MoTrip featuring Lary: So wie du bist

Eigentlich hat Jan Stremmel in seiner Kolumne ja schon alles über diesen Titel und über MoTrip geschrieben. Aber gut, es gibt ja immer noch etwas mehr zu sagen. Auch wenn ich natürlich genauso anfangen MUSS: Was ist nur aus den Rappern dieses Landes geworden? Sido – der Grundschullehrer mit Ausflügen in TalkShow-Pöbeleien, Kollegah – macht jetzt sogar gleich seinen Abschluss in Betriebswirtschaft, Kool Savas – weinerlicher Großkotz, der mit Xavier Naidoo jammert und Bushido – wer war das nochmal?

Nun also MoTrip – angekommen ganz oben in den Charts dank eines Werbespots, der Kopfhörer verkaufen will aber eigentlich vor allem den Abschied des Bastian Schweinsteigers von Bayern München beklagt. Fußball verkauft sich gut. Bzw. verkauft alles. Auch einen Track, der ohnehin schon als beliebtester des letzten MoTrip-Albums Mama durchging. War also gar nicht so verwegen diese Musikauswahl.

Worum geht's? Junge von der Straße tut alles um endlich anerkannt zu werden, Teil der etablierten Gesellschaft. Schafft's aber nicht, weil da alles andere als guter Wille und Bemühung zählt. Auch wirkliche Entwicklung oder Können sind nix wert. Aber mal ehrlich, wer will eigentlich zu so einem Verein dazu gehören? Selbst, wenn der 1000x die Welt beherrscht und mit stocksteifen Anzügen einen auf Globalherrschaft macht. Das waren doch höchstens mal Wahrheiten in den 1980ern.

Nunja, das ist das alte Problem all der Recken und Haudegen aus dem Ghetto. Eigentlich kämpfen sie immer nur um Anerkennung. Sie geben sich das harte Image um nicht zeigen zu müssen, dass sie eigentlich nichts lieber hätten als ein Stückchen gesellschaftliche Anerkennung. Mit Schlägen und Brutalität schafft man das natürlich. Zumindest scheinbar. Da kann man sich dann auch mal den Champagner und die dicken Autos leisten. Aber natürlich wissen auch alle: Dieser Luxus hält nicht so besonders lange. Und Angst ist nicht Anerkennung. Also ist es wohl nur der normale Weg, dass die ehemals knallharten Rapper doch zahm werden, im Mainstream-Fernsehen Platz nehmen und ziemlich schnell ordentliche Spießer werden. Endlich dann doch noch geschafft mit der Anerkennung. Denken sie.

MoTrip als Sozialarbeiter ist da dann doch schon ein bisschen weiter. (Ich behaupte mal hier, dass das wirklich eine Weiterentwicklung ist. Jan Stremmel sieht das vermutlich eher anders.) Der macht aus dieser Jammernummer "Niemand nimmt mich ernst" etwas, das vielleicht so etwas wie Stolz oder Rückgrat zeigt. Der sagt nämlich: Ist mir doch scheißegal was ihr von mir denkt. Eure Werte sind nicht meine. Hauptsache diese eine da findet mich cool.
Eigentlich geil so eine Haltung.

Nur als Lied dann eben irgendwie auch ganz schön ... kitschigbiederkinoleinwandmäßig. Also irgendwie auch doof. Genau deshalb passt es dann unter so einen Werbespot wie den von Beats by Dre. Und erhält durch den Dauereinsatz als Hit vollkommen den Genickschuss. Da kann der Künstler wahrscheinlich am allerwenigsten dafür. Hat er sich bestimmt nicht selbst ausgesucht, dass sogar die ZEIT über ihn schreibt. Oder eben nicht über ihn sondern über den Fußballer.

Genau das ist das Problem an diesem Track. Den kann man dann sogar als eigenes Werk völlig weg ignorieren. Oder so weit vereinnahmen, dass ich sogar was anderes damit erzählen kann. Das ist nicht unbedingt ein Beweis für eine besonders grandiose und einmalige Produktion.

Mal zum Vergleich: Wenn ich mir den Kram von K.I.Z (um mal die derzeitigen Platzhirsche und Everybody's Darlinge zu bemühen) oder Den Orsons anhöre, dann finde ich auch nach 1.000 mal hören und auch in den idiotischsten Zusammenhängen: Hey – das ist ja immer noch spröde, frech und auffällig. Das hat MoTrip irgendwie nicht hingekriegt. Zumindest nicht mit Bleib wie du bist.

Und wie um zu unterstreichen, dass es um Mainstream-Präsenz und -Erfolg geht, statt um Eigenheiten oder einen aufrechten Gang geht, lässt MoTrip zu seinem ungewollten Hit auch noch ein Video drehen. Mit Lena Meyer-Landrut! Noch Fragen? Ja eine: Wo ist er nur hingekommen, der deutsche Rap? – Die Antwort ist auch klar: Im Pop-Business.

Milky Chance: Stolen Dance

Nachdem ich in den vergangenen Wochen hier ordentlich abgemeckert habe (aber dazu bin ich ja auch angetreten), muss ich mir heute vielleicht mal ein wenig Mühe geben und auch ein paar positive Dinge von mir geben. Das ist nicht ganz einfach, aber doch, bei Milky Chance geht das schon. Obwohl ich ganz ganz ehrlich zuallererst mal gedacht habe: ach Mensch, warum machen es sich diese jungen Menschen heutzutage nur so schwer? Was ist passiert, dass sie alle so weltfremd melancholisch umher rennen, sich irgendwie fremd fühlen und gar nicht recht das Leben genießen können? - Und dann versuche ich mich zu erinnern, wie das damals war, als ich so gerade mal 17 oder 18 war und .... huch, ich war ja genauso: verträumt, irgendwie desillusioniert und immer in dem Gefühl, ganz allein zu sein, niemand versteht mich - naja vielleicht eine einzige Person, aber die zu finden wird richtig richtig schwierig. Romantiker pur!

Und dieses Lebensgefühl beherrscht also eine ganze Menge junger Menschen auch im Jahr 2013. Und noch mehr Menschen (auch ältere) finden das, was daraus entsteht schön. Leben wir also in einer neuen Romantik-Hochsaison?

Wenn wir uns mal die erfolgreichen Hits der letzten Monate anschauen, dann fällt schon ein ordentlicher Hang zu romantischen Weltsichten auf: Klingande, James Blunt, Passenger, Lana del Rey die Country- und Folk-Welle. Romantik hier vor allem begriffen als der Gegenentwurf zur Realität. Der Wunschtraum, der Glücksmoment, das schöne Gefühl, es soll festgehalten und konserviert werden. Hier soll sich nichts ändern, denn jede Veränderung bedroht nur den IST-Zustand oder eben den Traum.

Im 19. Jahrhundert, da war die Romantik zu verstehen als eine Reaktion auf das immer schneller werdende Leben, auf die Industrialisierung und Mechanisierung des Lebens. Die deutlichen Veränderungen brachten einen Verlust des Bekannten und Vertrauten. Das Zuhause, die Heimat schienen gefährdet oder gar verloren. Diese Erfahrung und die starren herrschenden Formen ließen eine Reihe von Künstlern nach einem Ausweg suchen: in der ungebändigten Natur, der einmaligen, unverfälschten Liebe, dem Gefühl als einzigem Barometer für Echtheit und Wahrheit. Es war auch die Zeit der sich beginnenden Individualisierung der Gesellschaft. Goethe's Werther als der an der Wirklichkeit Zerbrechende, denn für seine unkonventionelle, individuelle Zuneigung gibt es keine Chance.

Auch heute wird die Welt immer schneller, immer technisierter, immer unübersichtlicher. Im Grunde ist es also kein Wunder, dass die Menschen auf dieser Welt mit einer romantischen Sicht darauf reagieren. Anders aber als vor 200 Jahren sind die Stilmittel heute alles andere als neu oder besonders individuell. Damals erfanden die Überforderten eine neue Sprache, sie warfen Konventionen der Komposition und des Textens über Bord. Sie verunsicherten auch ganz gehörig die Gesellschaft. Selbst die New Romantics in den frühen 80ern zelebrierten mit ihrem eiskalten Synthie-Pop eine neue Ästhetik. Heute ist das, was Klingande oder James Morrison oder Passenger in Reaktion auf den sie überfordernden Alltag anbieten eher altbekannte Antworte und Verweise. Sie kuscheln sich ein in Erinnerungen an eine Welt wie sie mal war. Ich könnte mir vorstellen, dass das nicht wirklich zu neuen Ergebnissen führt oder besonders viel bewirkt. Die Entwicklung lässt sich vermutlich nicht mehr zurück drehen.

Und nun komme ich doch dazu, die beiden Jungs von Milky Chance zu kritisieren. Denn auch ihr Sound ist wirklich seit gut anderthalb Jahren gehörig massenkonform: Wankelmut, andhim, in gewisser Weise auch Klingande oder Klangkarussell machen genau dasselbe. Und klingen auch noch ganz ganz ähnlich. Das ist natürlich alles nicht schlimm. Wenn dieser soft tuckernde, elektronische Wohlfühlsound gerade das Lebensgefühl vieler Menschen repräsentiert, nun, dann soll er auch benutzt und eingesetzt werden. Ich kann glaub' ich noch ganz gut drauf. Aber sicher nicht mehr lange.

Also genießen wir so lang es noch geht diesen Song. Denn das was er uns anbietet ist nicht nur schön und romantisch in Höchstform. Es ist im Gegensatz zumindest zu Klingande und Sonnentanz auch wesentlich zeitgemäßer und moderner. Sicher, Video-Überblendungen sind seit Lana del Rey auch ein ganz ordentlich akzeptiertes Stilmittel, aber immerhin visualisieren sie damit auch die Flüchtigkeit und Vielschichtigkeit von Erinnerungen. Den peinlichen Affenbrotbaum im Video - den muss man ja nicht unbedingt anschauen. Vielleicht ist ja auch genau das das Neue an Milky Chance: sie haben nicht mal Angst vor biederer Sentimentalität.

P!NK Featuring Nate Ruess: Just Give Me A Reason

Die neue, aktuelle P!NK ist irgendwie auf Balladen abonniert. Auf kraftvolle Balladen, aber es ist doch irgendwie getragener, was sie da so von ihrem Album The Truth About Love auskoppelt. Vielleicht liegt es am Thema. Auch ihre aktuelle Single Just Give Me A Reason ist wieder so ein Song: energetisch und laut, aber irgendwie auch gezügelt, auf eine Art gefühlvoll. – Und die Menschen mögen es derartig, dass sie sich mit jeder neuen Single mehr in die Riege der erfolgreichsten Künstlerinnen aller Zeiten drängelt.

Über P!NK hab ich hier allerdings schon ein bisschen was geschrieben, das könnte ich an dieser Stelle wiederholen – macht nicht so viel Spaß. Da ist es ganz gut, dass Just Give Me A reason einen Namen vorstellt, den ich ganz gern noch etwas genauer durch den Kakao ziehe: Nate Ruess dürfte den meisten Musikinteressierten seit dem letzten Frühjahr ein Begriff sein, als seine Band FUN. nämlich mit dem schönen Titel We Are Young für einigermaßen Aufsehen sorgte. Das war eine etwas komplizierte Produktion, nicht gleich so Tageshit-eingängig, trotzdem eine absolute Hymne und am Ende doch ein Ohrwurm. Und der setzte sich dann auch recht gut durch.

Die Erwartungen waren also hoch an das, was da folgen sollte. Und die Band macht es einem auf keinen Fall leicht, sie einfach so zu mögen. Schon Some Nights lieferte einen recht düsteren Einblick in die Gedankenwelt und das wilde Durcheinander an Gefühlen und Ungewissheiten der Band. Militärgetrommel, patriotische Verse, Gottesfurcht, Heldentum; Familienbande … Versatzstücke, die im Jahr 2012 nicht so ohne Weiteres in einem Pophit vorkommen. Und zumindest Fragezeichen aufwerfen, wenn sie dann schon mal aus der Kiste geholt werden. Auch FUN. haben sich damit doch recht nahe einer neo-konservativen Haltung positioniert – nicht mal ironisch gebrochen.

Gleichzeitig reflektieren diese kruden Gedankensplitter und Fragezeichen sehr genau die komplizierte Welt. Das mit der Urangst und den Ungewissheiten lässt eben schnell zu einfachen Antworten aus vorigen Jahrhunderten greifen. Da passiert es ganz schnell und eine komplette Generation verliert mehr oder weniger die Übersicht. Und Gut und Böse gibt es so rein ja auch schon eine ganze Weile nicht.

P!NK hat sich offenbar irgendwie angezogen gefühlt, von der (neuen) Art all diese Unwägbarkeiten und unklaren Halbgedanken auszusprechen und dabei auch laut seine Verzweiflung (oder Freude) kund zu tun. Und so wagt die gestandene Rocklady direkt den Schulterschluss mit der nächsten Musikergeneration. Das passt ganz gut. Laut und direkt – das ist P!NK ja ohnehin gern. Hin und wieder etwas abwegig oder auch mal zu fix mit dem was sie so in die Welt setzt, ist sie auch. Jetzt kombiniert sie also ihre sehr authentische Art mit ein wenig Abwegigkeit mehr und mit einer eher prägnanten Stimme – in diesem Zusammenhang lässt sich das durchaus als Glamour beschreiben.

So gesehen ist Just Give Me A Reason tatsächlich ein bisschen mehr als ein weiterer Herzschmerz-Song. Bezeichnend ist an dieser Stelle, dass vor allem die Live-Version dieses Titels deutlich mehr an Emotion transportiert als die dann doch ein wenig zu glatt produzierte Studioversion. Wenn es dann nur noch Radio-Rockpop ist, dann verliert auch die schönste Kombination ihren Reiz. Könnte trotzdem gut sein, dass sich dieses Duett zu einem Klassiker entwickelt, der auch in 20 Jahren noch von Casting-Kandidaten mit viel Inbrunst interpretiert wird.

Sido: Bilder im Kopf

Jetzt muss ich mich hier also auch noch mit Sido beschäftigen. Aiaiai… das kann ja nur schief gehen.

Wer hätte vor fünf oder sechs Jahren wirklich geglaubt, dass dieser Sido, der Wilde und Ungebändigte, der Provokante, mal zum TV-Liebling wird und Mainstream-Musik macht? – Ich definitiv nicht. Und ich kann bei nahezu jeder neu erscheinenden Nummer von Sido nicht glauben, wie weit die Transformation des Herrn Würdig geht. Ok – wir werden alle älter und gesetzter. Und irgendwann ist halt der Lack ab, dann hat man keinen Biss mehr. Aber dass das schon mit 32 so sehr passiert …?

Na gut, Sido hat zum Austoben und Frech-Sein immer noch sein 23-Projekt zusammen mit Bushido. Da macht er all das, für was er auch vor 10 oder 15 Jahren schon stand: Ghetto Rap und ganz viel unpolitisch Korrektes. Als Sido – seiner eigentlichen Identität - hat er sich lieber für dieses Grundschullehrer-Aussehen und den Vertrag mit UNIVERSAL entschieden. Wahrscheinlich um zu zeigen, dass auch ein Rebell und ein Junge von ganz unten es schaffen kann. Der alte Traum: vom Tellerwäscher zum Millionär. Leider hat das schon bei good old “Jenny from the Block” nicht wirklich funktioniert. Denn dieser Sido, der da dauernd im Fernsehen auftaucht, das ist nicht derselbe, der 2004 Mein Block hoch gelobt und diesen gegen nichts anderes getauscht hätte. Konsequent wäre es gewesen, wenn Sido mit seiner Maske auch seinen abgelegt hätte. Paul Würdig – zu so einem Namen passt ein Song wie Bilder im Kopf viel besser. Sido ist da eher verwirrend.

Bilder im Kopf – das ist Mainstream-Sound. Das ist durchaus funky oder jazzy, das hat auch einen Schuss Blues. Da spielt sogar eine Gitarre mit. Herr Eißfeldt hätte seine Freude dran.



Ein bisschen ist der Sido natürlich noch der Sido von früher – klar, so ganz kann man zum Glück aus seiner Haut nicht raus. Deshalb versucht er wenigstens etwas frech zu sein und singt von seinen Haaren am Sack und ähnlichen Dingen. Glück gehabt – die Welt ist weiter in Ordnung, denn viel Schwanz und Potenz macht Typen cool. Den Biss von früher hat es allerdings definitiv nicht mehr.

Ein bisschen Angst sollten wir um Sido ganz sicher haben. Jetzt archiviert er nämlich seine Erinnerungen. Nicht nur in Songs, sondern auch in Fotoalben. Für mich sind ja solche Alben eher eine gruselige Angelegenheit und enorm albern. Da kommt nur noch das Poesiealbum dahinter. Für Sido (der, der früher Einfamilienhäuser Scheiße fand) ist so ein Poesiealbum nichts Schlimmes. Und dieses Fotoalbum hat dann sogar einen silbernen Knopf … um mal im Sido-Sprech zu bleiben: Wie schwul ist das denn?

Jetzt gibt es irgendwie zwei Möglichkeiten, warum so ein Bilderbuch für Jungs wie Sido funktioniert: Entweder er fand das schon immer ganz normal. Dann würd’ ich aber doch tatsächlich nochmal ganz anders auf seine ach so wilde Zeit schauen: war das etwa schon immer nur ein kleiner Spießer, der halt niemanden zum Spielen hatte und deshalb so aggressiv drauf war?

Oder er hat sich tatsächlich schon vollständig jedes letzte bisschen Hirn aus seinem Kopf rausgesoffen und -gekokst? Na gut, dann hatte er wenigstens ein paar Jahre ordentlich Spaß. Und dann ist es sowieso egal, weil dann ist Sido definitiv nicht mehr zurechnungsfähig.

Vielleicht ist ja aber dieses liebe und harmlose Liedchen samt Kindergarten-Video auch als ganz ernstahftes Erwachsenwerden zu werten. Sido blickt auf seine Jugendzeit zurück und wackelt ein bisschen altväterlich mit dem Kopf: “Ach, waren wir verrückte Jungs.” – Passt zum Ghetto-Rap. Der beklagt sich ja auch immer über die schlimmen Umstände und erzählt, dass die armen Jungs keine andere Chance haben als dumm rumzulabern und möglichst viel Frust aus sich rauszuballern. Brauchen wir uns ja nur Kollegah & Farid Bang anzuschauen.

Das hat der Sido nun alles hinter sich gelassen. Jetzt ist er Papa und braucht keine dicke Angeber-Show mehr. Hat ja ohnehin keiner so recht geglaubt, was er da alles von sich gegeben hat. Ist nur schade, dass es jetzt genauso ist. Der ganze Brei von Paul Würdig, das ist TV-Talkshow-Dünnpfiff vom Feinsten. Nur jetzt ist es irgendwie obendrein noch langweilig. Hmmm … da hab’ ich tatsächlich keine Minute länger Bock, drüber nachzudenken.

Bilder im Kopf ist also ein richtig großer Hit und sogar die Landeswellen für Rentner mögen den Titel und spielen ihn. Fehlt eigentlich nur noch, dass die Söhne Mannheims Sido demnächst bei sich aufnehmen. Dann wäre er mal einen Weg richtig zu Ende gegangen.

MARTERIA • YASHA • MISS PLATNUM: Lila Wolken

Schon wieder sind es Wolken, die einem Hit zum Titel verhelfen. Da scheint eine gehörige Sehnsucht nach diesen Dingern zu bestehen. Denn um bedrohliche Gewitterwolken oder andere gefährliche Dinger geht es weder bei Wolke 7 noch bei Lila Wolken. Vielleicht klingt es ein bisschen verstrahlt – und ist nach einer durchfeierten Nacht natürlich auch genauso gemeint – die Wolken morgens haben nunmal die allerwunderlichsten Farben. Und diese Wolken stehen für ein irgendwie nicht genau zu definierendes, wohltuendes Gefühl. Es ist so etwas wie Freiheit und Glück, die sich breit machen am frühesten Morgen. Es ist auch dieses unendliche Gefühl, leergefegter Straßen und Städte. Keine Grenzen, keine sozialen Zwänge.

Davon erzählt also Lila Wolken des Trios MARTERIA • YASHA • MISS PLATNUM. Und damit beschreiben sie ziemlich genau das Gefühl, die Sehnsucht einer Jugend, die aufwächst im Kommunikations- und Krisenstress des noch jungen Jahrhunderts. In den 90ern, da wurde es zur Normalität die Nächte durchzufeiern und frühestens Sonntagmittag ans Nachhausegehen zu denken. Eigentlich gings sogar dann noch weiter. 2012 muss man dieses Recht auf unbeschränktes Feiern schon wieder ordentlich einfordern. Ordnungshüter, unzählige Regelungen, ein immer härter werdendes Jobsystem und die allgemein wachsende Spießigkeit lassen es gar nicht mehr so selbstverständlich sein, sich seine Freizeit zu gestalten wie es einem gefällt. Lila Wolken ist ein bisschen die Hymne zu diesem Aufbegehren.

Das ist natürlich kein völlig neues Verlangen, dass sich da breit macht. Bei mir stellte sich auch bei der allerersten Begegnung mit den Lila Wolken sofort ein Deja vu-Effekt ein: Kennste das nich? Und dann hat es nochmal einen Tag und eine Nacht gedauert bis mir auffiel: Lila Wolken ist im Grunde die konsequente Fortsetzung von Augen zu, welches vor zwei Jahren allerorten präsent war.



Im direkten Vergleich hab ich sogar das Gefühl, dass Marteria & Co. mindestens mit einem Ohr ziemlich direkt auf diesen Titel gehorcht haben. Auch dort spielen zumindest rosarote Wolken eine Rolle. Und die Stimmung ist ohnehin genau dieselbe. Nur, dass Kobito&Sookee (aka Deine Elstern) sich nach der Nacht ganz frei und fertig einfach nur nach ihrem Bett sehnen dürfen. So einfach haben's die neuen Helden 2012 nicht. Aber die sind ja auch nicht mehr ganz so Underground und Independent – und wahrscheinlich auch viel weniger cool als Kobito&Sookee.

Das wird deutlich, wenn man sich mal das Video zu Lila Wolken betrachtet. Zuerstmal frappiert dieser Zufall: Lila Wolken löst Reckoning Song / One Day als Party Hymne ab. Und wie als wäre Popmusik eine Soap schließt auch die Bildwelt an die Ausgelassenheit und die Wildheit der ungehemmten Feierei des Vorgängers an. Allerdings belässt es Lila Wolken nicht bei der Einfachheit der direkt widergegebenen Wirklichkeit, das Video fährt schon eine ordentliche Portion Inszenierung und Protz auf. Da gibt es Kameraflüge, Marteria, Yasha und Miss Platnum klettern auf ein Riesengasometer, eine Gestalt mir Gesichtsmaske schleicht durchs Video und am Ende gibt es auch ein auf dem Wasser treibendes Bett. Das ist schon enorm pathetisch. Reicht das wirkliche Leben eigentlich nicht?

Richtig böse und leider auch bieder wird es aber durch die Einsprengsel von möglicherweise realen Partyszenen. Da wird mit nackter Haut und Freizügigkeit geprahlt. Guckt mal, was wir uns trauen! Keine Angst, keine Scheu, keine Grenzen! Großartig! – Aber im Video wird’s dann doch gepixelt oder mit schwarzen Balken versehen. Brüste oder Pimmel auf dem Bildschirm, das geht einfach nicht! So viel Freiheit ist dann doch eindeutig zu heftig.



Frag ich mich jetzt: in welcher Welt leben wir eigentlich, dass wir die komplette Nacktheit so sehr verstecken müssen? Selbst wenn sie nur Sekundenbruchteile auftaucht und also sowieso nicht wirklich wahrzunehmen ist? Da war die deutsche Öffentlichkeit schon mal wesentlich weiter. In den 80ern gab es in solchen Biedersoaps wie der Lindenstraße kaum eine Folge, in der nicht ein nackter Mann oder eine nackte Frau durch’s Bild lief. Ohne Balken oder Wegblenden.

Was in der Lindenstraße nicht mehr geht, geht im Musikfernsehen offensichtlich auch nicht mehr. Und hier meine ich den Vergleich sehr ernst. Lila Wolken ist insgesamt und mit seinem Erfolg eben doch zuallererst mal biederer Mainstream. Da hilft’s auch nicht viel, dass sich sowohl Marteria wie auch Miss Platnum in den letzten vier Jahren erst ganz langsam nach oben arbeiten mussten. Irgendwo war es nötig Kompromisse zu schließen, sich anzupassen, erwachsen und gesetzt zu werden. Warten wir auf die nächste Generation, die wirklich auf alles scheißt und nur ihr Ding macht.


Am Ende dann noch ein kleiner Ausblick: die EP enthält noch vier weitere Tracks, unter anderem Feuer welches vom musikkaufenden Publikum zum zweiten Lieblingstrack auserkoren wurde. Die Anleihen an Prodigys Firestarter sind deutlich, die visuelle Inszenierung noch grober: MARTERIA • YASHA • MISS PLATNUM sind angetreten, die nächsten Pop-Superstars zu sein.

Mike Candys Ft. Evelyn & Patrick Miller: 2012 ‘If The World Would End’

Schweizer Dance-Produktionen haben gerade Konjunktur in Deutschland. Im letzten Sommer war es DJ Antoine, der mit einem Remix von Timati’s Welcome To St. Tropez einen echten Sommerhit landen konnte. Wenig später folgte von seinem Kollegen Mike Candys aus Zürich ein zweiter Aufguss. One Night In Ibiza war von Anfang an als Antwort auf den DJ Antoine-Hit zu verstehen, leider nicht wahnsinnig originell gemacht. Das Dancefloor-Volk hat’s wenig gestört. Immerhin gab’s ja eine ganz eingängige Hookline. Im Fahrwasser der beiden segelte dann auch gleich noch Remady in die hiesigen Clubs und Dancefloors. Und so kommt es, dass die schweizerische Definition von Dance doch recht präsent ist.

Aktuell scheint sich besonders Mike Candys zu etablieren. Nachdem One Night In Ibiza überraschend erfolgreich durch den Herbst fegte, standen für ihn irgendwie alle möglichen Türen offen. Mit einer Coverversion des Dreamhouse-Klassikers Children wollte es Anfang des Jahres noch nicht so richtig funktionieren. Jetzt aber legt Mike Candys mit 2012 ‘If The World Would End’ nach. Und landet unglaublicherweise ganz oben in den Verkaufscharts. Das Rezept ist bekannt: Dancefloor-Beat, weibliche Refrain-Sängerin, wenig textlicher Inhalt und ein männlicher Rap-Part. Zutaten, wie sie schon bei One Night In Ibiza funktioniert haben, nur jetzt noch einmal mehr in Richtung 90er Sound geschoben. Anfügen muss ich: schlechten 90er Sound.

Der Beat versucht gar nicht erst, auf irgendeine Art raffiniert zu sein. Straight to the floor und simple Hookline – hätte jetzt auch ein Kompositionsprogramm so entwerfen können. Die Stimme von Evelyn ist leider alles andere als charismatisch. Das sie tatsächlich mal die schweizerische Variante von Popstars gewonnen hat, hört man an dieser Produktion so gut wie gar nicht. Das, was sie vielleicht an Talent, Eigenart und Emotion mitbringt wird durch Auto Tune weggewischt. Nur nicht auffallen, schön durchschnittlich bleiben. Patrick Miller dagegen klingt unglaublich angestrengt cool. Vielleicht hat er tatsächlich so eine rauhe Stimme, irgendwie bewusst aufgesetzt bleibt das Ganze, weil er halt versucht mich von einer ziemlich beknackten Story zu überzeugen – Turbo B. war da vor gut 20 Jahren 10.000 x authentischer. Das sind jetzt natürlich alles sehr subjektive Eindrücke. Da mag es andere geben. Die Parallelen zu den 90ern sind allerdings nicht wegzudiskutieren. Warum dieser Sound plötzlich wieder derartig original Konjunktur hat, kann ich mir nicht wirklich erklären. Höchstens so, dass diejenigen, die es im Original erlebt haben jetzt in einem Alter sind, in dem sie nicht mehr Zielgruppe Nummer 1 sind und auch sonst kaum noch Musik kaufen. Die Sammlung aus den 90ern steht ja noch im CD-Regal. Die heutigen Musikkonsumierenden sind dann so jung, dass auch der 90er Sound völlig vorurteilsfrei entdeckt werden kann. Und damit dürfen natürlich auch all die schon einmal gemachten Fehler wiederholt werden. Schade!

Dass die Geschichte dann aber doch nicht 1:1 nochmal funktioniert, das ist die eigentliche Tragik hinter 2012 ‘If The World Would End’. Der Titel zitiert zwar sehr schön das hedonistische, selbstbezogene Lebensgefühl des Hier und Jetzt, dass kein Morgen kennt und sich auch nicht drum kümmert. Ideen und Visionen, die der Clubuntergrund der 90er ziemlich fett in die breite Masse gespült hat und die heute für einen guten Teil der Jugend immer noch attraktiv scheinen. Allerdings sind die Figuren im Video und Mike Candys selbst alles andere als die selbstvergessenen und irrational Feiernden. Es ist doch eher die Generation, die den Bausparvertrag schon in der Tasche hat, die natürlich für die Rente einzahlt und sozial abgesichert ist. Papa und Mama haben da ordentlich vorgesorgt und so richtig ins Leere fällt niemand. Erst recht nicht, wenn man aus dem Schweizer Mittelstand kommt. Die leerstehende Fabrikhalle ist lediglich geschmackvoll ausgewähltes Ambiente. Die modischen Outfits unterstreichen das nochmal ordentlich. Hier feiert der überfütterte weiße Mittelstand mit Laserhandschuh und Technik-Gimmicks.



Dass diese Jugend gern etwas mehr Authentizität und Echtheit hätte, dass sie gern etwas geerdeter wäre, das glaube ich gern. Dass ihnen auch der Weltuntergang völlig egal ist, das verstehe ich genauso. Allerdings wirds durch einen ungefährlichen Partysong nicht wirklich besser. Da müsste Mike Candys einfach ziemlich viel mehr konsequenter sein. Britney Spears hat das ja vor einem Jahr schonmal ganz passabel durchgespielt. Da ist dann zwar auch nur ein Popsong draus geworden, aber der sieht in der Inszenierung schon mal wesentlich kaputter und extatischer aus. Warum das so ist, liegt in den Grundannahmen begründet. Bei Britney heißt es Till The World Ends – da gibt es gar keinen Zweifel dran, dass irgendwann mal alles mit lautem Getöse untergeht. Demzufolge ist es tatsächlich möglich (und notwendig), kompromisslos zu feiern. Der Kater danach findet nicht statt. (oder spielt erstmal keine Rolle)



Die europäische Bausparvertrag-Variante lässt sich da lieber ein Schlupfloch. Vielleicht geht die Welt ja doch nicht unter. Also lieber ein bisschen drauf achten, mit wem man da abfeiert. Die facebook-Bilder könnten ja dann doch meinem Chef vor die Augen kommen. Biedere Spießigkeit drückt sich in diesem kleinen Wörtchen “if” aus. Aber das ist natürlich auch genau das Umfeld, aus dem die Produktion kommt. Mike Candys ist kein White Trash. Mike Candys ist wohlbehütete Kindheit und gesellschaftliche Kontrolle, die nicht zulässt, auch mal etwas abseitiger zu denken, zu fühlen und zu leben.

Marlon Roudette: New Age

Marlon Roudette: New Age

Die Sommerpause 2011 ist vorüber – endlich! Zu erkennen ist das daran, dass es plötzlich wieder jede Menge neuer Musik zu erforschen gibt. Nicht bloß mal so ein oder zwei relevante Titel … Wobei, neue Musik gab es natürlich auch im Sommer 2011 en masse – nur eben konnte sie sich nicht in der breiten Masse durchsetzen, weil die großen Labels arg vorsichtig und unsicher agieren und in den Sommermonaten nichts riskieren wollen. Mitte August nun endlich ist die Flaute vorbei. Ein Blick in die aktuellen Charts sagt uns: 13 Neueinsteiger! Das ist schonmal ordentlich und nahezu der Spitzenwert im Jahr 2011. Klar gab es vor zwei drei Jahren auch schon Zeiten, in denen 20 neue Titel pro Woche der Standard waren …

Der Titel, der sich am schnellsten durchsetzen konnte, gehört zu einem Film. Ob es nun dieser Link ist oder der Titel so ganz für sich allein attraktiv genug ist, das bleibt wilde Spekulation. Ich für meinen Teil bin ziemlich überzeugt, dass ohne den Film What a Man auch New Age von Marlon Roudette wenig Chancen gehabt hätte. Zumal der Titel ohne den Film gar nicht existieren würde. Der neue deutsche Filmstar Matthias Schweighöfer, der What a Man geschrieben, gedreht, zum Teil auch geschnitten und natürlich die Hauptrolle gespielt hat, hat nämlich auch ganz gehörig an der Zusammenstellung des Soundtracks mitgewirkt. Und wenn man den Gerüchten glauben schenken darf, dann war es Herr Schweighöfer sogar persönlich, der Marlon Roudette bat, den Titelsong zu schreiben.

Worum geht’s in What A Man? Alex Nowak wird von seiner Freundin verlassen und versucht daraufhin, sich selbst (und ihr natürlich) zu beweisen, dass er ein richtiger Mann ist. Logisch dass das nicht ohne sehr viel Komik geht. Der neue deutsche Film setzt mal wieder auf locker-lustige Beziehungskomödien. Nicht wirklich neu, aber immer noch sehr beliebt und auch von der Mehrheit der Filmbewerter und Kritiker sehr gemocht. Dazu eine prächtige Werbemaschinerie und schwupps… der Film lockt sofort am Startwochenende 340.000 Zuschauer ins Kino und legt damit das beste Ergebnis seit Kokowäh hin. Bezeichnenderweise genau der Film, der zuletzt einen Soundtrack-Titel bis an die Spitze der Verkaufscharts katapultieren konnte (HURTS mit Stay Platz 2).



Und nun zur Musik: New Age ist ein Romantik-Popsong mit viel Klavier und seichten Summ-Chören im Hintergrund. Melancholisch getragen – entspricht genau dem erfolgreichen Bruno Mars-Gefühl. Alles ein bisschen traurig verliebt, süßlich schmerzverliebt – kurz: romantisch. Das erkennt man alles schon am Cover der CD und das gefällt den deutschen Musikkäufern. Und den Radiostationen auch. Ein Titel, der nirgendwo stört. Und der endlich mal mit dem sonst überall ertönenden Rumsbums nichts zu tun hat. Das sind offensichtlich die Gründe, weshalb New Age derartig einschlägt und wohl für die nächsten Wochen und Monate den Alltagssound mitbestimmen wird.



Marlon Roudette selber ist kein Unbekannter in Deutschland. Er war/ist eine Hälfte des britischen Duos Mattafix, welches besonders 2005/2006 mit Big City Life erfolgreich war. Es reichte sogar für drei Wochen zum meistverkauften Titel – in der Jahresauswertung 2006 dann Platz 7. Fünf Jahre Differenz, da lassen sich durchaus schon mal Vergleiche anstellen: Wo hat sich der erfolgreiche Sound und damit der Geschmack der breiten Masse hinbewegt. Erster Eindruck, die Grundstimmung ist ähnlich: romantisch verklärte Melancholie. 2006 war das Ganze allerdings wesentlich rhythmusorientierter, angereichert sogar mit einem Rap-Part und eindeutig synthetischem Sound. In der extremeren Version hieß das damals Electro-Clash.



2011 ist wesentlich weicher und in der Instrumentierung klarer – vielleicht ehrlicher. Das Schlagzeug wird vermutlich wirklich gespielt und ist kein Drumcomputer, das Klavier sowieso ganz echt und nur ganz sacht dürfen noch Synthesizer-Klänge als solches im Hintergrund wimmern. Natürlich wissen alle, dass auch diese Aufnahmen per Computer mehrfach überarbeitet und geglättet wurden – aber es klingt authentisch und niemand würde sich wundern, wenn Marlon Roudette diesen Song mit einem echten Orchester vortragen würde. Klingt wahrscheinlich genauso.

New Age ist ein Song, der noch einmal zu 100% in die Welle „Neue Romantik“/“Neue Bürgerlichkeit“/“Ehrliche Musik“ passt. Vielleicht ist es sogar so etwas wie ein weiterer Höhepunkt. Von Rolling In The Deep bis Over The Rainbow gibt es da ja schon einige Beispiele in der jüngeren Pop-Geschichte. Auch wenn die natürlich noch einmal komplett anders funktionieren.