, was beim jungen DJ vielleicht als Kindheitserinnerung noch vorhanden ist: 90er Jahre Housemusic. Das Gesangsschnipselchen hätte es an dieser Stelle vermutlich gar nicht wirklich gebraucht. Es dient höchstens als - dann doch recht schnell nervender - Wiedererkennungseffekt.
Der stellt sich unweigerlich ein und bedient im neuen musikalischen House-Umfeld eine Sehnsucht, die einige Jung-Erwachsene derzeit ganz gern zurückträumen lassen an die Zeit als noch so viel möglich schien und das Leben sowieso noch ganz einfach war. Ist das der Grund für die massenhafte Wiederentdeckung des Sounds, der mindestens durch KIESZA gerade perfekt zelebriert wird und sogar solche Rap-Biester wie Kid Ink oder DJ Snake zum Neu-Verwursten animiert?

Erstaunlich ist, welche Kraft dieser Sound, diese Idee immer noch hat. 20 Jahre danach. Auch wenn House mittlerweile alles andere als ein Nischenphänomen ist, kann es offenbar immer noch als Bezugs- oder Fluchtpunkt für die Kleinstadt-Tristesse dienen. Kopfhörer auf und die Welt ist plötzlich voller ekstatischer und fröhlicher Menschen. Statt Vorgarten-Idylle und Supermarkt ist es Freude, Party, Tanz, welche das Leben bestimmen.



Die Bezüge hier auszugraben verspricht ein bisschen mehr Aufschluss über das heutige Sein. Wieder einmal ist es ein Straßenvideo: Ungeschminkter Alltag mit ordentlich abgeranzten Ecken und Hässlichkeiten in dem bewusst eine Kunstwelt aus Choreographie und Inszenierung platziert wird. Inszenierter Realismus – oder vielleicht besser "ergänzte Realität" wie sie international KIESZA oder in Deutschland vor allem Kim Frank zelebrieren. Ganz nah dran am Leben, und gleichzeitig der Ort für Wünsche und Träume. Es ist nicht unbedingt die komplett neue Welt mit völlig anderen Grundbedingungen und Umgebungsvariablen. Es reicht schon, mit etwas mehr Freude durch das Leben zu gehen und alles würde erträglicher und vermutlich um Einiges weniger spießig. Ein Ziel, das irgendwie auch erreichbar scheint und zumindest lebenswirklich aussieht.

Daneben sieht die Vision von CHARLI XCX sehr viel unreflektierter, kindergartenmäßiger und irgendwie auch spießiger aus. Veränderung fängt manchmal vielleicht doch eher im Kopf an.

Clean Bandit & Jess Glynne: Real Love

Sind Clean Bandit jetzt also die neuen großen Stars?

Innerhalb von knapp einem Jahr der zweite richtig durchschlagende Erfolg. Und der klingt dann auch fast genauso wie der erste Rather Be. Ist nur noch mehr Richtung Pop ... ähm nee, eigentlich sogar Disko im Stil der 90er gedreht. Dazu die Streicher – und schon fühle ich mich zurückgeworfen in ein anderes Jahrzehnt. Saturday night Fever meets Robin S.

Das ist richtig schön. Wenn man dieses überschwengliche Gute-Laune-Gefühl mag. Ich finds gut. Und trotzdem ärgert mich Real Love. Wobei ich zugeben muss, dass es weniger mit dem Song zu tun hat, auch nicht mit der Band an sich. Die ist über weite Strecken sogar sehr konsequent und aufrichtig.

Mich nervt vor allem, dass Clean Bandit von nahezu allen gemocht und gelobt werden.
Ist das der neue Konsens-Pop?

Und was nervt mich eigentlich an Dingen, die allgemeingültig sind, die auf ganz breiter Fläche überzeugen?
Es ist diese Ahnung, dass breite Zustimmung immer auch mit Kompromissen und Zugeständnissen zu tun hat. Zumindest im künstlerischen Bereich.

Da haben sich also vier junge Menschen zusammengefunden und produzieren Dinge, die so durchschnittlich sind, dass sie der Mehrheit gefallen können: Den Musikjournalisten genauso wie den kaufenden und konsumierenden Menschen, den etwas älteren Hochkultur-Liebhabern ebenso wie den jungen Wochenendpartytouristen vom Lande, dem Charts-orientierten Teenie wie dem eher mit Indie liebäugelnden Szene-Geek. Das sind sehr viele verschiedene Ansprüche, die sich bei Clean Bandit irgendwie wiederfinden – kleinster gemeinsamer Nenner sozusagen.

Auch das muss alles nicht schlimm sein. Over The Rainbow war auch so ein Song – und trotz millionenfacher Sympathie ist die Interpretation von Israel IZ Kamakawiwo'ole einmalig.

Das ist der Punkt, den ich bei Clean Bandit bislang vermisse. Ob nun Rather Be oder Real Love – irgendwie sind mir diese Produktionen zu beliebig. Was war nochmal die Eigenheit der Band?

Ja richtig, sie haben eine klassische Musikausbildung und lassen diese ihre Pop-Produktionen beeinflussen. Ich höre also Violinen, Cello, Piano, ich sehe wie die vier selbstvergessen an ihren Instrumenten musizieren – das hat schon etwas von großem Sinfoniekonzert.
In der Produktion auf CD oder als mp3 verschwinden diese Einflüsse aber fast völlig. Die Violinen und Celli müssen dem Synthesizer weichen, der Disco-Beat bestimmt die Struktur des Liedes.

Wenn das alles also einer großen Mehrheit gefällt, dann ist unsere Gesellschaft eine, die zwar ihre Traditionen (und Werte) kennt, aber diese ganz stark dem Bedürfnis nach mehr und anderem Vergnügen und Unterhaltung unterordnet. Oder weniger negativ formuliert: Wir können so ausgelassen feiern, weil wir mit unserer Vergangenheit ein solides Fundament haben, dass auch die ganz anders funktionierende aktuelle Zeit gut trägt.

Inwieweit dabei die Traditionen (in diesem Fall die klassische Orchestermusik) noch eine Rolle spielen oder tatsächlich Einfluss aufs heute haben ist eine ganz andere Frage. Wenn ich mir Produktionen von Ólafur Arnalds, Nils Frahm oder (ja – immer noch und immer wieder) Brandt Brauer Frick anhöre, dann weiß ich, dass es noch sehr viel mehr aus unserem kulturellen Erbe in die breite Popkultur mitzunehmen gibt. Und ich erlebe wunderbar konsequente, vielleicht sogar eigensinnige Umgangsweisen mit Musik. Natürlich ist genau das der Grund, warum die Genannten eben nicht in den Charts ganz oben stehen. Solch eher ungewöhnliche Kompositionen passen nicht in jede Musik-Vorliebe.

Aber zurück zu Real Love und Clean Bandit: Wenn ich die Allgemeingültigkeit von ihren Produktionen als das große Plus ansehe – man muss ja nicht immer gleich mit dem Normcore-Label kommen – und dazu das Video addiere, dann lande ich bei einer fröhlichen Feier der Vielfalt. Egal wer da wie aussieht, lebt oder fühlt, das was uns bindet ist die Sehnsucht nach Zweisamkeit und Real Love. Das ist doch eine schöne Grundlage auf der man miteinander leben kann.

SIGMA: Nobody To Love

Wann war eigentlich das letzte Mal ein Drum’n’Bass-Titel so erfolgreich?
Gab es überhaupt schonmal einen Drum’n’Bass-Track, der das geschafft hat?
Ich kann mich nicht erinnern.
Dabei ist dieser Stil gut und gerne schon mehr als 20 Jahre etabliert. Gereicht hat es für den Massengeschmack nie. Was ist nun anders?

Zunächst mal gab es in der Zwischenzeit eine digitale Revolution und damit auch eine ungeheure Beschleunigung des Lebens. Einen Film oder ein Musikvideo aus den frühen 90ern heute anzuschauen ist schier unaushaltbar (so laaaaangweilig sind die). Und selbst solch ein Film wie Sunshine, der ja 2008 irgendwie auch die Langsamkeit zelebriert hat im Vergleich zu Stalker oder Solaris von Andrej Tarkovsky ein atemberaubendes Tempo.

Das mal die ganz platten Vergleiche aus dem Kulturbusiness. Im Alltag selber braucht nur jeder zu schauen, wie lang ein Text heute noch sein darf um wirklich komplett gelesen zu werden – nicht überflogen. Und wieviele Bilder wünschen wir uns dazu? Am besten gleich programmiert als Dia-Schau.

Die immer schnelleren, alltäglichen Abfolgen machen es möglich sich auch an schnelleren Rhythmusstrukturen zu erfreuen. Ein paar hatten dieses Gefühl des Glücks bei Drum’n’Bass eben schon vor 20 Jahren – die Masse zieht erst jetzt so richtig nach. Wie so oft war es zunächst die britische Gesellschaft, die in Sachen Tempo und popkulturellen Moden ohnehin etwas schneller und exzessiver ist und die deshalb vor fünf sechs Jahren begann die Rhythmus-Abfolgen der 90er wiederzuentdecken und neu zu kombinieren. Grime war so ein Ausflug, gefolgt von den etwas gezähmteren Produktionen mit Emeli Sandé und so langsam wurde auch der Kontinent hellhörig. In diesem Sommer nun ist der Weg geebnet genug, dass ein junges Produzenten-Duo wie SIGMA es tatsächlich schafft einen kleinen Sommerhit zu platzieren.

Mit Nobody To Love ist Drum’N’Bass plötzlich da, macht Freude und lässt den Alltagsschrott vergessen. Mit Sicherheit hat die große Nachfrage auch damit zu tun, dass der Verdruss am übermächtigen Deep House-Schubidu doch schon ein paar Leute mehr erfasst hat. Genug zumindest, um wahrnehmbar eine andere Form der elektronischen Entspannung zu propagieren.

Nicht zuletzt zelebriert Nobody To Love auch noch einmal sehr schön das gängige Zitieren und Neu-Verarbeiten von Ausschnitten, das mit der Wiederholung der Wiederholung eine Vertrautheit erzeugt, die mich sofort einnimmt. Vor einem Jahr präsentierte Kanye West bereits den Refrain als Intro und Bridge für seine Auskopplung Bound 2. War nicht übermäßig erfolgreich, aber offenbar präsent genug um ausgeschlachtet zu werden. Mr. Kanye West himself hatte für seinen Track aber auch bereits ordentlich in die Kiste der Musikgeschichte gegriffen. Die Melodie von “I Know You’re Tired Of Lovin’ With Nobody To Love” ist nämlich hübsch arrangiert um ein Melodiestückchen aus dem Jahr 1977, eingespielt von Wee unter dem Titel Aeroplane (Reprise).

Genug Spurensuche betrieben – die 70er und die 90er sind ja nicht nur für SIGMA sehr wesentliche Inspirationsquellen. Da ließen sich hier noch einige andere Beispiele aufzählen, die in ihrer Atemporalität teilweise so klingen, als wären sie tatsächlich in diesen Jahrzehnten entstanden. SIGMA reiht sich also problemlos in den Mainstream ein. Genauso geschieht es auch mit dem Video.



Anhand der Oberflächlichkeit und Belanglosigkeit mit der hier ein sorgloses und heiteres Leben bebildert wird, mag ich mich gar nicht weiter in die Analyse stürzen. Das würde mir jeglichen Glauben an die Ernsthaftigkeit der beiden Produzenten hinter SIGMA rauben. Immerhin ließ es ja erstmal aufhorchen, dass da anstatt eines gute-Laune-Feier-Party-Hedonismus-Textes erstmal eine Negation als zentrale Botschaft stand: Keinen zum Lieben! – Hübscher Bruch mit gängigen Klischees.

Aber wir müssen uns wirklich nichts vormachen: Mit SIGMA hat Drum’n’Bass endgültig seine Unschuld verloren. Ob das so wirklich nötig war?

OneRepublic: Love Runs Out

OneRepublic ist eine Band, mit der hab ich schon so meine Probleme. Das hängt vielleicht mit der allgemeinen Glaubwürdigkeitskrise von PopRock und Alternative zusammen. Vielleicht liegt es aber auch nur daran, dass die Überpräsenz im Mainstream eben auch eine völlige Belanglosigkeit erzeugt und gar nichts mehr in irgendeiner Art Bedeutung hat. Vielleicht nehme ich dieses ganze Musikbusiness auch einfach nur zu ernst. Denn irgendwie bin ich hier ja immer auf der Suche nach einem Zusammenhang zwischen Kulturprodukt und Lebensalltag. Dass Menschen einfach alles was sie tun und konsumieren egal ist, kann ich nicht glauben.

OneRepublic und deren Leadsänger Ryan Tedder also waren bei dieser Auseinandersetzung regelmäßig Anstoß zu neuen Überlegungen. Eingängig bis zum Abwinken, damit erfolgreich hoch und runter, gleichzeitig aber völlig bedeutungslos weil fast immer in einer unglaublichen Beliebigkeit alles zusammenschmeißend, was ihnen nur zwischen die Finger kam. Nun kommt die Lead-Single zur Deluxe-Wiederveröffentlichung ihres Albums Native und wunderbar lässt sich wieder alles das bescheinigen, was bereits bei den vorhergehenden Hits zu kritisieren war.

Seltsamerweise geht mir Love Runs Out aber dann doch nicht schon beim dritten Mal völlig auf die Nerven vor lauter Allerweltsbreiigkeit, sondern es setzt sich fest und fängt mir an zu gefallen. Was ist denn da los? Hat der Song tatsächlich eine andere Qualität? Etwas, das ich seit Apologize nicht mehr finden konnte.

Vielleicht ist es die Ähnlichkeit zu schon Vorhandenem, die dem Titel in einigen Foren bescheinigt wird. Von Kanye West bis Adele reichen offenbar die Referenzen. Haben sich also Ryan Tedder und seine Jungs einfach sehr sehr clever altbewährter Rezepte bedient, ein paar Melodienschnipsel neu zusammen gefügt und so unserer Wahrnehmung ein Schnippchen geschlagen: Kenn ich – gefällt mir?


Kanye West “Love Lockdown” und Adele “Rumour Has It”

Die Ähnlichkeiten sind wahrhaftig nicht abzustreiten, aber OneRepublic beschränken sich nicht einfach auf ein hübsches MashUp, sie fügen der Rhythmusorientierung, die beide Vorlagen besitzen, noch etwas hinzu: Ein zwingend einnehmendes und über den kompletten Song wiederholtes Piano-Riff. Das verleiht dem Titel einen Sog und eine Funkyness, die ich in dieser Art bei einer OneRepublic-Single noch nicht entdeckt habe. Und die auch gleich noch eine neue Referenz eröffnet. Denn bereits bei der ersten Begegnung mit Love Runs Out stellt sich ein Dèja vu-Effekt ein: Diese Art, einen Song zu beginnen, zelebrierte Ende der 90er bereits Moby mit seiner Single Honey.



Auch wenn die beiden Songs ansonsten nichts weiter gemein haben, so finde ich hier doch ein paar hübsche (wahrscheinlich sehr zufällige) Parallelen. Moby nämlich spielte mit dem Album Play, von welchem Honey stammt, recht ausführlich durch, was es bedeutet seine elektronisch-melancholische Handschrift mit Anleihen aus dem Funk zu versehen. Nach 10 Jahren im Musikbusiness erfand er sich so quasi noch einmal ganz neu. Ähnlich tat das in dieser Zeit auch noch einmal Fatboy Slim/Norman Cook, obwohl der in den 10 bis 15 Jahren seiner bis dahin gehabten Musikkarriere schon häufiger sein musikalisches Repertoire grundlegend durchgerüttelt hatte.

OneRepublic haben nunmehr auch 10 Jahre Erfahrung in der Tasche und mir scheint, dass sie mit Love Runs Out tatsächlich einen für sie neuen – oder sagen wir: ungewohnten Weg einschlagen. Wohin dieser sie führt und ob sie überhaupt gewillt sind, hier weiter auszuprobieren, das darf getrost mit großen Fragezeichen versehen werden. Denn noch sieht alles eher aus wie nichts weiter als ein derzeit modischer Rückgriff auf die Endneunziger. Dieser Eindruck wird gestärkt durch das fukminante Video, welches sie zu Love Runs Out liefern.



Das sind Pop-Video-Bilder wie sie Großraum-Acts ganz gern mal benutzen: Überwältigend bunt, auch pathetisch und bedeutungsschwanger. Besser hätte es David Lynch in den 90ern auch nicht hingekriegt. Höchstens, dass seine Düsterkeit noch um einiges mystischer und verrätselter war. Bei OneRepublic drängen sich die Fragen nach Bedeutung jetzt weniger auf. Ich verstehe zwar die historischen und Ethno-Bezüge überhaupt nicht: Warum bitte muss der Drummer in so einem ägyptophilen Outfit da sitzen? Und was sollen die ekstatisch tanzenden Frauen mit Bändern im Haar? – Aber das will im Jahr 2014 ja im Grunde kaum jemand wirklich wissen: Ägypten ist seit Katy Perry’s Dark Horse mehr als salonfähig und musikalisch-tänzerische Ekstase gehören quasi zum Repertoire des Post-Techno-Pops. Allemal ist es sehr schön anzusehen. Den meisten Musikkonsumierenden reicht das.

Im Fall von Love Runs Out hat das Bild aber tatsächlich auch etwas mit dem Songinhalt zu tun. Ryan Tedder beschreibt hier manisch-expressive Gefühlssituationen: Extase und Hingabe bis zum bitteren Ende, Genuß und Selbstvergessenheit ohne Kompromiss. Diese Wildheit in ethno-inspirierte Konstellationen zu stecken bedeutet gleichzeitig eine Kritik an unserer vorherrschenden Kultur. Offenbar ist in der westlich geprägten Konsumwelt nicht viel Platz für wilde und unbändige Emotionen. Und erst recht nicht für Menschen, die sich diese zu eigen machen. Das geht maximal in abgeschlossenen Settings oder eben in Kulturen, die Nordamerikanern und Westeuropäern als ritualgeprägt und irgendwie wild erscheinen. (Dass alles das auch ein sehr sehr schwieriges Unterfangen ist, das wäre einen eigenen Artikel wert.)

An dieser Stelle könnte ich Schluss machen und OneRepublic einen großen Wurf bescheinigen: Subtile Gesellschaftskritik mit einem Popsong. Allein, die bisherigen Erfahrungen mit der Band lassen mich zweifeln und zögern, diesen Schritt zu tun. Die Verhältnisse zu kritisieren und sich gleichzeitig affirmativ-anbiedernd im System zu inszenieren find ich einen sehr waghalsigen Ansatz. Jaja – ich höre das häufiger: Wir kämpfen nicht mehr gegen das System, wir verändern/zerstören es von innen heraus. Hoffentlich ist das System an dieser Stelle nicht klüger und schneller.

Im Fall von OneRepublic hat es zumindest schonmal nicht funktioniert. Love Runs Out wurde vom ZDF eingekauft um die Berichterstattung zur Fußball-WM in Brasilien musikalisch aufzupeppen. Von dem Song, seiner Kraft und seinem möglichen Potenzial bleibt in den Minuten-Einspielern nicht sehr viel übrig. Allemal ist es aber immer noch besser als der unsägliche Einsatz von Andreas Bourani’s Auf uns. Das kriegt nämlich in der steten Wiederholung einen ganz unangenehm nationalistischen Dreh.

KIESZA: Hideaway

Da haben wir also mal wieder einen kanadischen Act, der sich in die Ohren – und in diesem Fall wohl auch Tanzbeine – der Kontinentaleuropäer drängelt.

Obwohl das Land recht groß ist und auch einige Einwohner hat, ist die musikalische Ausbeute von dort scheinbar doch eher dünn. Vielleicht liegt dieser Eindruck auch ein wenig daran, dass hierzulande Kanada und die USA gern als ein kultureller Raum gesehen werden und die kanadische Eigenständigkeit gar nicht so bedeutend wahrgenommen wird. Für Kanadier in den USA ist das schon deutlich anders. Die sind dort nämlich erstmal eines: Ausländer.

Aber zurück zu den Gemeinsamkeiten. Mit dem Verweis darauf bin ich nämlich bei einem wesentlichen Merkmal von Hideaway. Der Track ist eingängig, infektiös, trifft den Nerv der Zeit – vor allem, weil hier sehr gekonnt ein paar Erfolgsrezepte angewandt und wiederverwertet wurden.

Schon beim ersten Hören habe ich Erinnerungen und vermute bewusst gesetzte Verweise auf einen Überflieger-Track der 90er: Show Me Love von Robin S. aus dem Jahr 1993.



Nun hat dieser Titel in den letzten Jahren immer wieder mal eine Renaissance erlebt, sei es als Grundlage für eine 1:1-Coverversion (Michael Mind Project) oder auch etwas indirekter benutzt für eigenständige Tracks (Kid Ink). Kluge Produzenten orientieren sich also an dem bekannten und erfolgreichen Klangbild, sind aber schlau genug, das Ganze dann doch ein bisschen weiter in die Eigenständigkeit zu treiben, bleiben aber hübsch im Groove der 90er, auch das House-Piano kommt noch mal zu Ehren (besonders in den zahlreichen Remix-Versionen ist das bis zum Abwinken ausgewalzt) … kann hier eigentlich noch was schief gehen?

Na klar, kann es. Es reicht selbstverständlich nicht einen auf 90er zu machen und schon funktioniert’s. Glücklicherweise sind da die Musikkonsumierenden doch schon etwas eigensinniger. Aber Kiesza hat da tatsächlich noch zwei Trümpfe im Ärmel. Zum einen nimmt sie den Grundsatz der 90er Clubmusik ernst und verzichtet auf zu viele Botschaften. “Ooh uh” sind Aussage genug, schließlich geht es hier auch um grundsätzliche Bedürfnisse: Tanzen und sich vergessen bis der Körper nicht mehr kann. Der Godfather der Chartkommentatoren höchstpersönlich, James Masterton, sah sich angesichts dieser Kompromisslosigkeit zu einer kleinen Lobeshymne veranlasst.

Trumpf Nummer 2 ist das von Kiesza mitgelieferte Video. Und da landen wir wieder beim Anfang dieses Textes. Denn wenn es ein Video in den letzten Monaten gab, welches für Aufsehen sorgte, dann war das der 24h-Happy-Rundumschlag von Pharrell Williams. Gedreht an einem Stück (oder zumindest so clever geschnitten, dass es aussieht als gäbe es nur eine einzige Kameraaufnahme), macht Kiesza genau das selbe und zieht mich mindestens genauso in den Bann.



Ich weiß gar nicht genau, was mich an dieser Art zu filmen immer noch so fasziniert. Ist es die Überstrapazierung der immer schneller geschnittenen Filme und Videos? – Ich freu mich eben auch mal über etwas gestalterische Ruhe. Oder ist es die Lust daran zu gucken, aus welchem Hauseingang und hinter welchem Container nun die nächste Person hervorspringt? Quasi das Ratespiel der Möglichkeiten. Oder ist es schlichtweg die Choreographie die hier gekonnt Gruppeneinlagen mit Pas de deux’s oder Solos kombiniert?

Ich denke ein wesentlicher Faktor ist die Inszenierung in der Realität. Was passiert wenn eine exaltiert tanzende Frau auf einer normalen Straße durch Bauarbeiter und Joggerinnen springt? Welche Reaktionen kann ich erwarten? Lässt sie sich von solchen Störungen und Zufällen aus dem Konzept bringen? Und ist das vorbeifahrende Auto nun bestellt oder Zufall?

An dieser Stelle eröffnen sich Parallelen zu dem, was aktuell in Musikvideos aus Deutschland zu beobachten ist, und das ich mal frech unter den Begriff “inszenierter Realismus” gepackt habe. Es geht um die Wirklichkeit, es geht um Authentizität. Aber das Ganze ist sehr bewusst und deutlich eben auch ein Stück Inszenierung und im besten Falle Kunst. Kunst die sich eben auch in der Wirklichkeit behauptet und kein bisschen Angst hat oder Rücksicht nimmt. Beides so deutlich nebeneinander zu stellen und aus der Diskrepanz heraus Spannung zu erzeugen, das find ich ein ganz schlaues Konzept.

Route 94 Feat. Jess Glynne: My Love

Jess Glynne ist die Stimme dieses Frühjahrs. So viel steht schon mal fest. Nachdem sie auf Rather Be der Band Clean Bandit kürzlich ausgeholfen hat (und vermutlich nicht unwesentlich zu deren Erfolg beigetragen hat), leiht sie nun die Stimme dem DJ und Produzenten Route 94, der mit My Love seinen ersten Ausflug in Deep House Gefilde macht und gleich mal alles was er zuvor unter dem Namen Dream in Sachen Dubstep veröffentlichte völlig in den Schatten stellt.

My Love also die nächste Deep House-Dudelhymne? Mitnichten. Route 94 führt vor, dass die kontinentale Definition des Stiles, die derzeit allgemein die Runde macht, mit den Ursprüngen nicht mehr so viel gemein hat. Außer vielleicht dem Rhythmus. Das gelingt dem Produzenten vor allem durch seinen Zugriff auf das House-Piano aus den 90ern, welches hier als zentrales Instrument eingesetzt wird und mit ein paar Synthesizer-Klängen und dem eher soul-affinen Refrain ergänzt wird. Diese Mischung schließt nahtlos an 90er Jahre Hosue-Produktionen an und führt damit noch einmal exemplarisch vor, was die Wurzeln des derzeitigen Mainstream-Sounds sind. Da wo andere DJs mit 80er Jahre Saxophon oder Akustik-Gitarrensound in die romantische Neo-Hippie-Gemütlichkeit abdriften, da sucht Route 94 nach wie vor den Anschluss an den Dancefloor.



Natürlich ist auch dieser Song nicht gefeit davor als Lounge-Hintergrund eingesetzt zu werden. Das wird nach den letzten Monaten vermutlich nie wieder möglich sein. Immerhin aber ist die Stimme von Jess Glynne so präsent, dass dann doch früher oder später mal die Aufmerksamkeit auf das gelenkt wird, was uns akustisch umgibt und die völlige Belanglosigkeit unterbrochen wird.

Ähnliche Effekte stellen sich ein, wenn man mal durch die anderen Remixe und Produktionen von Route 94 surft. Da drängt sich immer wieder ein starker 90er Jahre Bezug auf, der zwar zeitlos, aber nicht belanglos unzeitgemäß auftritt. Vielleicht ist Deephouse ja doch noch nicht völlig verbraucht.

BASTILLE: Of The Night

Das 90er Revival scheint sich ernsthaft durchzusetzen. Genauer gesagt: Das Eurodance-Revival. Denn das ist es, was sich da in den letzten zwei Jahren immer wieder mal Aufmerksamkeit verschaffte. Und bislang war es tatsächlich die Frage: Warum nur?

Weder Think About The Way noch Freeed From Desire würd’ ich jetzt als die Sternstunden der Kreativität bezeichnen. Sicherlich, da hat man wohl nach gefeiert – mehr oder weniger gezwungenermaßen. Aber waren das wirklich die wichtigen und maßgeblichen Tracks für Jugendliche oder jung Gebliebene?

Warum wiederholt sich offenbar alle 20 Jahre vor allem der Trash?

Ich schätze, das hat etwas mit dem Generationenwechsel zu tun. Die Jungs von BASTILLE waren Anfang der 90er zwischen 10 und 14 Jahre alt. Selbständig und bewusst genug um Musik zu konsumieren, zu jung und unerfahren um schon einen eigenen, ausgeprägten Geschmack zu haben. Sie sangen einfach das mit, was da täglich im Radio dudelte. Eurodance zum Beispiel. Und zwar eher der möglichst glatte, einfallslose, wenig störende. Belangloses Zeug, das im Hintergrund hübsch dahinwabern kann. Und dieses Zeug ist nun in den Köpfen von jungen Musikern und DJs. Das ist mitunter ganz schön furchtbar.

Wenn sich dann diese jungen Menschen auch noch an ihrem Kindheitsfundus bedienen, dann möchte ich erstmal ganz schnell in Deckung gehen. Und so war ich ordentlich auf der Hut als BASTILLE sich Rhythm Is A Dancer als Vorlage aussuchten. Das finde ich reichlich gewagt, fast schon übermütig. Wer will sich solch einem Überhit – egal ob man ihn nun mag oder nicht – ernsthaft stellen. Da kann man doch eigentlich nur verlieren.

Aber, BASTILLE sind da doch ordentlich clever. Sie spielen nicht einfach noch eine Coverversion oder einen 2013er Remix ein (so wie es olle Dr. Alban oder der unsägliche DJ Bobo mit sich machen lässt), sondern sie nehmen sich ein Stückchen ihrer Erinnerung und schmeißen sie zusammen mit einer anderen Erinnerung, aus der gleichen Ecke. In diesem Fall Rhythm Of The Night von Corona. Damit nicht genug, sie interpretieren das Ganze dann auch auf eigene Art.



Das ist dann auch das Neue an diesem Revival. Anders als bei den 80ern besteht hier die Wiederbelebung in einem freudvollen Zitieren und neu Kombinieren – zumindest bei den erfolgreicheren Stücken. Junge Menschen haben also keineswegs Lust permanent das Gleiche nur zu wiederholen. Da gibt es schon eine eigene Sicht auf die Dinge, eine eigene Meinung.

Bei BASTILLE wird demzufolge aus der hedonistischen Hymne auf ein exzessives Nachtleben eine eher düster-zynische Geschichte. Der Rhythmus der Nacht wird durch das Video zur blutigen Spur von Morden und Suiziden, das Stroboskop ist das Blaulicht der Rettungs- und Polizeiwagen, und die selbstverlorenen Tänzer werden zu emotionslosen und abgestumpften Straßengangs. Dass diese Party nur im eigenen Untergang enden kann ist da nur konsequent.

BASTILLE liefern keine Lösung oder Idee, was nach der großen Hoffnungslosigkeit und Desillusion kommen könnte. Ein bisschen klingt das nach Ratlosigkeit und Ergebenheit in’s Schicksal. Das ist vielleicht der Grund, warum mir nach einigenmalen Hören der Beat doch zu tanzbar ist. Mehr von den Alarmsirenen, welche den Song einläuten, würde mir besser gefallen. Weil es verstörender ist, weniger gefällig. So kann ich mich in meiner zynischen Haltung wohlfühlen und genauso weiter machen wie bisher. Wie lang das funktioniert werden wir ja sehen.

Flo Rida Feat. Pitbull: Can't Believe It

Erinnert sich noch jemand, wann Flo Rida den letzten coolen Track veröffentlicht hat? – Ok, Good Feeling war schon ein ordentlicher Ohrwurm. Aber das war ganz wesentlich den Anleihen bzw. der Vorlage von AVICII zu verdanken. Sonst kam ja von Flo Rida eher überproduzierter Kindergartenquatsch mit alberner Bildsprache. Mit Can’t Believe It ändert sich das schlagartig. Denn dieser Song ist wirklich verdammt cool.

Natürlich ist das Ganze – wie sollte es auch anders sein – sexistisch in Hochpotenz. Es reduziert Frauen auf Ärsche und macht sie auch sonst zu nichts anderem als Objekten der männlichen Lustbefriedigung. Sich daran abzuarbeiten ist im Falle von Flo Rida und seinem Steigbügelhalter Pitbull völlig sinnlos. Neu ist in dieser Machotour, dass Flo Rida sich seit langem mal wieder einer Atmosphäre und eines Sounds bemüht, der tatsächlich so sexualisiert daherkommt wie der Inhalt. Das ist ihm seit seinem Debut-Album Mail On Sunday von 2008 kaum mehr passiert. Besinnt sich da ein Pop-Artist auf das, was er tatsächlich kann und ist?

Nun muss man natürlich zugeben, dass ein Großteil der Coolness aus den schlauen Anleihen und Zitaten stammt die in größerer Anzahl Can't Believe It bevölkern. Das heißt, hier hat Flo Rida vor allem mal mit der Wahl der Produzenten ordentlich Glück gehabt. Diese benutzen ziemlich unverkrampft eine ganze Reihe von Erfolgsrezepten.

Zunächst mal bedient sich Can’t Believe it sehr frech einer Hookline / eines Riffs, dass wir fast haargenau so von den White Stripes kennen. Sich an einem Hit wie Seven Nation Army heranzumachen finde ich ziemlich gewagt. – Nun, das Publikum kann damit umgehen und findet’s offenbar sogar gut.



Referenz Nummer 2: Sexy Back von Justin Timberlake produziert von Timbaland. Auch hier ist es wesentlich mehr als die Hintergrundmurmelrufe, die tatsächlich 1:1 übernommen wurden. Die Art wie der Rhythmus in einen peitschenden Elektro-Funk verwandelt wurde ist ziemlich identisch.

Und schließlich entdeckt man auch einen hübschen Verweis auf Yellos Oh Yeah aus dem Jahr 1987.





Natürlich gibt es noch eine ganze Reihe mehr an Verweisen und direkten Zitaten – allein die Kombination der drei oben genannten ist eine ziemlich irrsinnige Mischung, die auch zeigt, dass Sampling und Remixing eine spannende, freudvolle und inspirierende Sache sein kann.

Und so wie sich der Sound durch die Jahrzehnte und Stile arbeitet, so bedient das Video einen Cut-and-Paste-Stil, der auch ein wenig an frühe Computergrafiken aus den 90ern erinnert. Die Regisseure Geremey & Georgie Legs zeigen damit, dass sie sehr genau die aktuellen Entwicklungen in Sachen Musikbebilderung studiert haben. Diplos Butter’s Theme macht nämlich genau dasselbe (und dreht es noch um einige Stufen weiter ins Extreme, was die tatsächlich neue Qualität ausmacht).


Flo Rida Feat. Pitbull – Cant’t Believe It


Diplo – Butter’s Theme

Der Vergleich der beiden Videos scheint mir spannend. Denn auch Diplo spart ja nicht mit Anzüglichkeiten und vor Sexualität strotzenden Wort- , Musik- und Bildspielchen. Im Gegensatz zu Flo Rida & Co. kommt er aber völlig ohne den Macho-Blick aus und ist alles andere als frauenverachtend. Da kann so mancher Pop-Star noch ein bisschen was lernen.

Zum Ende bringe ich hier mal noch einen aktuellen Track ins Spiel, der in Sachen Coolness locker mit Can’t Believe It mithält und den ich hier sicher in wenigen Wochen auch nochmal genauer abfeiern kann: Give It 2 U von Sexyfunk-Master Robin Thicke … haltet mal Ausschau danach.

Frída Gold: Liebe ist meine Rebellion

Ja ja – die 90er haben uns wirklich fest im Griff. Leider leider ist bei diesem Revival auf ein eigentlich recht buntes Jahrzehnt, in dem es vielleicht erstmals mehrere (also nicht bloß zwei oder drei) unterschiedlichste Stile gleichberechtigt und gleichwichtig nebeneinander gab – leider reduziert sich die Rückbesinnung dann doch eher auf ein einziges Genre. Im Fall der 90er ist es momentan die Erinnerung an Euro-Dancefloor. Ein durchaus rutschiges Parkett.

Nachdem vor ein paar Monaten Ice MC durch arash & Sean Paul wiederbelebt wurde, nimmt sich nun die deutsche Band Frída Gold eines Hits von Gala an: Freed From Desire. Im frühjahr 1997 brachte es dieser Titel doch zu einiger Popularität in Europa. Immerhin erreichte er sogar Platz 2 in Großbritannien. Obwohl Gala Rizzatto danach auch weiterhin produzierte und Tracks veröffentlichte, blieben ihr weitere Erfolge verwehrt.



Vor einiger Zeit nun machte sich schon DJ Klaas an den 90er Hit. Das Ergebnis fiel eher mittelmäßig aus. Aus einem zu Tode genudelten, mittelmäßigen EuroDance-Song macht man nicht so einfach einen coolen Track.

Frída Gold haben es trotzdem versucht und benutzen zumindest die Hookline aufs Neue. Glücklicherweise bleibt der Rest in der Mottenkiste und damit ist das Ergebnis überraschend eigenständig. Ja, ich erkenne noch das Zitat. Aber ich höre eben auch ganz viel Eigenes. Das war schon die Stärke bei Zeig mir wie du tanzt und auch bei Wovon sollen wir träumen. Natürlich benutzen Frída Gold gängige Produktionstechniken und Stile, aber sie definieren alles für sich selbst nochmal neu. Heraus kommt Popmusik, die den gängigen Geschmack trifft und sich trotzdem aus dem Allerwelts-Einheitsbrei abhebt. Wenn schon Mainstream, dann doch wirklich nur so.

arash feat. sean paul: She Makes Me Go

Jetzt höre ich diesen Titel also schon das siebte mal und mir fällt immer noch nicht viel dazu ein. Eher finde ich arash zunehmend debil. Das liegt vor allem daran, dass er so unsichtbar und ungreifbar bleibt. Mehr als den Refrain She Makes Me Go gibt er nicht von sich, das Gesicht und sein Auftritt im Video ist so glatt und auswechselbar – da hätte jetzt auch ein videoanimiertes Männel herumhüpfen können. Ich frage mich mehr und mehr, warum diese Single eigentlich unter arashs Namen veröffentlicht wurde. Sean Paul hat wesentlich mehr Präsenz.



Also irgendjemand tut hier einem nahezu Nobody einen Riesengefallen. Obwohl es arash ja in den letzten acht Jahren doch immer wieder mal geschafft hat mit dem einen oder anderen Auftritt doch ein paar Menschen auf sich aufmerksam zu machen. Aber lassen wir mal die Karriere des Herrn arash …

Schauen wir auf die Referenz. Durch das Soundsample haben wir hier mal wieder einen waschechten Vertreter der Sparte 90er Revival vorliegen. Noch wird darum gewettet, ob dieses Jahrzehnt so flächendeckend die laufende Dekade bestimmen wird wie es die 80er vor gut 13 Jahren taten. Wirklich weltbewegend war es ja wohl eher nicht: alles war möglich, praktisch musste es sein, ein bisschen Techno-Subkultur vielleicht. Und daran anschließend jede Menge schlechter Dancefloor-Sound. Wahrscheinlich waren die 90er mit 2unlimited und Scooter tatsächlich so etwas wie die Wiege der Eurodisco.

Bei She Makes Me Go hat sich das Produzententeam mal ordentlich bei Ice MC bedient. Der war um 1990 herum für kurze Zeit so etwas wie semi-berühmt und holte dann vier Jahre später zum Comeback aus, als er es mit Think About The Way bis auf den Soundtrack des Films Trainspotting schaffte.



Reichlich uninspiriert war das Ganze schon damals - immerhin passte es recht gut zu der erstmals in die Breite schwappenden Partydrogenwelle, die aufgrund von überschwenglich synthetischer Euphorie so allerlei an Sound möglich und erfolgreich machte.

Offenbar gleichen sich die Drogeneffekte von Mitte der 90er mit den heutigen doch einigermaßen, denn vor einem Jahr holte das deutsche Eurodance-Projekt Groove Coverage den Song wieder aus der Kiste. Da gab's so gut wie gar nichts Neues zu entdecken. Vielleicht eine minimal melancholische Note, immerhin spielte das Video mit so einer verlorenen-Chance-Geschichte. Das hat aber kaum noch jemanden interessiert.



Sean Paul und arash drehen die Produktion ein bisschen weiter: neben den üblichen 90er Dancefloor-Anleihen gibt es auch Großraum-Rave-Sounds wie sie seit DJ Antoine und David Guetta massenhypnotisierend eingesetzt werden. Ein paar Pfeiftöne dürfen im Hintergrund auch sein und natürlich verleiht Sean Paul dem Ganzen den nötigen Schwung Dancehall – ohne geht's ja derzeit nicht wirklich. Und am Ende ist auch das Video nicht mehr bloß ein Candle-Light-Dinner und eine 0815-Tanzbar – nein, es ist ein Schloss mit noch mehr Kronleuchtern und Swimmingpool ...

So sieht es also aus im Jahr 2013 – das sind die Träume sattgefütterter und zugedrogter Mittelschicht-Kinder. Da muss man schon reichlich selbstbezogen und interesselos drauf sein, um das wirklich gut zu finden. Und das sind offenbar einige mehr als 1994 – denn schon jetzt ist die neue Version erfolgreicher als das Original.